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«Dans GENESIS, mon appareil photo a permis à la nature de me parler. Écouter fut pour moi un privilège.» - Sebastião Salgado En 1970, à 26 ans, Sebastião Salgado se retrouve par hasard pour la première fois avec un appareil photo entre les mains. En regardant dans le viseur, il a une révélation: brusquement, la vie prend un sens. Dès lors - même s'il lui a fallu des années de travail acharné avant d'acquérir l'expérience nécessaire pour pouvoir vivre de son travail de photographe - l'appareil photo devient l'outil par lequel il interagit avec le monde. Salgado, qui a «toujours préféré la palette en clair-obscur des images en noir et blanc» prend quelques photos couleur à ses débuts, avant d'y renoncer définitivement. Élevé dans une ferme au Brésil, Salgado éprouve un amour et un respect profonds pour la nature; il se montre aussi particulièrement sensible à la façon dont les êtres humains sont affectés par les conditions socio-économiques souvent accablantes dans lesquelles ils vivent. Des nombreuses oeuvres que Salgado a réalisées au cours de son admirable carrière, trois projets de longue haleine se démarquent particulièrement: La Main de l'homme (1993) qui illustre le mode de vie bientôt révolu de travailleurs manuels du monde entier, Exodes (2000), témoignage sur l'émigration massive causée par la faim, les catastrophes naturelles, la dégradation de l'environnement et la pression démographique, et ce nouvel opus, GENESIS, résultat d'une expédition épique de 8 ans à la redécouverte des montagnes, déserts et océans, animaux et peuples qui ont jusqu'ici échappé à l'empreinte de la société moderne - les terres et la vie d'une planète encore préservée. «Près de 46% de la planète semblent encore comme au temps de la Genèse», fait remarquer Salgado. «Nous devons sauvegarder ce qui existe.» Le projet GENESIS, en lien avec l'Instituto Terra créé par Salgado cherchent à montrer la beauté de notre planète, à inverser les dommages qu'on lui a infligés et à la sauvegarder pour les générations futures. Au cours de 30 voyages, à pied, en avion léger, en bateau, en canoë et même en ballon, par une chaleur extrême ou un froid polaire et dans des conditions parfois dangereuses, Salgado a réuni des images qui nous montrent la nature, les peuples indigènes et les animaux dans toute leur splendeur. Maîtrisant le monochrome avec un talent qui rivalise avec celui du virtuose Ansel Adams, Salgado fait entrer la photographie noir et blanc dans une autre dimension; les nuances de tons de ses oeuvres, le contraste entre le clair et l'obscur, évoquent les tableaux de grands maîtres comme Rembrandt et Georges de la Tour. Que découvre-t-on dans GENESIS? Les espèces animales et les volcans des Galapagos; les manchots, les lions de mer, les cormorans et les baleines de l'Antarctique et de l'Atlantique sud; les alligators et les jaguars du Brésil; les lions, les léopards et les éléphants d'Afrique; la tribu isolée des Zoé au fin fond de la jungle amazonienne; le peuple korowaï vivant à l'âge de pierre en Papouasie occidentale; les éleveurs de bétail nomades dinka du Soudan; les nomades nénètses et leurs troupeaux de rennes dans le cercle arctique; les communautés mentawai des îles à l'ouest de Sumatra; les icebergs de l'Antarctique; les volcans d'Afrique centrale et de la péninsule du Kamtchatka; les déserts du Sahara; le rio Negro et le rio Jurua en Amazonie; les failles du Grand Canyon; les glaciers de l'Alaska... Après s'être rendu là où personne n'était jamais allé, et avoir consacré tant de temps, d'énergie et de passion à la réalisation de cet ouvrage, Salgado considère GENESIS comme sa «lettre d'amour à la planète».
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Pendant six ans, Sebastião Salgado a sillonné l'Amazonie brésilienne et photographié la beauté sans égal de cette région extraordinaire: la forêt, les fleuves, les montagnes, les gens qui y vivent - cet irremplaçable trésor de l'Humanité où la puissance immense de la nature se ressent comme nulle part ailleurs sur Terre.
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Doisneau à coeur ouvert.
L'oeil empathique de Robert Doisneau sur l'expérience humaine.
Aussi sensible aux douleurs des hommes qu'aux plaisirs simples de la vie, Robert Doisneau est incontestablement l'un des plus célèbres représentants de cette photographie humaniste qui s'est imposée dans les années 1950. Surtout célèbre pour ses portraits de Paris si emplis d'âme, Doisneau a démontré un talent unique pour trouver - et cadrer à la perfection - des personnages charismatiques, des épisodes distrayants et des moments fugaces d'humour ou de tendresse. Même dans les contextes les plus modestes, il distille les émotions et les rencontres qui façonnent la vie.
Résumé en images d'une carrière spectaculaire, cet hommage présente les clichés les plus aimés de Doisneau et des photographies moins connues, qui saisissent avec délice «les gestes ordinaires de gens ordinaires dans des situations ordinaires». Les nombreuses citations qui courent tout au long des pages instaurent un dialogue entre les photographies, le lecteur et le photographe lui-même, mettant des mots sur la sensibilité, le sens de l'humour et la chaleur humaine qui caractérisent ses photos.
Cet ouvrage nous transporte dans les faubourgs de la jeunesse de Robert Doisneau, dans le monde du travail manuel dont il admirait tant la noblesse, et dans les ateliers d'artistes majeurs de son époque, saisis en pleine réflexion ou création. Un certain nombre de photographies en couleurs beaucoup moins connues, des paysages transformés de son enfance en banlieue révèlent un autre Robert Doisneau, à l'oeil plus critique.
