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Peu d'artistes ont réussi une ascension aussi fulgurantedans l'histoire de l'art que la peintre mexicaine Frida Kahlo (1907-1954). Reconnaissable entre mille et représenté sur plus de cinquante autoportraits extraordinaires, son visage est admiré depuis des générations. Cette oeuvre unique, associée aux centaines de photos prises par de grands noms comme Edward Weston, Manuel et Lola Álvarez Bravo, Nickolas Muray ou Martin Munkacsi, a fait de Frida Kahlo une icône de l'art du XXe siècle.
Frida a décidé de devenir peintre après un accident survenu durant son l'adolescence. Son mariage avec Diego Rivera, en 1929, la propulse sur le devant de la scène artistique, non seulement au Mexique, mais aussi aux États-Unis et en Europe. Une personnalité comme André Breton a fait l'éloge de son travail et a inclus la peintre dans le cercle international des Surréalistes. En 1939, il expose ses oeuvres à Paris où Picasso, Kandinsky et Duchamp les admirent.
Ce livre offre au lecteur l'opportunité d'explorer les peintures de Frida Kahlo comme jamais auparavant. À l'aide de reproductions superbeset en interaction avec des photos célèbres de l'artiste, il présente des oeuvres provenant de collections privées, difficilement accessibles au grand public, ainsi que d'autres que l'on croyait perdues ou qui n'ont pas été exposées depuis plus de 80 ans.
Des dessins, des extraits de son journal intime, des lettres et une biographie abondamment illustrée de photographies de Frida, de Diego et de la Casa Azul - la maison de Frida et le centre de son univers - donnent un aperçu très personnel de la vie et de l'univers artistique de Frida Kahlo. -
La légende de Jean-Michel Basquiat est toujours bien vivante. Synonyme du New York des années 1980, l'artiste apparaît pour la première fois sous la forme du tag SAMO, signature des commentaires caustiques et de fragments de poèmes qu'il inscrit sur les murs de la ville. Il surgit comme un élément d'une scène underground en pleine expansion, faite d'arts visuels et de graffitis, de hip-hop, de post-punk et de cinéma indépendant, destinée à rejoindre le florissant monde de l'art. Doué d'une puissance et d'une voix toute personnelle, Basquiat rompit avec le milieu établi et exposa grâce au circuit des galeries du monde entier. Basquiat trouva son propre mode d'expression dans un style mêlant formes brutes, mots et phrases. Son oeuvre s'inspire des grands noms du jazz, de la boxe et du basket, et fait allusion aux secrets de l'histoire et aux sujets politiques urbains. Quand on l'interrogeait en effet sur ses sujets, il répondait: «la royauté, l'héroïsme et la rue». En 1983, il commença à collaborer avec l'une des stars les plus célèbres de l'art, Andy Warhol, et en 1985 il réalisa une couverture pour le New York Times Magazine. Lorsqu'il meurt, à 27 ans, il est reconnu comme l'un des artistes le plus talentueux de son temps. Publié à l'origine en édition format XXL, cet aperçu inédit de l'art de Basquiat est désormais disponible dans un ouvrage plus accessible et compact en l'honneur du 40e anniversaire de TASCHEN. Grâce aux reproductions exceptionnelles de ses peintures, dessins et croquis les plus importants, il offre une proximité saisissante avec Basquiat à travers ses signes mystérieux et ses mots griffonnés, éclairés par une présentation de l'artiste par l'éditeur Hans Werner Holzwarth et un essai sur ses thèmes de prédilection et son évolution artistique de l'historienne d'art et conservatrice Eleanor Nairne. La vie de l'artiste est retracée, année après année, à travers des chapitres richement illustrés enrichis des citations de Basquiat et des textes critiques parus à l'époque, permettant de mieux appréhender son expérience personnelle et le contexte historique de son oeuvre.
