«Dans GENESIS, mon appareil photo a permis à la nature de me parler. Écouter fut pour moi un privilège.» Sebastião Salgado En 1970, à 26 ans, Sebastião Salgado se retrouve par hasard pour la première fois avec un appareil photo entre les mains. En regardant dans le viseur, il a une révélation: brusquement, la vie prend un sens. Dès lors même s'il lui a fallu des années de travail acharné avant d'acquérir l'expérience nécessaire pour pouvoir vivre de son travail de photographe l'appareil photo devient l'outil par lequel il interagit avec le monde. Salgado, qui a «toujours préféré la palette en clair-obscur des images en noir et blanc» prend quelques photos couleur à ses débuts, avant d'y renoncer définitivement. Élevé dans une ferme au Brésil, Salgado éprouve un amour et un respect profonds pour la nature; il se montre aussi particulièrement sensible à la façon dont les êtres humains sont affectés par les conditions socio-économiques souvent accablantes dans lesquelles ils vivent. Des nombreuses oeuvres que Salgado a réalisées au cours de son admirable carrière, trois projets de longue haleine se démarquent particulièrement: La Main de l'homme (1993) qui illustre le mode de vie bientôt révolu de travailleurs manuels du monde entier, Exodes (2000), témoignage sur l'émigration massive causée par la faim, les catastrophes naturelles, la dégradation de l'environnement et la pression démographique, et ce nouvel opus, GENESIS, résultat d'une expédition épique de 8 ans à la redécouverte des montagnes, déserts et océans, animaux et peuples qui ont jusqu'ici échappé à l'empreinte de la société moderne les terres et la vie d'une planète encore préservée. «Près de 46% de la planète semblent encore comme au temps de la Genèse», fait remarquer Salgado. «Nous devons sauvegarder ce qui existe.» Le projet GENESIS, en lien avec l'Instituto Terra créé par Salgado cherchent à montrer la beauté de notre planète, à inverser les dommages qu'on lui a infligés et à la sauvegarder pour les générations futures. Au cours de 30 voyages, à pied, en avion léger, en bateau, en canoë et même en ballon, par une chaleur extrême ou un froid polaire et dans des conditions parfois dangereuses, Salgado a réuni des images qui nous montrent la nature, les peuples indigènes et les animaux dans toute leur splendeur. Maîtrisant le monochrome avec un talent qui rivalise avec celui du virtuose Ansel Adams, Salgado fait entrer la photographie noir et blanc dans une autre dimension; les nuances de tons de ses oeuvres, le contraste entre le clair et l'obscur, évoquent les tableaux de grands maîtres comme Rembrandt et Georges de la Tour. Que découvre-t-on dans GENESIS? Les espèces animales et les volcans des Galapagos; les manchots, les lions de mer, les cormorans et les baleines de l'Antarctique et de l'Atlantique sud; les alligators et les jaguars du Brésil; les lions, les léopards et les éléphants d'Afrique; la tribu isolée des Zoé au fin fond de la jungle amazonienne; le peuple korowaï vivant à l'âge de pierre en Papouasie occidentale; les éleveurs de bétail nomades dinka du Soudan; les nomades nénètses et leurs troupeaux de rennes dans le cercle arctique; les communautés mentawai des îles à l'ouest de Sumatra; les icebergs de l'Antarctique; les volcans d'Afrique centrale et de la péninsule du Kamtchatka; les déserts du Sahara; le rio Negro et le rio Jurua en Amazonie; les failles du Grand Canyon; les glaciers de l'Alaska... Après s'être rendu là où personne n'était jamais allé, et avoir consacré tant de temps, d'énergie et de passion à la réalisation de cet ouvrage, Salgado considère GENESIS comme sa «lettre d'amour à la planète». Contrairement à l'Édition collector limitée, conçue comme un portfolio grand format balayant la planète, cette édition illimitée présente une sélection différente de photographies organisées par zones géographiques en 5 chapitres: Aux confins du Sud, Sanctuaires, Afrique, Terres du Nord et Amazonie et Pantanal. Chacune à sa manière, l'Édition collector et l'édition grand public toutes deux conçues et réalisées par Lélia Wanick Salgado rendent hommage au projet GENESIS de Salgado, aussi grandiose qu'exceptionnel.