Pour cette nouvelle monographie traitant de tous les aspects de la vie et de l'oeuvre de Robert Doisneau, son ami de longue date Jean Claude Gautrand, auteur chez TASCHEN, a joui d'un accès illimité aux riches archives photographiques de l'Atelier Robert Doisneau. La préface a été rédigée par les filles de Doisneau, Francine Deroudille et Annette Doisneau. -
Découvrez l'esthétique absolument unique de Tadao Ando, le seul architecte à avoir remporté les quatre distinctions les plus prestigieuses de sa profession: les prix Pritzker, Carlsberg, Kyoto et le Praemium Imperiale. Philippe Starck l'a décrit comme un «mystique dans un pays qui n'est plus mystique ». Philip Drew considère ses bâtiments comme relevant du «land art» en ce qu'ils «luttent pour sortir de terre». Ses créations sont souvent qualifiées de haïkus faits de béton, d'eau, de lumière et d'espace. Pourtant, selon Ando, la véritable architecture ne se traduit pas en termes de métaphysique ou de beauté, mais plutôt à travers l'espace, qui incarne une forme de sagesse physique.
Cette édition 2018 entièrement remise à jour revient sur l'ensemble de son immense carrière, y compris ses derniers projets éblouissants comme le Poly Theater de Shanghai et le Clark Center du Clark Art Institute de Williamstown (Massachusetts). Chacun est esquissé à travers photographies et dessins architecturaux qui mettent en lumière son usage unique du béton, du bois, de l'eau, de la lumière, de l'espace et des formes naturelles. Maintes fois primés, ses résidences privées, églises, musées, immeubles résidentiels ou ses espaces culturels, au Japon comme en Corée, en France, en Italie, en Espagne ou aux États-Unis, sont tous réunis dans cet hommage format XXL en un tour d'horizon ultime de ce maître moderniste.
Également disponible en une Édition d'art limitée à 100 exemplaires, signée par Tadao Ando et comprenant un dessin original.
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Si quelques femmes artistes sont parvenues à entrer dans l'histoire de l'art, aucune n'a connu une ascension aussi fulgurante que la peintre mexicaine Frida Kahlo (1907-1954). Reconnaissable entre mille et représenté sur plus de cinquante autoportraits extraordinaires, son visage est admiré depuis des générations. Cette oeuvre unique, associée aux centaines de photos prises par de grands noms comme Edward Weston, Manuel et Lola Álvarez Bravo, Nickolas Muray ou Martin Munkacsi, a fait de Frida Kahlo une icône de l'art du XXe siècle. Frida a décidé de devenir peintre après un accident survenu durant son l'adolescence. Son mariage avec Diego Rivera, en 1929, la propulse sur le devant de la scène artistique, non seulement au Mexique, mais aussi aux États-Unis et en Europe. Une personnalité comme André Breton a fait l'éloge de son travail et a inclus la peintre dans le cercle international des Surréalistes. En 1939, il expose ses oeuvres à Paris où Picasso, Kandinsky et Duchamp les admirent. Ce livre format XXL offre au lecteur l'opportunité d'explorer les peintures de Frida Kahlo comme jamais auparavant. À l'aide de reproductions superbes, parfois agrandies par rapport à leurs dimensions originales et en interaction avec des photos célèbres de l'artiste, il présente des oeuvres provenant de collections privées, difficilement accessibles au grand public, ainsi que d'autres que l'on croyait perdues ou qui n'ont pas été exposées depuis plus de 80 ans. Ce volume représente l'étude la plus complète à ce jour des peintures de Frida Kahlo. Des dessins, des extraits de son journal intime, des lettres et une biographie abondamment illustrée de photographies de Frida, de Diego et de la Casa Azul - la maison de Frida et le centre de son univers - donnent un aperçu très personnel de la vie et de l'univers artistique de Frida Kahlo.
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Avec près de 300 entrées, cette abécédaire de l'architecture offre un panorama indispensable des principaux protagonistes au coeur de la création de l'espace moderne. Chaque architecte marquant du XIXe au XXIe siècle est présenté à travers un portrait, une courte biographie, et une description de son oeuvre la plus importante.
Comme lors d'une visite guidée privée à travers l'architecture mondiale, vous voyagerez des gratte-ciel de Manhattan à une salle de concert au Japon, du palais Güell de Antoni Gaudi à Barcelone jusqu'au Centre sportif et culturel de Lina Bo Bardi, construit dans un ancien site industriel de São Paulo. Vous découvrirez les structures géométriques et colorées de Gio Ponti, le futurisme aux courbes fluides de Zaha Hadid, les intérieurs lumineux de l'agence SANAA, et l'unique mélange de tradition écossaise et d'élégance japonisante de Charles Rennie Mackintosh.
Classées par ordre alphabétique, les entrées abordent aussi les groupes, les mouvements et les styles pour replacer chacun de ces architectes majeurs dans les tendances architecturales plus vastes d'un point de vue chronologique ou géographique, parmi lesquelles le Style international, le Bauhaus ou le courant De Stijl. Avec des illustrations comprenant certaines des meilleures photographies d'architecture de l'époque moderne, voici un outil très riche pour tous les professionnels, les étudiants et les passionnés d'architecture. -
Her Majesty ; a photographic history 1926-today
Christopher Warwick, Reuel Golden
- Taschen
- Xl
- 12 Octobre 2020
- 9783836584685
Née en 1926, mariée en 1947, couronnée reine en 1953, Sa Majesté Elizabeth II s'est pleinement consacrée à ses devoirs pendant plus de soixante ans. TASCHEN rend hommage à son destin remarquable avec cette réédition de Her Majesty, une fabuleuse histoire en photos de sa vie privée et publique.
Mêlant tradition, histoire, élégance et culture, l'album retrace la vie de la souveraine, jusqu'à son décès en 2022: son enfance et sa jeunesse, sa courageuse entrée dans l'âge adulte pendant la Seconde Guerre mondiale, son mariage, la maternité et le couronnement, ses rencontres avec des icônes de leur temps comme les Beatles, Marilyn Monroe et JFK et ses très nombreux périples à l'étranger. Il visite aussi les spectaculaires palais royaux et cède à la liesse contagieuse des mariages et jubilés royaux, et oscille entre l'imposante élégance des portraits officiels et la tendresse et l'humour qui se dégagent de moments plus intimes, en famille.