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«Dans GENESIS, mon appareil photo a permis à la nature de me parler. Écouter fut pour moi un privilège.» - Sebastião Salgado En 1970, à 26 ans, Sebastião Salgado se retrouve par hasard pour la première fois avec un appareil photo entre les mains. En regardant dans le viseur, il a une révélation: brusquement, la vie prend un sens. Dès lors - même s'il lui a fallu des années de travail acharné avant d'acquérir l'expérience nécessaire pour pouvoir vivre de son travail de photographe - l'appareil photo devient l'outil par lequel il interagit avec le monde. Salgado, qui a «toujours préféré la palette en clair-obscur des images en noir et blanc» prend quelques photos couleur à ses débuts, avant d'y renoncer définitivement. Élevé dans une ferme au Brésil, Salgado éprouve un amour et un respect profonds pour la nature; il se montre aussi particulièrement sensible à la façon dont les êtres humains sont affectés par les conditions socio-économiques souvent accablantes dans lesquelles ils vivent. Des nombreuses oeuvres que Salgado a réalisées au cours de son admirable carrière, trois projets de longue haleine se démarquent particulièrement: La Main de l'homme (1993) qui illustre le mode de vie bientôt révolu de travailleurs manuels du monde entier, Exodes (2000), témoignage sur l'émigration massive causée par la faim, les catastrophes naturelles, la dégradation de l'environnement et la pression démographique, et ce nouvel opus, GENESIS, résultat d'une expédition épique de 8 ans à la redécouverte des montagnes, déserts et océans, animaux et peuples qui ont jusqu'ici échappé à l'empreinte de la société moderne - les terres et la vie d'une planète encore préservée. «Près de 46% de la planète semblent encore comme au temps de la Genèse», fait remarquer Salgado. «Nous devons sauvegarder ce qui existe.» Le projet GENESIS, en lien avec l'Instituto Terra créé par Salgado cherchent à montrer la beauté de notre planète, à inverser les dommages qu'on lui a infligés et à la sauvegarder pour les générations futures. Au cours de 30 voyages, à pied, en avion léger, en bateau, en canoë et même en ballon, par une chaleur extrême ou un froid polaire et dans des conditions parfois dangereuses, Salgado a réuni des images qui nous montrent la nature, les peuples indigènes et les animaux dans toute leur splendeur. Maîtrisant le monochrome avec un talent qui rivalise avec celui du virtuose Ansel Adams, Salgado fait entrer la photographie noir et blanc dans une autre dimension; les nuances de tons de ses oeuvres, le contraste entre le clair et l'obscur, évoquent les tableaux de grands maîtres comme Rembrandt et Georges de la Tour. Que découvre-t-on dans GENESIS? Les espèces animales et les volcans des Galapagos; les manchots, les lions de mer, les cormorans et les baleines de l'Antarctique et de l'Atlantique sud; les alligators et les jaguars du Brésil; les lions, les léopards et les éléphants d'Afrique; la tribu isolée des Zoé au fin fond de la jungle amazonienne; le peuple korowaï vivant à l'âge de pierre en Papouasie occidentale; les éleveurs de bétail nomades dinka du Soudan; les nomades nénètses et leurs troupeaux de rennes dans le cercle arctique; les communautés mentawai des îles à l'ouest de Sumatra; les icebergs de l'Antarctique; les volcans d'Afrique centrale et de la péninsule du Kamtchatka; les déserts du Sahara; le rio Negro et le rio Jurua en Amazonie; les failles du Grand Canyon; les glaciers de l'Alaska... Après s'être rendu là où personne n'était jamais allé, et avoir consacré tant de temps, d'énergie et de passion à la réalisation de cet ouvrage, Salgado considère GENESIS comme sa «lettre d'amour à la planète».
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Après qu'Egon Schiele (1890-1918) se fut affranchi de l'emprise de son maître et modèle Gustav Klimt, il ne lui restait que dix ans pour inscrire son style emblématique dans les annales de la modernité, avant que la grippe espagnole ne l'emporte. Grâce à sa nature d'enfant prodige, plus ou moins conscient de son génie, et de provocateur immodéré, ce défi fut relevé haut la main.
Ses personnages hagards aux corps déformés, sa représentation radicale de la sexualité et ses autoportraits dans lesquels il se peint le visage décharné, traduisant un sentiment entre génie et folie, n'ont rien à voir avec la qualité ornementale des tableaux de Klimt, de ses hymnes à l'amour, à la sexualité et au désir ardent. Les oeuvres de Schiele expriment, elles, une franchise brutale, qui allait bouleverser et changer la société viennoise à jamais.
Si elles furent ensuite déconsidérées, présentées comme «dégénérées» et même près de tomber dans l'oubli, les oeuvres de Schiele influencèrent des générations d'artistes, de Günter Brus et Francis Bacon à Tracey Emin. Aujourd'hui, ces tableaux si mal compris continuent d'atteindre des prix exorbitants sur le marché de l'art mondial.
Cette monographie, d'abord publiée dans une édition XL, est maintenant disponible dans une édition légèrement abrégée et plus compacte pour célébrer le 40e anniversaire de TASCHEN. Elle réunit les peintures et les dessins qui retracent la dernière décennie fertile de la vie de Schiele. Enrichi de reproductions inédites spécialement réalisées pour l'édition XL, l'ouvrage donne à voir les oeuvres de l'artiste accompagnées de textes présentant sa vie et son oeuvre, pour situer le maître autrichien dans le contexte de l'expressionnisme européen et faire revivre son extraordinaire héritage. -
Les oeuvres de Christo et Jeanne-Claude sont des monuments fugaces. Gigantesques par leur envergure, ils sont toujours éphémères, créés pour n'exister que pendant un temps défini et ne laisser derrière lui que des impressions uniques, inégalables. «Depuis les plus petits Emballages réalisés à Paris au début des années 1960, jusqu'au motif délicat dessiné par des centaines de branches enlacées dans un voile textile translucide... les oeuvres de Christo et Jeanne-Claude n'ont rien d'abstrait, rien d'imaginé; tout est là - corporel et tangible.» (Lorenza Giovanelli)
Entre biographie, analyse critique et catalogue, cette édition actualisée remet à l'honneur la fameuse Édition collector de TASCHEN. Elle revient sur l'ensemble de l'oeuvre de Christo et Jeanne-Claude, depuis les premiers dessins et les photos de famille jusqu'aux plans des futurs projets. Des centaines de photographies et d'oeuvres originales retracent les créations du couple ces 10 dernières années, telles que The Floating Piers et The London Mastaba, et abordent les travaux en cours comme Le Mastaba, Projet pour les Émirats Arabes Unis et L'Arc de Triomphe Empaqueté, Projet pour Paris.