Doisneau à coeur ouvert.
L'oeil empathique de Robert Doisneau sur l'expérience humaine.
Aussi sensible aux douleurs des hommes qu'aux plaisirs simples de la vie, Robert Doisneau est incontestablement l'un des plus célèbres représentants de cette photographie humaniste qui s'est imposée dans les années 1950. Surtout célèbre pour ses portraits de Paris si emplis d'âme, Doisneau a démontré un talent unique pour trouver - et cadrer à la perfection - des personnages charismatiques, des épisodes distrayants et des moments fugaces d'humour ou de tendresse. Même dans les contextes les plus modestes, il distille les émotions et les rencontres qui façonnent la vie.
Résumé en images d'une carrière spectaculaire, cet hommage présente les clichés les plus aimés de Doisneau et des photographies moins connues, qui saisissent avec délice «les gestes ordinaires de gens ordinaires dans des situations ordinaires». Les nombreuses citations qui courent tout au long des pages instaurent un dialogue entre les photographies, le lecteur et le photographe lui-même, mettant des mots sur la sensibilité, le sens de l'humour et la chaleur humaine qui caractérisent ses photos.
Cet ouvrage nous transporte dans les faubourgs de la jeunesse de Robert Doisneau, dans le monde du travail manuel dont il admirait tant la noblesse, et dans les ateliers d'artistes majeurs de son époque, saisis en pleine réflexion ou création. Un certain nombre de photographies en couleurs beaucoup moins connues, des paysages transformés de son enfance en banlieue révèlent un autre Robert Doisneau, à l'oeil plus critique.
Pour cette nouvelle monographie traitant de tous les aspects de la vie et de l'oeuvre de Robert Doisneau, son ami de longue date Jean Claude Gautrand, auteur chez TASCHEN, a joui d'un accès illimité aux riches archives photographiques de l'Atelier Robert Doisneau. La préface a été rédigée par les filles de Doisneau, Francine Deroudille et Annette Doisneau.
Découvrez l'esthétique absolument unique de Tadao Ando, le seul architecte à avoir remporté les quatre distinctions les plus prestigieuses de sa profession: les prix Pritzker, Carlsberg, Kyoto et le Praemium Imperiale. Philippe Starck l'a décrit comme un «mystique dans un pays qui n'est plus mystique ». Philip Drew considère ses bâtiments comme relevant du «land art» en ce qu'ils «luttent pour sortir de terre». Ses créations sont souvent qualifiées de haïkus faits de béton, d'eau, de lumière et d'espace. Pourtant, selon Ando, la véritable architecture ne se traduit pas en termes de métaphysique ou de beauté, mais plutôt à travers l'espace, qui incarne une forme de sagesse physique.
Cette édition 2018 entièrement remise à jour revient sur l'ensemble de son immense carrière, y compris ses derniers projets éblouissants comme le Poly Theater de Shanghai et le Clark Center du Clark Art Institute de Williamstown (Massachusetts). Chacun est esquissé à travers photographies et dessins architecturaux qui mettent en lumière son usage unique du béton, du bois, de l'eau, de la lumière, de l'espace et des formes naturelles. Maintes fois primés, ses résidences privées, églises, musées, immeubles résidentiels ou ses espaces culturels, au Japon comme en Corée, en France, en Italie, en Espagne ou aux États-Unis, sont tous réunis dans cet hommage format XXL en un tour d'horizon ultime de ce maître moderniste.
Également disponible en une Édition d'art limitée à 100 exemplaires, signée par Tadao Ando et comprenant un dessin original.