Hommage aux meilleurs photographes de son temps tout autant qu'à leur royal sujet, Her Majesty rassemble les clichés de sommités comme Cecil Beaton, Studio Lisa, Dorothy Wilding, Karsh, Lord Snowdon, David Bailey, Patrick Lichfield, Annie Leibovitz et bien d'autres. -
La série White Shirts, connue dans le monde entier, a été réalisée sur une plage de Malibu, en 1988. Simples, mais décisives, ces photographies ont révélé Linda Evangelista, Christy Turlington, Rachel Williams, Karen Alexander, Tatjana Patitz et Estelle Lefébure. Cela a marqué le début d'une ère qui redéfinit la beauté et Lindbergh a poursuivi son oeuvre pour transformer le paysage de la photographie de mode pendant les décennies qui ont suivi.
Ce livre réunit plus de 300 clichés tirés des quarantes années de la carrière de Lindbergh. Il retrace l'inclinaison du photographe pour le cinéma et son approche humaniste, qui a donné vie à des images relevant tout autant de la séduction que de l'introspection.
En 1980, Rei Kawakubo a demandé à Lindbergh de réaliser la campagne de Comme des Garçons, une de ses premières incursions dans la photographie à visée commerciale. Kawakubo lui a donné carte blanche. Les années suivantes ont apporté leur lot de collaborations avec les plus grands noms de la mode et ont engendré des relations de respect mutuel. Le respect de Lindbergh pour l'un des plus grand designer de notre temps est palpable dans son portrait. Parmi ceux qui ont été photographiés, on compte Azzedine Alaïa, Giorgio Armani, Alber Elbaz, John Galliano, Jean Paul Gaultier, Karl Lagerfeld, Thierry Mugler, Yves Saint Laurent, Jil Sander et Yohji Yamamoto.
Précurseur dans son domaine, Lindbergh a délaissé les normes de la beauté et a célébré l'âme et l'individualité de ses sujets. Il a été une figure déterminante dans l'ascension de modèles comme Kate Moss, Naomi Campbell, Linda Evangelista, Cindy Crawford, Mariacarla Boscono, Lara Stone, Claudia Schiffer, Amber Valletta, Nadja Auermann et Kristen McMenamy.
Les oeuvres de Lindbergh l'ont mené jusqu'à Hollywood et au-delà : Cate Blanchett, Charlotte Rampling, Richard Gere, Isabelle Huppert, Nicole Kidman, Madonna, Brad Pitt, Catherine Deneuve et Jeanne Moreau apparaissent dans ses oeuvres. De l'image sélectionnée par Anna Wintour pour la couverture de son premier Vogue au légendaire shooting avec Tina Turner sur la tour Eiffel, ce ne sont jamais les vêtements, les célébrités ou le glamour qui occupent le devant de la scène dans une photographie de Lindbergh. Chaque cliché convie l'humanité et un certain sens de l'émotion-une douce mélancolie pleine de sentiments, purement et indubitablement Lindbergh.
Dès ses débuts, Lindbergh a été reconnu dans le monde de l'art contemporain, où ses photographies ont été exposées dans des galeries bien avant leurs publications dans des magazines. Cette édition réunit une introduction mise à jour adaptée d'une interview de 2016 dans laquelle le photographe raconte ses premières collaborations, la proximité entre l'aspect commercial et les beaux-arts et le pouvoir de la narration, proposant ainsi un aperçu derrière l'objectif de Lindbergh. -
Le travail photographique unique de Frédéric Chaubin nous embarque dans un périple à travers l'Europe et les siècles. Avec plus de 200 lieux photographiés dans 21 pays, Stone Age révèle l'histoire et l'architecture des châteaux médiévaux les plus dramatiques du continent, dans un recueil sans précédent.
Encouragé par le succès de son immersion dans l'esthétique soviétique pour CCCP, Chaubin expose une nouvelle fois des structures éminemment spectaculaires, qui traversent le temps et profilent leur caractère insolite dans nos paysages modernes. Précurseurs du Brutalisme, ces châteaux ont établi la prépondérance de la fonction sur la forme, leurs silhouettes et leurs matériaux bruts ont défini des pans entiers de l'histoire architecturale.
Prises avec une chambre photographique argentique Linhof, ces photos sont le résultat de cinq années de voyage et d'enquête. Accompagnées d'une carte et d'un essai explicatif, elles racontent 400 ans d'histoire, soit toute l'époque médiévale et féodale, jusqu'au XVe siècle.
Étude photographique du déclin autant que de l'endurance, Stone Age retrace le destin de places fortes singulières qui continuent à enchanter un public nombreux et occupent une place à part, mystique, dans notre imaginaire collectif. -
Pieter Bruegel : L'oeuvre complet
Jürgen Müller, Thomas Schauerte
- Taschen
- Xl
- 29 Septembre 2022
- 9783836583602
La vie et l'époque de Pieter Bruegel l'Ancien (vers 1526/1530-1569) ont été marquées par de violents conflits culturels. Il a ainsi connu des guerres de religion, le règne brutal du duc d'Albe alors gouverneur des Pays-Bas et les effets palpables de l'Inquisition. À ce jour, la vie de l'artiste flamand demeure nimbé de mystère. Nous ne savons pas exactement où et quand il est né. Si les érudits ont d'abord souligné le caractère vernaculaire de sa peinture et de ses gravures, la recherche moderne accorde plus d'importance à l'aspect humaniste de son oeuvre.
Après avoir conçu des dessins préliminaires pour l'éditeur Jérôme Cock, Bruegel réalise plusieurs séries d'estampes qui furent distribuées dans toute l'Europe. Elles dépeignent les vices et les vertus au détour de fêtes paysannes endiablées et de paysages à perte de vue. Il se tourne ensuite de plus en plus vers la peinture, puisant sa clientèle dans l'élite culturelle d'Anvers ou de Bruxelles.