Avec l'importante documentation photographique de Wolfgang Volz, il forme une célébration de l'oeuvre de deux artistes dont l'imagination a touché le paysage de chaque continent. -
Artiste pop, peintre de la vie moderne et des paysages, maître de la couleur, explorateur de l'image et de la perception - depuis soixante ans, David Hockney est connu pour être un artiste qui trouve toujours de nouveaux moyens pour explorer le monde et les façons de le représenter. Il n'a cessé de créer des images inoubliables: des lignes graphiques et des insertions de texte dans le Londres des années 1960; la fameuse série des piscines, une chronique du style de vie californien dans les années 1970 ; des portraits finement observés et d'immenses paysages saturés de couleur après son retour dans son Yorkshire natal. Outre les dessins où il transpose ce qu'il voit directement sur le papier, des collages de Polaroïds de points de vues multiples ouvrent l'espace en une myriade de vues détaillées, et ses dessins sur iPad, dans lesquels il saisit la lumière au moyen de l'outil le plus moderne, qui témoignent du goût intense et durable de Hockney pour l'expérimentation.
Cette édition spéciale a été composée à partir des deux volumes de la monographie David Hockney: A Bigger Book pour célébrer le 40e anniversaire de TASCHEN. La vie et l'oeuvre de Hockney y sont présentées année après année, dans un dialogue entre ses oeuvres et les voix de chaque époque, ainsi que les commentaires des critiques et les réflexions de l'artiste dans un texte chronologique, enrichi de portraits photographiques et de vues d'expositions. Ainsi réunis, ces éléments ouvrent de nouvelles perspectives qui, page après page, révèlent de quelle manière Hockney entreprend sa quête artistique, comment il élabore ses peintures et ce qui lui inspire son travail aux multiples facettes. -
Même si son oeuvre ne compte à notre connaissance que 35 tableaux, ses toiles ont donné naissance à un best-seller inscrit dans la liste du New York Times, à un film avec Scarlett Johansson et Colin Firth. Elles attirent un nombre record de visiteurs dans les grandes institutions artistiques, d'Amsterdam à Washington et imposent des mesures spéciales pour contrôler la foule au Mauritshuis, à La Haye, où ils sont des milliers à défiler pour apercevoir l'énigmatique et séduisante Jeune Fille à la perle, surnommée la «Mona Lisa néerlandaise».
De son vivant, pourtant, la renommée de Johannes Vermeer (1632-1675) dépassait à peine sa Delft natale et un petit cercle de commanditaires. Après sa mort, seuls quelques collectionneurs et marchands d'art néerlandais ont empêché son nom de sombrer dans l'oubli. Hors des Pays-Bas, ses oeuvres ont souvent été attribuées à tort à d'autres artistes. Ce n'est qu'à la moitié du XIXe siècle que Vermeer a attiré l'attention du monde artistique, qui s'est soudain penché sur ses détails narratifs, ses textures finement nuancées et ses majestueux pans de lumière. Une fois le génie redécouvert, il est définitivement sorti de l'ombre.
Cette édition rassemble le catalogue complet de l'oeuvre de Vermeer réuni dans un format compact. Cette monographie regroupe ainsi, dans les meilleures reproductions imaginables, ses scènes paisibles et pourtant captivantes, trésors des galeries et musées européens et américains. Des agrandissements de détail éloquents et des essais soulignent le talent extraordinaire de Vermeer à témoigner des traditions et modes de l'âge d'or néerlandais, mais aussi à évoquer toute une histoire à travers une simple expression, un geste esquissé ou un regard fugace. -
La vie et l'époque de Pieter Bruegel l'Ancien (vers 1526/1530-1569) ont été marquées par de violents conflits culturels. Il a ainsi connu des guerres de religion, le règne brutal du duc d'Albe alors gouverneur des Pays-Bas et les effets palpables de l'Inquisition. À ce jour, la vie de l'artiste flamand demeure nimbée de mystère. Nous ne savons pas exactement où et quand il est né. Si les érudits ont d'abord souligné le caractère vernaculaire de sa peinture et de ses gravures, la recherche moderne accorde plus d'importance à l'aspect humaniste de son oeuvre. Après avoir conçu des dessins préliminaires pour l'éditeur Jérôme Cock, Bruegel réalise plusieurs séries d'estampes qui furent distribuées dans toute l'Europe. Elles dépeignent les vices et les vertus au détour de fêtes paysannes endiablées et de paysages à perte de vue. Il se tourne ensuite de plus en plus vers la peinture, puisant sa clientèle dans l'élite culturelle d'Anvers ou de Bruxelles. Plutôt que d'idéaliser la réalité, il représenta courageusement les enjeux de son époque, peignant les horreurs des guerres de religion et prenant position à l'égard de l'Église catholique. Bruegel imagina ainsi son propre langage pictural de la dissidence, incorporant ses messages subliminaux dans des scènes quotidiennes innocentes afin d'échapper aux blâmes. Ce livre est dérivé de notre anthologie format XXL, qui a vu TASCHEN entreprendre une étude photographique de l'oeuvre de l'artiste. Le livre réunit reproductions et détails exceptionnels, dévoilant l'univers plus grand que nature de Bruegel avec une clarté inouïe.