Cette monographie témoigne de l'évolution d'un artiste qui prit à bras le corps les grands motifs de conflit de son temps et proposa des inventions et des solutions nouvelles. Plutôt que d'idéaliser la réalité, il représenta les horreurs des guerres de religion et prit des positions critiques à l'égard de l'Église catholique. Il imagina ainsi son propre répertoire visuel de la dissidence, incorporant ses messages subliminaux dans des scènes innocentes du quotidien afin d'échapper aux blâmes.
Cette anthologie réunit ainsi l'ensemble de ses 40 toiles, 65 dessins et 89 gravures impeccablement reproduits, autant de pièces qui témoignent à la fois des moeurs religieuses et de la culture populaire qui unissait les communautés à l'époque de Bruegel. -
Jean Nouvel, lauréat du prix Pritzker 2008, est généralement considéré comme le plus original et le plus important des architectes contemporains français. De 1967 à 1970, il a été l'assistant des architectes influents Claude Parent et Paul Virilio, avant d'ouvrir son cabinet à Paris. Son premier projet unanimement salué est l'Institut du monde arabe à Paris (1981-1987). Depuis, il en a réalisé d'autres, tout aussi remarquables, parmi lesquels la Fondation Cartier à Paris, le musée Reina Sofia à Madrid, la Philharmonie de Paris et le Louvre Abu Dhabi. Ses travaux les plus récents comprennent la Tour 53W53 de 82 étages à New York et le Museum of Art Pudong de Shanghai.
Basée sur l'imposante monographie XXL de 2008, cette édition actualisée ramène à un seul volume le panorama ultime de la carrière de l'architecte. Le résultat est un livre de près de 800 pages, dont plus d'un quart est consacré à des projets et à de nouvelles photos; un ouvrage à la mesure du talent inimitable de Jean Nouvel, qui présente ses projets les plus marquants comme le Serpentine Gallery Pavillon de Londres, et des travaux en cours comme le spectaculaire complexe hôtelier Sharaan Desert Resort taillé dans le grès du désert d'Al-Ula, en Arabie saoudite. Le graphisme et les images du recueil ont été conçus et sélectionnés par l'architecte lui-même, ce qui fait de cette publication un Nouvel par Nouvel, sur le fond et sur la forme. -
France 1900 : A Portrait in Color
Marc Walter, Sabine Arqué
- Taschen
- Xl
- 5 Septembre 2024
- 9783836595940
Le tournant du XXe siècle demeure une période glorieuse pour la France: la Belle Époque fut un temps où régnèrent la paix, la prospérité et le progrès, rompant avec une succession de guerres meurtrières et de crises subies par la République française et culminant avec la guerre franco-prussienne qui s'acheva en 1871. Née sur les ruines du conflit, la Belle Époque apporta joie de vivre et épanouissement et favorisa le développement de l'art, du design, de l'industrie, de la technique, de la gastronomie, de l'éducation, des transports, des loisirs et de la vie nocturne.
À travers près de 800 photographies, cartes postales, affiches et photochromes d'époque issues des impressionnantes archives de Marc Walter et de Photovintagefrance, La France 1900 se place dans la lignée des fameuses anthologies TASCHEN de photographies d'époque, dont L'Italie 1900, L'Âge d'or du voyage, L'Allemagne 1900 et Amérique 1900, et offre un précieux inventaire de la France dans toute sa gloire du début du siècle dernier. Les techniques de la photochromie utilisées pour produire certaines images de cette époque et donnant ainsi à voir le passé en couleurs intenses rendent possible une confrontation vivante, intime, douce-amère avec cet âge plein d'espoir, à travers l'imposante splendeur minérale du mont Saint-Michel, les sommets enneigés de Chamonix et la lumière dorée de la Côte d'Azur.
Grâce à l'introduction, aux six essais et aux commentaires détaillés de Sabine Arqué qui dévoilent les histoires à l'origine de ces images, voici un portrait sans égal d'une nation à ce point du siècle et de sa touchante exubérance avant l'apogée de la Première Guerre mondiale. Hommage à cette précieuse période que fut la Belle Époque, parenthèse à laquelle les traumatismes de l'Histoire mirent fin, cet ouvrage célèbre aussi l'attrait éternel de la France dans toute sa beauté, sa culture, ses traditions et son romantisme. -
Léonard en détail : la vie et l'oeuvre de l'artiste le plus accompli de la Renaissance
Johannes Nathan, Frank Zollner
- Taschen
- Xl
- 30 Mars 2022
- 9783836586009
Par son ingéniosité, ses prouesses techniques et sa curiosité inégalées, Léonard de Vinci (1452-1519) incarne l'homme de la Renaissance selon l'idéal humaniste. Maître accompli et incomparable en peinture, en sculpture, en cartographie, en anatomie, en architecture et dans bien d'autres domaines, il captive autant les historiens d'art que les collectionneurs et les millions de visiteurs qui se pressent chaque année pour admirer son travail. Léonard de Vinci exerce un attrait aussi vaste que l'ont été ses centres d'intérêt et son iconographie imprègne presque chaque facette de la culture occidentale: L'Homme de Vitruve est gravé sur des millions de pièces en euros, La Cène est considérée comme le tableau religieux le plus reproduit de l'Histoire et sa Joconde fascine d'innombrables artistes et observateurs depuis des siècles. Cette mise à jour de notre ouvrage format XL constitue une étude inégalée sur la vie et l'oeuvre de Léonard de Vinci, enrichie d'un catalogue raisonné englobant. Les étonnants détails présentés à fond perdu dévoilent chaque coup de pinceau, dont la précision témoigne de l'incroyable talent de l'artiste ingénieur. Un catalogue exhaustif des quelque 700 dessins de Léonard de Vinci, classé par catégories, met en avant le don d'observation incomparable de Léonard - des études anatomiques aux portraits en passant par des plans de construction complexes. Pour cette nouvelle édition, Frank Zollner a rédigé une préface dans laquelle il prend en compte les dernières découvertes scientifiques sur l'oeuvre de Léonard de Vinci et examine de manière critique le Salvator Mundi, une oeuvre très discutée, dont la vente aux enchères a atteint la somme record d'environ 400 millions d'euros. De nombreuses illustrations ont été remplacées par de nouvelles photographies.