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Pendant six ans, Sebastião Salgado a sillonné l'Amazonie brésilienne et photographié la beauté sans égal de cette région extraordinaire: la forêt, les fleuves, les montagnes, les gens qui y vivent - cet irremplaçable trésor de l'Humanité où la puissance immense de la nature se ressent comme nulle part ailleurs sur Terre.
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Créateurs de mode A-Z
Suzy Menkes, Robert Nippoldt, Valerie Steele
- Taschen
- 40
- 2 Mars 2023
- 9783836587556
D'Azzedine Alaïa, Cristóbal Balenciaga et Coco Chanel à Alexander McQueen, Yves Saint Laurent et Vivienne Westwood, cette nouvelle édition de Fashion Designers A-Z rend hommage aux grands noms qui ont signé la mode durant plus d'un siècle à travers les collections permanente du musée du Fashion Institute of Technology de New York.
Cet recueil mis à jour et plus accessible rassemble des photographies de centaines de vêtements choisis parmi les collections permanentes du musée. Robe du soir précieuse en velours brodé ou minimalisme chic à la Mondrian, chaque pièce a été sélectionnée pour sa beauté bien sûr, mais aussi pour son intérêt, en ce qu'elle est l'incarnation de la philosophie ou du style d'un des créateurs évoqués.
L'ouvrage est introduit par la directrice et conservatrice en chef du musée, Valerie Steele, qui raconte le développement des musées consacrés à la mode et l'émergence de l'exposition de mode comme phénomène populaire et controversé. La préface de la prêtresse du style Suzy Menkes ainsi que les textes signés par les conservateurs du musée reviennent sur le contexte historique de chaque marque et pièce présentées, tandis que les portraits de l'artiste Robert Nippoldt rendent hommage à ces grands créateurs. -
Hiroshige & Eisen : The Sixty-Nine Stations along the Kisokaido
Andreas Marks, Rhiannon Paget
- Taschen
- 40
- 7 Février 2024
- 9783836594875
La route de la Kisokaid? à travers le Japon fut tracée sur l'ordre de Tokugawa Ieyasu, qui dirigea le pays au début du XVIIe siècle et décréta que des relais soient installés tout le long de cette piste accidentée qui reliait Edo (l'actuelle Tokyo) et Kyoto. Auberges, échoppes et restaurants y furent construits pour prodiguer nourriture et logis aux voyageurs fatigués. En 1835, le célèbre estampiste Keisai Eisen reçoit la commande d'une série d'oeuvres qui décriront les étapes successives de l'itinéraire de la Kisokaid?. Après avoir réalisé 24 estampes, Eisen est remplacé par Utagawa Hiroshige, qui complète la série avec 70 estampes en 1838.
Eisen et Hiroshige étaient tous deux des maîtres de l'estampe. Les Soixante-neuf Stations de la Kisokaid? révèlent à la fois les styles distincts et le savoir-faire commun des deux artistes. Du point de départ animé de Nihonbashi à la ville d'Iwamurata et son château, Eisen opte pour une palette aux tonalités atténuées, mais excelle dans la représentation figurative, en particulier des femmes élégantes, et se délecte des instantanés de vie qu'il saisit le long de la route - du ferrage d'un cheval au vannage du riz. Hiroshige démontre sa maîtrise du paysage avec des scènes grandioses et évocatrices, des rives paisibles du fleuve Ota à l'impressionnant col de Wada et à l'ascension de Yawata à Mochizuki au clair de lune.
L'ensemble de la série des Soixante-neuf Stations représente non seulement un chef-d'oeuvre de l'estampe, avec des compositions audacieuses et un recours expérimental à la couleur, mais aussi une fresque envoûtante du Japon au XIXe siècle, bien avant le spectre de l'industrialisation. Cette nouvelle édition TASCHEN est composé à partir d'un des exemplaires les mieux conservés de leur première édition etredonne vie à ce recueil. -
Matisse : les papiers découpés : dessiner avec des ciseaux
Gilles Néret, Xavier-Gilles Néret
- Taschen
- 40
- 5 Septembre 2022
- 9783836589185
Sur la fin de sa prodigieuse carrière de peintre, sculpteur et lithographe, âgé et malade, Matisse ne pouvait plus tenir sur ses jambes ni garder un pinceau en main très longtemps. Au soir de sa vie, à près de 80 ans, il mit au point une technique consistant à «sculpter la couleur», créant d'audacieux découpages aux couleurs vives. Même si quelques critiques de l'époque y virent un signe de sénilité, ces gouaches découpées représentaient en réalité une révolution dans l'art moderne, en proposant un tout nouveau mode d'expression qui reformulait l'antagonisme traditionnel entre dessin et couleur. Cette nouvelle édition du premier volume de notre ouvrage format XL d'origine, récompensé par la critique, retrace le contexte historique des gouaches découpées de Matisse, depuis leurs origines, lors du voyage à Tahiti de l'artiste en 1930, jusqu'aux dernières années de Matisse à Nice. Elle comprend de nombreuses photos de l'artiste, dont quelques images, très rares, signées Henri Cartier-Bresson ou du réalisateur F.W. Murnau, ainsi que des textes de Matisse, de l'éditeur E. Tériade, des poètes Louis Aragon, Henri Michaux et Pierre Reverdy, et du beau-fils de Matisse, Georges Duthuit. À travers leur simplicité trompeuse, ces découpages ont à la fois atteint une qualité sculpturale et amorcé une forme d'abstraction minimaliste qui a profondément influencé des générations d'artistes ultérieures. Exubérantes, ces oeuvres aux mille nuances, souvent très grandes, forment un pilier de l'art du XXe siècle et s'avèrent, quand on les contemple aujourd'hui, tout aussi audacieuses et novatrices que du vivant de Matisse.