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Les dessous des chefs-d'oeuvre : un regard neuf sur les grands maîtres
Rainer Hagen, Rose-Marie Hagen
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- Xl
- 4 Juin 2020
- 9783836577489
Cette importante contribution à notre compréhension des chefs-d'oeuvre de l'histoire de l'art passe à la loupe quelques-uns des plus célèbres tableaux du monde, pour nous aider à dévoiler leurs plus petits et plus subtils éléments et tout ce qu'ils révèlent d'une époque, d'une culture et d'un espace révolus.
En guidant notre regard sur les menus détails du sujet et du symbolisme, Rose-Marie et Rainer Hagen nous proposent de découvrir d'un oeil nouveau même les toiles les plus connues à travers leurs complexités et intrigues. La mariée est-elle enceinte ? Pourquoi l'homme porte-t-il un béret ? Comment l'ombre de la guerre plane-t-elle sur une scène de danse ? D'un tableau à l'autre, nous voyageons de l'Égypte ancienne à l'Europe moderne, de la Renaissance aux Années folles. Nous partons à la rencontre de héros grecs et de poètes allemands sans le sou et passons de cathédrales en cabarets, du jardin d'Éden à un banc de jardin de la France rurale.
En décortiquant chaque tableau pour mieux le reconstituer comme un puzzle géant, nous sommes fascinés par ces toiles célèbres, non seulement par leur prodigieuse richesse de détail, mais aussi parce qu'elles témoignent des modes et tendances, des personnages et de la politique, des amours et des moeurs de leur époque. -
Une petite maison rend hommage à l'inépuisable inspiration artistique des architectes et à leur interprétation ingénieuse de concepts connus et familiers. Elle est aussi un levier conscient vers plus de durabilité pour un impact moindre sur l'environnement et elle incarne une attitude audacieuse de changement et de style de vie. Alors que l'humanité est soumise aux inéluctables pressions du réchauffement climatique, de la hausse de population et de la limitation des ressources, ces solutions contribuent à donner au monde la forme qu'il pourrait prendre à l'avenir.Au coeur des zones urbaines denses de Tokyo, au milieu des contrées sauvages de l'Australie, dans les forêts canadiennes ou sur un toit en Équateur, les petites maisons sont partout dans le monde. L'un de leurs points communs est leur surface dont aucune n'est supérieure à 100 mètres carrés. À travers 25 pays aussi divers que le Brésil, la Hongrie, la Corée du Sud, les Pays-Bas, les États-Unis, le Japon et l'Australie, les maisons décrites ici sont l'oeuvre de 57 architectes, parmi lesquels Takeshi Hosaka et la maison Love2, Aranza de Arino et la Casa Tiny ou Jakub Szcz?sny, Charles Pictet, Lada Hrsak, BIG et Fran Silvestre, et bien d'autres encore. Un voyage à travers les dernières évolutions de la conception et de la création architecturales, mais aussi un pas vers un monde plus durable.
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De son vivant, la renommée de Johannes Vermeer (1632-1675) dépassait à peine sa Delft natale et un petit cercle de commanditaires. Après sa mort, son nom sombra largement dans l'oubli, ses oeuvres, hors des Pays-Bas, étant souvent attribuées à tort à d'autres artistes. Ce n'est qu'à la moitié du XIXe siècle que Vermeer a attiré l'attention du monde artistique, qui s'est soudain penché sur ses détails narratifs, ses textures finement nuancées et ses majestueux pans de lumière, et a décelé un génie oublié.
De nos jours, ses oeuvres ont inspiré un best-seller du New York Times, un film avec Scarlett Johansson et Colin Firth, sans parlerde l'explosion du nombre d'entrées dans les institutions artistiques d'Amsterdam à Washington et imposé des mesures spéciales de contrôle de la foule à la Mauritshuis, à La Haye, où des milliers de visiteurs défilent pour apercevoir l'énigmatique et séduisante Jeune Fille à la perle, surnommée la «Mona Lisa néerlandaise».
Cet ouvrage rassemble le catalogue complet de l'oeuvre de Vermeer, regroupant dans les meilleures reproductions imaginables ses scènes paisibles et pourtant captivantes, trésors des galeries et musées européens et américains. De la rédaction d'une lettre à une leçon de musique en passant par les préparatifs culinaires, le répertoire d'actions domestiques restreint mais très évocateur de Vermeer se dévoile, grâce à de nouvelles prises de vue de certaines oeuvres, dans un format généreux. De nombreux détails mettent en valeur le talent extraordinaire de l'artiste à témoigner des traditions et modes de l'âge d'or néerlandais, mais aussi à raconter toute une histoire à travers une simple expression, un geste esquissé ou un regard fugace. -
Livre d'histoire, livre d'art et livre de souvenirs captivants, ce livre pluriel compose une vue d'ensemble sur plus de deux siècles d'histoire du tatouage, un éclairage personnel sur la vie des tatoueurs, leur combats et leurs triomphes, les risques professionnels et le courage artistique qui font le sel de cette histoire.