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Doisneau à coeur ouvert.
L'oeil empathique de Robert Doisneau sur l'expérience humaine.
Aussi sensible aux douleurs des hommes qu'aux plaisirs simples de la vie, Robert Doisneau est incontestablement l'un des plus célèbres représentants de cette photographie humaniste qui s'est imposée dans les années 1950. Surtout célèbre pour ses portraits de Paris si emplis d'âme, Doisneau a démontré un talent unique pour trouver - et cadrer à la perfection - des personnages charismatiques, des épisodes distrayants et des moments fugaces d'humour ou de tendresse. Même dans les contextes les plus modestes, il distille les émotions et les rencontres qui façonnent la vie.
Résumé en images d'une carrière spectaculaire, cet hommage présente les clichés les plus aimés de Doisneau et des photographies moins connues, qui saisissent avec délice «les gestes ordinaires de gens ordinaires dans des situations ordinaires». Les nombreuses citations qui courent tout au long des pages instaurent un dialogue entre les photographies, le lecteur et le photographe lui-même, mettant des mots sur la sensibilité, le sens de l'humour et la chaleur humaine qui caractérisent ses photos.
Cet ouvrage nous transporte dans les faubourgs de la jeunesse de Robert Doisneau, dans le monde du travail manuel dont il admirait tant la noblesse, et dans les ateliers d'artistes majeurs de son époque, saisis en pleine réflexion ou création. Un certain nombre de photographies en couleurs beaucoup moins connues, des paysages transformés de son enfance en banlieue révèlent un autre Robert Doisneau, à l'oeil plus critique.
Pour cette nouvelle monographie traitant de tous les aspects de la vie et de l'oeuvre de Robert Doisneau, son ami de longue date Jean Claude Gautrand, auteur chez TASCHEN, a joui d'un accès illimité aux riches archives photographiques de l'Atelier Robert Doisneau. La préface a été rédigée par les filles de Doisneau, Francine Deroudille et Annette Doisneau. -
Seuls vingt tableaux et huit dessins sont attribués avec certitude au peintre néerlandais Jérôme Bosch (vers 1450-1516). Pourtant, ses visions fantastiques ont fait de lui l'un des artistes les plus adulés de l'histoire. Plus de 500 ans après sa mort, ses oeuvres continuent d'inspirer chercheurs, artistes, designers et musiciens et son influence s'étend au nom de groupes de death metal et aux robes des créateurs.
Ce livre donne accès à l'ensemble du monde obsédant de Bosch dans un format compact. À travers des reproductions en pleine page et des agrandissement soigneusement choisis nous sont dévoilées la richesse et l'étrangeté des inventions issues de l'imagination géniale, si ce n'est dérangeante, de l'artiste. On découvre ses créatures hybrides, ses scènes cauchemardesques, ainsi que le cadre religieux et moral et ses illustrations de proverbes et expressions de l'époque. Au fil de page, l'historien d'art et expert de Bosch Stefan Fischer révèle les thèmes et les influences les plus importantes qui irriguent ces chefs-d'oeuvre mystérieux et fascinants. -
Les tableaux de Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) au charme intemporel n'évoquent qu'amour, bonheur et beauté. Issu de notre édition grand format, qui formait la rétrospective la plus complète jamais consacrée à l'oeuvre du peintre, cet ouvrage analyse de près l'histoire et la passion cachées derrière la légende. Bien qu'il ait commencé sa carrière par des paysages de style impressionniste, Renoir n'a vraiment développé son propre style qu'après avoir commencé à peindre des portraits qui l'ont conduit à se détacher complètement de l'impressionnisme. On l'a souvent mal compris ou critiqué, et pourtant Renoir demeure l'un des peintres les plus aimés de l'Histoire grâce à la chaleur et à la joie de vivre qui émanent de ses tableaux.
Dans son texte éclairant qui revient sur l'intégralité de la carrière de l'artiste en retraçant son évolution artistique, Gilles Néret montre comment Renoir a réinventé la femme en peinture, à travers ses déesses de la vie quotidienne bien rondes, à la poitrine et aux hanches généreuses. Cette dernière phase de l'oeuvre de Renoir, au cours de laquelle il en est revenu au plaisir simple de peindre des nus féminins dans sa série consacrée aux baigneuses, est sans doute de loin la plus novatrice, celle qui a le plus inspiré d'autres artistes comme Matisse et Picasso.