Depuis quarante ans, Henk Schiffmacher se voue corps et âme à sa collection, amassant croquis, motifs, photos et autres documents témoin du monde entier. Chacun des cinq chapitres du Livre présentent les pièces maîtresses de cette collection, dont beaucoup n'ont jamais été montrées - lithographies, estampes, instruments de tatouage, peintures, photos, affiches, enseignes, dessins originaux et ces motifs de tatouage que les professionnels appellent des «flashes», notamment de planches de flashes vintage extrêmement rares signées par des figures majeures du tatouage occidental à se premières heures. L'ampleur et la variété du tatouage dans le monde s'expose au gré des quelques 700 images du livre: le tatouage indigène des Maoris et des îliens du Pacifique Sud, les traditions antiques de l'Asie et les origines du tatouage occidental old school en Europe et aux États-Unis. Le livre contient aussi une douzaine d'illustrations originales de Schiffmacher typiques de son style inimitable, ainsi qu'une introduction personnelle décrivant le voyage de Schiffmacher l'artiste et le collectionneur, qui façonna sa vision de cet art et de son évolution des bas fonds au grand public.
Schiffmacher pose un regard fascinant sur l'histoire du tatouage à travers ses réflexions personnelles et le récit trépidant de ses aventures. Avec ce livre, nous en apprenons beaucoup sur l'histoire du tatouage, mais aussi sur les épopées et aléas qui ont émaillé la constitution d'une des plus importantes collections dédiées au tatouage dans le monde, par un tatoueur autodidacte amoureux de l'art et de ses pionniers. -
Dans le New York des années 1950, avant de devenir l'un des noms les plus célèbres du XXe siècle, Andy Warhol était déjà un dessinateur publicitaire talentueux et apprécié. À cette époque, dans le cadre de sa stratégie pour séduire ses clients et sceller des amitiés, il réalisa de sa main 7 livres promotionnels envoyés à des contacts triés sur le volet. S'y révèlent des dessins uniques et des textes excentriques, où s'exprime son goût pour les chats, la nourriture, les mythes, les chaussures, les beaux garçons et les filles magnifiques, entre autres sujets.Des dizaines d'années plus tard, alors que les originaux s'échangent pour des milliers de dollars en salles des ventes, TASCHEN présente un portfolio irréprochable rassemblant les 7 livres au format XL. Avec des titres comme Love Is A Pink Cake (L'Amour est un gâteau rose), 25 Cats Named Sam (25 Chats nommés Sam) et À la Recherche du Shoe Perdu, ce volume révèle le caractère déjanté de l'artiste autant que ses talents de dessinateur accompli, sa créativité sans limites et son humour rempli de sous-entendus.Le livre joue délicieusement avec les styles et les genres : Le recueil de lithographies A is for Alphabet consacre une page à chaque lettre de l'alphabet, avec des illustrations complétées par des strophes déroutantes de trois vers qui racontent des rencontres étranges entre l'homme et l'animal. In the Bottom of My Garden est à la fois la version warholienne d'un livre pour enfants et une célébration cachée de l'amour homosexuel. Quant à Wild Raspberries, il s'agit d'une parodie de livre de cuisine contenant pléthore de recettes audacieuses contenant instructions et illustrations.Ce portfolio coloré est accompagné d'essais présentant les illustrations de Warhol. Enrichis par des photographies rares de l'artiste, des documents d'époque qui l'ont inspiré et des accords commerciaux, ils remettent l'art produit par Warhol dans les années 1950 dans son contexte, et offrent un aperçu du processus créatif de ses débuts, ainsi que de sa personnalité attachante et enjouée.Joyaux peu connus mais fort convoités parmi ceux de la couronne du roi Warhol, ces opus écrits et illustrés à la main sont aussi intéressants et originaux aujourd'hui qu'ils le furent dans les lointaines années 1950. Avec sa préface de la spécialiste de Warhol, Nina Schleif, ainsi que ses illustrations contemporaines et ses photographies de Warhol, cette reproduction méticuleuse offre un regard unique sur un génie en herbe, à l'aube de sa renommée mondiale.© The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc.
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Histoire du graphisme Tome 1 : 1890 1959
Jens Müller, Julius Wiedemann
- Taschen
- Xl
- 30 Novembre 2017
- 9783836563079
L'Histoire est une affaire compliquée. Les fortunes s'amassent et s'évaporent, les empires croissent et déclinent, et le changement - social, politique, technologique - a ses vainqueurs, ses perdants, ses défenseurs et ses pourfendeurs. Au coeur de ces turbulences, le graphisme, synthèse vivante et claire de l'image et de l'idée, restitue l'esprit de chaque époque.Cet ouvrage propose une histoire exhaustive et actualisée du graphisme de la fin du XIXe siècle à l'après Seconde Guerre mondiale. Il retrace l'évolution de cette discipline créative, de ses origines dans la conception d'affiches à son développement vers la publicité, l'identité de marque, les emballages et la conception éditoriale modernes. Organisé chronologiquement, ce volume présente plus de 2.500 créations fondatrices issues du monde entier, dont 71 font l'objet d'une étude approfondie, tout comme 61 chefs de file de la discipline parmi lesquels Alphonse Mucha (publicités pour des marques de chocolat), Edward Johnston (logo et police du métro de Londres), El Lissitzky (courant constructiviste du graphisme), Herbert Matter (publicités touristiques pour la Suisse utilisant le photomontage), Saul Bass (génériques de films animés) et A. M. Cassandre (affiches Art déco).
L'auteur Jens Müller a mis à profit son immense connaissance de ce domaine pour sélectionner les créations les plus marquantes de chaque année, en regard d'une frise où figurent les étapes de l'histoire du design. Dans son introduction, David Jury replace, quant à lui, le graphisme depuis ses origines, dès les débuts de l'imprimerie, de la gravure et de la lithographie, jusqu'à ses développement étonnament créatifs au XIXe siècle. Chaque décennie est présentée en un panorama succinct complété par une splendide frise chronologique illustrée, afin de présenter la production graphique dans toute sa variété et de l'environnement global qu'elle décrit et définit.
Alors que le XXe siècle qui s'éloigne nous fait prendre du champs et mieux en discerner les grandes lignes, cet ouvrage fascinant donne à voir les fondements de ce qui va influencer des domaines créatifs en constante évolution et reconnaît, bien tardivement, l'énorme contribution du graphisme à l'économie, à la politique, aux grandes causes sociales, aux arts, aux médias et à notre manière de voir le monde.
Un second volume en préparation couvrira la période de 1960 à nos jours. -
Brique après brique.
Les bâtiments en brique les plus innovants au monde.
De tous les matériaux de construction qui existent au monde, la brique fait partie des plus utilisés, de tous temps. Les premières traces de bâtiments réalisés en briques de terre remontent à 7500 av. J.C. et la brique cuite a fait son apparition vers 3500 av. J.C. Depuis, le fidèle parallélépipède a montré une résilience incroyable, et demeure un élément de base de l'architecture contemporaine. Ancré dans la tradition en Chine ou aux Pays-Bas, elle est peu onéreuse, d'usage flexible et peut aussi être fabriquée de façon écologique.
Ce volume sillonne le monde pour présenter les bâtiments en brique les plus novateurs et enthousiasmants de ces 35 dernières années, du Paraguay à la Nouvelle-Zélande. Fidèle à l'esprit de tous les titres TASCHEN dédiés à l'architecture, il expose les réalisations de nouveaux talents comme Sanchit Arora de RENESA, ainsi que de «?starchitectes?» établis comme Renzo Piano ou Peter Zumthor. Les constructions choisies illustrent une variété d'usage de la brique, tant dans les espaces culturels, domestiques ou de loisirs que dans les infrastructures, comme la Tate Modern Switch House par Herzog & de Meuron à Londres, le restaurant scolaire Le Boa de D'Houndt + Bajart à Lille-Lomme ou le village pour futures mamans bâti par le MASS Design à Kasungu, au Malawi. -
Homes for Our Time : Contemporary Houses around the World Tome 3
Philip Jodidio
- Taschen
- Xl
- 6 Août 2024
- 9783836594493
Comment habiter mieux ?
Des maisons d'avant-garde, partout dans le monde.
En poussant la porte de maisons innovantes, Philip Jodidio illustre l'évolution de l'architecture mondiale actuelle - de la House of Concrete Experiments de Samira Rathod en Inde à l'Açucena House de Tetro, au Brésil.
Les maisons présentées dans cet ouvrage incarnent peut-être la première génération d'une architecture qui tire pleinement parti de l'omniprésente puissance informatique, de la conception jusqu'à la fabrication; un processus high-tech qui nuit en rien à leur variété et à leur originalité. En Italie, Mario Cucinella a bâti TECLA - Technology and Clay, une maison imprimée en 3D, exclusivement à partir de terre crue. Cette demeure unique, érigée en 200 heures avec 60 mètres cubes de matériaux naturels, ouvre la voie à une architecture écoresponsable et peu coûteuse. À Hyderabad, en Inde, Kanan Modi a conçu sa Maison de Jardins avec l'ambition de diffuser et réduire la chaleur à l'intérieur de la structure, mais aussi d'inviter la beauté de la nature à y pénétrer - une approche pertinente à l'heure du réchauffement climatique et de l'urbanisation galopante.
Ces bâtisses pionnières sont le fruit d'une exploitation optimisée d'avancées technologiques comme la visioconférence et l'impression 3D, d'une réflexion qui favorise la créativité, l'imagination, la cohérence avec le lieu d'implantation et la durabilité. L'Atelier Bow-Wow a dû diriger à distance le chantier de sa Peninsula House, sur l'île grecque d'Antiporos, en pleine pandémie de Covid; la maison Yuputira de Mariko Mori mêle son esthétique artistique et son style architectural, et la Suspension House d'Anne Fougeron insuffle une vie nouvelle dans un cadre naturel hors du commun.
Étude détaillée de 59 projets de pointe réalisés dans 25 pays - du Guatemala à la Slovénie, en passant par la Norvège et le Vietnam - ce troisième tome de la série Homes for Our Time nous fait visiter en images des joyaux de l'architecture contemporaine, à la découverte d'architectes qui font bouger leur art aujourd'hui et le font progresser vers demain. Ces demeures sont le coeur battant qui galvanisera l'architecture pendant les décennies à venir. -
Les archives des films Walt Disney ; les films d'animation 1921-1968
Collectif
- Taschen
- Xl
- 25 Octobre 2016
- 9783836552905
«C'est plutôt amusant de faire l'impossible.» - Walt Disney Esprit parmi les plus créatifs du XXe siècle, Walt Disney a élaboré un univers imaginaire unique et inégalé. Peu de classiques du 7e art ont autant révolutionné la narration cinématographique et enchanté des générations successives sur tous les continents que son incroyable collection de dessins animés.
Dans cet ouvrage TASCHEN, premier volume d'une des publications illustrées les plus complètes sur les dessins animés Disney, quelque 1.500 images et des essais signés par d'éminents spécialistes de Disney nous transportent en plein coeur du studio à l'époque de son «âge d'or de l'animation». Ce livre de référence retrace la fabuleuse épopée de l'animation Disney: le muet, puis le premier long-métrage, Blanche-Neige et les sept nains (1937), l'expérimental et novateur Fantasia (1940), et ses derniers chefs-d'oeuvre, Winnie l'Ourson et l'arbre à miel (1966) et Le Livre de la jungle (1967).
Grâce à des recherches approfondies dans les collections historiques de la Walt Disney Company et dans des collections privées, l'éditeur Daniel Kothenschulte s'appuie sur les précieuses peintures concept et les story-boards pour dévoiler le processus de fabrication de ces chefs-d'oeuvre de l'animation. Les magistrales planches d'assemblage des cellules fournissent des illustrations très détaillées de scènes restées célèbres, tandis que de rares clichés pris par les photographes de Disney et des extraits des conférences de rédaction entre Walt et son équipe permettent une incursion privilégiée dans le processus créatif de l'illustre maison.