Avec sa chronologie et sa bibliographie, ses superbes reproductions couleur, ainsi que des photos et des croquis illustrant la vie et l'oeuvre de Renoir, ce livre est l'un des ouvrages de référence incontournables sur ce grand maître de la peinture. -
La vie d'Antoni Gaudi (1852-1926) fut pleine de contradictions. Jeune homme, critique à l'égard de l'Église, il rejoignit le mouvement nationaliste catalan, mais voua la fin de sa vie à la construction d'une église unique et spectaculaire, la Sagrada Familia. Il mena un temps une vie de dandy dans le beau monde, mais à sa mort dans un accident de tram à Barcelone, ses vêtements étaient si miteux que les témoins le prirent pour un mendiant. L'incomparable architecture de Gaudi traduit cette multitude de facettes. Textures chatoyantes et structure squelettique de la Casa Batlló ou matrice arabo-andalouse de la Casa Vicens, son travail mêle orientalisme, matériaux innovants, formes naturelles et foi religieuse pour façonner une esthétique moderniste unique. Aujourd'hui, son style particulier rencontre une popularité et une admiration mondiales. Son opus magnum, la Sagrada Familia, est le monument le plus visité d'Espagne et sept de ses oeuvres figurent au patrimoine mondial de l'humanité de l'UNESCO. Illustré de photos inédites, de plans, de dessins de la main de Gaudi et de clichés historiques, enrichi d'annexes approfondies présentant toutes ses créations y compris ses meubles et ses projets inachevés, cet ouvrage présente son univers comme jamais. À la manière d'une visite guidée privée de Barcelone, on découvre combien le «Dante de l'architecture» fut un constructeur au sens le plus pur du terme, qui façonna des édifices extraordinaires, foisonnant de détails fascinants où se matérialisent les visions fantasmatiques au coeur de la ville.
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Le Caravage, de son nom de baptême Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610), a toujours été de ceux que l'on n'oublie pas. Célèbre mauvais garçon de la peinture italienne, l'artiste fut aussi honoré que controversé: violent de tempérament, précis dans sa technique, d'une créativité géniale, il fut aussi un homme en fuite. Il est aujourd'hui considéré comme un des personnages les plus influents de l'histoire de l'art. Cette édition offre un catalogue raisonné exhaustif et détaillé du Caravage. Chacune de ses toiles y est reproduite à partir de photographies récentes en haute résolution, qui permettent un face-à-face troublant avec l'éventail de regards et de gestes génialement composé par l'artiste, ainsi que de nombreux détails révélateurs de son naturalisme hautement novateur. Cinq chapitres relatent le parcours artistique complet du Caravage, ses premières commandes publiques à Rome et son ascension vers la gloire, et retracent sa tumultueuse vie personnelle, où le drame rôda autant que dans ses toiles.
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Découvrez l'esthétique absolument unique de Tadao Ando, le seul architecte à avoir remporté les quatre distinctions les plus prestigieuses de sa profession: les prix Pritzker, Carlsberg, Kyoto et le Praemium Imperiale. Adaptée de notre monumentale monographie format XXL, ce recueil revient sur l'ensemble de son immense carrière, y compris ses derniers projets éblouissants comme le Poly Theater de Shanghai et le Centro Roberto Garza à Monterrey (Mexique). Chacun est esquissé à travers photographies et dessins architecturaux qui mettent en lumière l'usage unique que fait Ando du béton, du bois, de l'eau, de la lumière, de l'espace et des formes naturelles. Maintes fois primés, ses résidences privées, églises, musées, immeubles résidentiels ou ses espaces culturels, au Japon comme en Corée, en France, en Italie, en Allemagne, au Mexique ou aux États-Unis, sont tous réunis dans cette édition compacte qui vous permet d'approcher d'un peu plus près ce maître moderniste.
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La Polaroid Corporation détient la plus grande collection de photographies instantanées au monde. Lancée par le fondateur de Polaroid, Edwin Land, et le photographe Ansel Adams, elle regroupe aujourd'hui près de 23.000 images de centaines de photographes du monde entier, dont des oeuvres réalisées par des artistes comme David Hockney, Andy Warhol ou Jeanloup Sieff. Véritable plongée dans les archives de la firme, The Polaroid Book rend hommage à ce support qui défie le temps, à l'ère du numérique. Telle une immense pellicule Polaroid, cette anthologie révèle les oeuvres de grands noms du genre et d'inconnus, célébrant les possibilités infinies contenues entre les marges blanches de la photographie instantanée. Inclut: Plus de 250 oeuvres de la Collection Polaroid Un essai de Barbara Hitchcock, de Polaroid, sur les débuts de la photo instantanée et l'histoire de cette collection Un chapitre détaillant les différents appareils Polaroid
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Une histoire de baskets.
Une anthologie du magazine culte Sneaker Freaker.
En 2002, Simon «Woody» Wood imaginait toutes sortes de stratagèmes pour obtenir des sneakers gratuites. Deux semaines plus tard, il était le fier patron de Sneaker Freaker, et sa vie en était changée à jamais.