Un chapitre est consacré à chacun des grands films d'animation réalisés du vivant de Walt, dont Pinocchio, Fantasia, Dumbo, Bambi, Cendrillon, Peter Pan, La Belle et le Clochard et Les 101 Dalmatiens, sans oublier les trésors plus confidentiels comme les courts métrages expérimentaux de la collection Silly Symphonies et les films musicaux à épisodes comme La Boîte à musique et Melodie Cocktail, sous-estimés, qui ont tous bénéficié de la même attention et des mêmes recherches méticuleuses. Un grand nombre de projets inaboutis, parmi lesquels une proposition de suite pour le légendaire dessin animé musical Fantasia ou un hommage à Davy Crockett par le peintre Thomas Hart Benton, figurent aussi dans le livre aux côtés d'oeuvres originales rarement vues. Au fil des pages, les contributions d'experts reconnus comme Leonard Maltin, Dave Smith, Charles Solomon, J.B. Kaufman, Russell Merritt, Brian Sibley et Didier Ghez racontent la fabrication de chaque film.
Conscients que le style Disney est l'oeuvre d'un travail collectif autant que du maître lui-même, les auteurs des Archives des films Walt Disney remercient les remarquables dessinateurs et designers qui ont influencé le style du studio, notamment Albert Hurter, Gustaf Tenggren, Kay Nielsen, Carl Barks, Mary Blair, Sylvia Holland, Tyrus Wong, Ken Anderson, Eyvind Earle et Walt Peregoy.
Premier volume d'une des monographies illustrées les plus complètes sur Walt Disney.
Produit avec l'aide des Walt Disney Archives et de la célèbre bibliothèque de recherche sur l'animation de Disney.
Couvre l'épopée de Walt Disney, de l'époque du muet à son ultime chef-d'oeuvre, Le Livre de la jungle (1967).
Présente le premier long métrage d'animation Disney, Blanche-Neige et les sept nains (1937), le film artistique expérimental qui fit date, Fantasia (1940), et des classiques populaires de l'après-guerre comme Cendrillon (1950) et Peter Pan (1953).
1.500 illustrations et des essais d'éminents spécialistes de Disney.
Des planches d'assemblage des cellules fournissant des illustrations très détaillées de célèbres scènes de film.
Une remarquable incursion dans les coulisses de Disney grâce à des extraits des conférences de rédaction entre Walt et son équipe et à des clichés rares pris par les photographes du studio.
Édition originale anglaise et livret avec traduction en allemand, espagnol ou français.
Copyright © 2016 by Disney Enterprises, Inc. -
Imaginez que vous restez immobile devant un paysage inoubliable pendant 30 heures d'affilée en vous contentant de l'observer, sans jamais fermer les yeux. Vous ne ressentirez pas avec autant de force les détails et l'émotion qu'offre une photographie panoramique de Stephen Wilkes. Car non seulement Wilkes prend plus de 1.500 clichés depuis un point fixe, mais une fois dans son studio, il met en valeur les données visuelles pertinentes en juxtaposant méticuleusement une sélection d'images pour en former une seule.Day to Night présente 60 panoramas homériques créés entre 2009 et 2018, à partir de photos prises dans le Serengeti africain ou sur les Champs-Élysées parisiens, dans le Grand Canyon et à Coney Island, sur Trafalgar Square et la Place Rouge. Chaque image est le fruit d'un amour sincère et d'une patience infinie. Wilkes a ainsi dû attendre plus de deux ans l'autorisation de photographier le pape François pendant la messe de Pâques au Vatican, pour finalement livrer un tableau captivant dans lequel le souverain pontife apparaît dix fois.
Le livre révèle aussi certains détails extraordinaires - oeuvres d'art en eux-mêmes - qui racontent les histoires inscrites dans chaque image. Une mariée traverse Central Park, en Tanzanie des zèbres s'assemblent autour d'un trou d'eau pendant une période de sécheresse, à Rio de Janeiro des surfeurs vont et viennent tandis qu'un homme tient une pancarte où est écrit « Pas plus de deux questions par client ». « Ce sont exactement ces petites histoires, ces détails, qui attirent les gens vers ces photos », explique Wilkes. Une fois découverts, ces micro récits confèrent de la personnalité et de la candeur à chaque composition.
Ce recueil nous emporte pour un voyage ininterrompu de l'aube au crépuscule à travers les lieux les plus célèbres au monde, où la beauté fluctuante et unique des sites naturels et des monuments créés par l'Homme s'exprime comme jamais auparavant.Bientôt disponible en deux Éditions d'art de 100 exemplaires chacune, accompagnées d'un tirage numéroté et signé par le photographe -
En novembre 2020, Depeche Mode entrait au Rock & Roll Hall of Fame et Dave Gahan recevait cet hommage avec ces mots: «Je voudrais remercier Anton Corbijn qui, grâce à Dieu, est monté à bord au bon moment pour nous donner l'air vraiment cool.» À l'automne 2020, TASCHEN avait publié Depeche Mode by Anton Corbijn (81-18) en édition limitée signée par Depeche Mode et Anton Corbijn, une des éditions collector qui s'est vendue le plus vite de toute l'histoire de notre maison. Cette édition format XL, tout aussi homérique mais plus économique, témoigne de la vision unique de Corbijn et de cette image « cool » pour laquelle Gahan a exprimé sa touchante reconnaissance dans son discours. C'est une histoire illustrée détaillée du parcours Corbijn, qui, devenu le directeur artistique de facto du groupe en 1986, a participé à façonner la réputation de Depeche Mode, groupe culte dans le monde entier. Cette édition XL présente plus de 500 photos issues des foisonnantes archives de Corbijn, dont beaucoup sont inédites, parmi lesquelles des portraits officiels ou plus intimes saisis à Madrid, à Hambourg, dans le désert californien, à Prague ou à Marrakech (souvent prises sur le tournage de clips emblématiques comme «Enjoy the Silence» et «Personal Jesus»)