Depuis ses débuts de fanzine punk jusqu'au contenu léché de ses actuelles publications papier et en ligne, ce magazine farouchement indépendant a décrit et commenté toutes les collaborations, modèles sur mesure, éditions limitées, rééditions de modèles rétro, quickstrikes, hyperstrikes et tier zéro commercialisées ses 20 dernières années.
Le but initial de Woody, que Sneaker Freaker soit «à la fois drôle et sérieux, chargé de sens et frivole», est pleinement atteint dans The Ultimate Sneaker Book. Avec plus de 500 pages saturées de connaissances expertes assorties d'observations irrévérencieuses et d'incroyables détails historiques, cette bible de la chaussure de sport détournée témoigne d'une minutie fervente et obsessionnelle qui frise la monomanie.
Traversant 100 ans d'histoire, chaque chapitre présente joyeusement les tendances et évolutions de l'industrie de la sneaker. Air Max, Air Force, Adi Dassler, Converse, Dapper Dan, Dee Brown et Michael Jordan - ainsi que des bijoux plus confidentiels comme les Troop, Airwalk et autres Vision Street Wear -, tous les modèles de légende sont décrits.
Voici une source ultime de savoir. Voici... The Ultimate Sneaker Book! -
The Adidas archive : the footwear collection
Christian Habermeier, Sebastian Jäger
- Taschen
- 40
- 15 Mai 2023
- 9783836591072
Il y a plus de 100 ans, les frères Dassler, Adolf («Adi») et Rudolf Dassler créaient leur première paire de chaussures. Des centaines de modèles révolutionnaires, de moments épiques et de collaborations prestigieuses plus tard, ce livre présente un bilan en images des chaussures Adidas, à travers presque 200 modèles.Pour poursuivre leur développement et adapter ses produits aux besoins spécifiques des athlètes, Dassler leur a demandé de lui retourner leurs chaussures après les avoir utilisées, et toutes les chaussures ont finalement terminé dans son grenier (aujourd'hui encore, de nombreux athlètes retournent leurs chaussures à Adidas, en guise de remerciement après avoir gagné un titre ou battu un record). Cette collection constitue désormais les Adidas archive, l'une des plus grandes, si ce n'est la plus grande collection de tous les fabricants d'équipements de sport-que les photographes Christian Habermeier et Sebastian Jäger ont documenté dans les moindres détails pendant des années.Utilisant les meilleures techniques de reproduction, ces images révèlent les plus fins détails autant que les taches, les déchirures, les réparations, les traces d'herbe, les autographes estompés par le temps. Tout est là, immuable et photographié en très haute résolution-et, à travers les images, ce sont les histoires personnelles de chacune des personnes qui ont porté ces chaussures qui sont mises en lumière. On rencontre les chaussures portées par l'équipe de football d'Allemagne de l'Ouest durant la «miraculeuse» coupe du monde de 1954 et celles portées par Kathrine Switzer lors du marathon de Boston en 1967, avant que les femmes ne soient officiellement autorisées à y participer; des collaborations avec des stars comme Madonna, Raf Simons, Stella McCartney ou Yohji Yamamoto; de même que des techniques et matériaux innovants de la marque.Accompagnée de textes d'experts, chaque image nous explique le pourquoi et le comment, mais exprime aussi la puissance d'Adidas. Ce que l'on découvre va plus loin que le pur design-au final, ce sont juste des chaussures portées par ceux qui les ont aimées-, elles sont aussi les premiers témoins de nos sports, du design et de notre histoire culturelle, des débuts des frères Dassler et la création d'Adidas à nos jours.
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Tattoo, 1730s-1970s : Henk Schiffmacher's private collection
Henk Schiffmacher
- Taschen
- 40
- 2 Août 2023
- 9783836593595
Livre d'histoire, livre d'art et livre de souvenirs captivants, ce livre pluriel compose une vue d'ensemble sur plus de deux siècles d'histoire du tatouage, un éclairage personnel sur la vie des tatoueurs, leur combats et leurs triomphes, les risques professionnels et le courage artistique qui font le sel de cette histoire.
Depuis quarante ans, Henk Schiffmacher se voue corps et âme à sa collection, amassant croquis, motifs, photos et autres documents témoin du monde entier. Chacun des cinq chapitres du livre présentent les pièces maîtresses de cette collection - lithographies, estampes, instruments de tatouage, peintures, photos, affiches, enseignes, dessins originaux et ces motifs de tatouage que les professionnels appellent des «flashes», notamment de planches de flashes vintage extrêmement rares signées par des figures majeures du tatouage occidental à se premières heures. L'ampleur et la variété du tatouage dans le monde s'expose au gré des quelques 700 images du livre: le tatouage indigène des Maoris et des îliens du Pacifique Sud, les traditions antiques de l'Asie et les origines du tatouage occidental old school en Europe et aux États-Unis. Le livre contient aussi une douzaine d'illustrations originales de Schiffmacher typiques de son style inimitable, ainsi qu'une introduction personnelle décrivant le voyage de Schiffmacher l'artiste et le collectionneur, qui façonna sa vision de cet art et de son évolution des bas fonds au grand public.
Schiffmacher pose un regard fascinant sur l'histoire du tatouage à travers ses réflexions personnelles et le récit trépidant de ses aventures. Avec ce livre, nous en apprenons beaucoup sur l'histoire du tatouage, mais aussi sur les épopées et aléas qui ont émaillé la constitution d'une des plus importantes collections dédiées au tatouage dans le monde, par un tatoueur autodidacte amoureux de l'art et de ses pionniers. -
Manga-gnifique.
D'Astro Boy à Akira: les grandes stars de la scène manga.
Depuis la première édition TASCHEN de Manga Design, le phénomène de la bande dessinée japonaise a engendré des personnages encore plus captivants et des nouveaux talents en cascade. Cette édition revue et actualisée donne les dernières nouvelles des plus grands et des derniers créateurs et dessinateurs de la scène manga.
À travers un répertoire alphabétique, on découvre les grandes stars - réelles et imaginaires - d'un secteur aujourd'hui largement mondialisé, qui inspire les publicitaires, les réalisateurs, les créatifs et les millions de fans absolus, sans parler du style «cosplay», qui voit les passionnés de mangas, en costumes ultraperfectionnés, se rencontrer pour fêter leurs personnages préférés lors d'immenses rassemblements qui ont lieu de Los Angeles à Leipzig.
Des grands maîtres, tels qu'Osamu Tezuka, créateur d'Astro Boy, et Katsuhiro Otomo, créateur d'Akira, aux nouveaux talents tels que Hajime Isayama, chaque entrée comprend des informations biographiques et bibliographiques, des descriptions des principaux personnages et, bien sûr, une myriade de reproductions de pages et de couvertures des meilleurs mangas de chaque artiste. -
On se souvient du portrait de l'écrivain naturaliste Émile Zola assis parmi ses japonaiseries signé Édouard Manet et des copies méticuleuses que Van Gogh réalisa des estampes d'Hiroshige, qu'il collectionnait avec dévotion. Au XIXe siècle les pionniers du modernisme européen ne font pas mystère de leur amour pour l'art japonais. Sensuelle, libre et vibrante, l'estampe aurait été, à elle seule, à l'origine de la vague japoniste qui submergea d'abord la France, puis toute l'Europe - souvent sous la forme d'objets d'art mal compris, réduits à leur caractère «exotique», qui nourrissent alors l'art occidental.
Car l'estampe japonaise est un phénomène sans équivalent en Occident. Certaines des idées qui ont le plus vigoureusement secoué l'art moderne - dont celle, comme l'a dit Karl Marx, que «tout ce qui est solide se volatilise» - sont nées au Japon dans les premières heures du XVIIIe siècle et se sont exprimées avec une force inédite dans les oeuvres de maîtres comme Hokusai, Utamaro et Hiroshige au début du XIXe.
Ce recueil, dérivé de la monographie format XXL originale, lève le voile sur une forme d'art très appréciée mais incomprise en présentant les estampes japonaises les plus exceptionnelles dans leur contexte historique. Depuis l'essor, au XVIIe siècle, du décadent ukiyo-e, «image du monde flottant», jusqu'au déclin et à la résurgence tardive de cet art au début du XXe siècle, les reproductions rassemblées dans cette édition composent un témoignage sans égal non seulement sur un genre unique dans l'histoire de l'art, mais aussi sur l'évolution des moeurs et de la culture au Japon.
Montagnes mystiques ou cols enneigés, samouraïs en armures ou travailleuses du sexe mises en vitrine, chaque planche est abordée comme une oeuvre à part entière qui raconte les histoires et les gens qui se dessinent dans ces motifs. On découvre ainsi les quatre piliers de l'estampe - beautés, acteurs, paysages et compositions de fleurs et d'oiseaux - qui côtoient des représentations de lutteurs sumo, d'acteurs de kabuki et d'envoûtantes courtisanes, ces vedettes du «monde flottant» dont les fans inlassables favorisent la production frénétique d'estampes. On plonge aussi dans un univers plus sombre et inquiétant grâce à des estampes où des démons, spectres, mangeurs d'hommes et autres créatures imaginaires tourmentent les vivants dans des scènes saisissantes qui inspirent encore aujourd'hui le manga, le cinéma et les jeux vidéo japonais. On comprend ainsi comment ces oeuvres d'une diversité incroyable, scènes quotidiennes ou érotiques, tantôt martiales, tantôt mythologiques, ont en partage la maîtrise technique et l'oeil infaillible de leurs auteurs, ainsi que la prodigieuse ingéniosité et l'ironie avec lesquelles éditeurs et artistes se sont défendus contre la censure officielle. Fruit de trois années de travail, cette édition au format XXL rassemble des reproductions des plus belles estampes parvenues jusqu'à nous, conservées sous les voûtes des musées et dans des collections privées du monde entier - dont un grand nombre ont été photographiées à nouveau pour ce projet. Dix-sept pages dépliantes invitent à étudier les plus infimes détails, tandis que des descriptions fouillées nous guident dans cette période effervescente de l'histoire de l'art japonais.
Cette édition, qui fait partie de notre collection spéciale 40e anniversaire, rassemble les plus belles reproductions parvenues jusqu'à nous, conservées dans divers musées et collections privées de par le monde, dans un format léger, à un prix abordable et enrichi de descriptions détaillées qui nous guident à travers cette période effervescente de l'histoire de l'art japonaise.