La série White Shirts, connue dans le monde entier, a été réalisée sur une plage de Malibu, en 1988. Simples, mais décisives, ces photographies ont révélé Linda Evangelista, Christy Turlington, Rachel Williams, Karen Alexander, Tatjana Patitz et Estelle Lefébure. Cela a marqué le début d'une ère qui redéfinit la beauté et Lindbergh a poursuivi son oeuvre pour transformer le paysage de la photographie de mode pendant les décennies qui ont suivi.
Ce livre réunit plus de 300 clichés tirés des quarantes années de la carrière de Lindbergh. Il retrace l'inclinaison du photographe pour le cinéma et son approche humaniste, qui a donné vie à des images relevant tout autant de la séduction que de l'introspection.
En 1980, Rei Kawakubo a demandé à Lindbergh de réaliser la campagne de Comme des Garçons, une de ses premières incursions dans la photographie à visée commerciale. Kawakubo lui a donné carte blanche. Les années suivantes ont apporté leur lot de collaborations avec les plus grands noms de la mode et ont engendré des relations de respect mutuel. Le respect de Lindbergh pour l'un des plus grand designer de notre temps est palpable dans son portrait. Parmi ceux qui ont été photographiés, on compte Azzedine Alaïa, Giorgio Armani, Alber Elbaz, John Galliano, Jean Paul Gaultier, Karl Lagerfeld, Thierry Mugler, Yves Saint Laurent, Jil Sander et Yohji Yamamoto.
Précurseur dans son domaine, Lindbergh a délaissé les normes de la beauté et a célébré l'âme et l'individualité de ses sujets. Il a été une figure déterminante dans l'ascension de modèles comme Kate Moss, Naomi Campbell, Linda Evangelista, Cindy Crawford, Mariacarla Boscono, Lara Stone, Claudia Schiffer, Amber Valletta, Nadja Auermann et Kristen McMenamy.
Les oeuvres de Lindbergh l'ont mené jusqu'à Hollywood et au-delà : Cate Blanchett, Charlotte Rampling, Richard Gere, Isabelle Huppert, Nicole Kidman, Madonna, Brad Pitt, Catherine Deneuve et Jeanne Moreau apparaissent dans ses oeuvres. De l'image sélectionnée par Anna Wintour pour la couverture de son premier Vogue au légendaire shooting avec Tina Turner sur la tour Eiffel, ce ne sont jamais les vêtements, les célébrités ou le glamour qui occupent le devant de la scène dans une photographie de Lindbergh. Chaque cliché convie l'humanité et un certain sens de l'émotion-une douce mélancolie pleine de sentiments, purement et indubitablement Lindbergh.
Dès ses débuts, Lindbergh a été reconnu dans le monde de l'art contemporain, où ses photographies ont été exposées dans des galeries bien avant leurs publications dans des magazines. Cette édition réunit une introduction mise à jour adaptée d'une interview de 2016 dans laquelle le photographe raconte ses premières collaborations, la proximité entre l'aspect commercial et les beaux-arts et le pouvoir de la narration, proposant ainsi un aperçu derrière l'objectif de Lindbergh.
Le travail photographique unique de Frédéric Chaubin nous embarque dans un périple à travers l'Europe et les siècles. Avec plus de 200 lieux photographiés dans 21 pays, Stone Age révèle l'histoire et l'architecture des châteaux médiévaux les plus dramatiques du continent, dans un recueil sans précédent.
Encouragé par le succès de son immersion dans l'esthétique soviétique pour CCCP, Chaubin expose une nouvelle fois des structures éminemment spectaculaires, qui traversent le temps et profilent leur caractère insolite dans nos paysages modernes. Précurseurs du Brutalisme, ces châteaux ont établi la prépondérance de la fonction sur la forme, leurs silhouettes et leurs matériaux bruts ont défini des pans entiers de l'histoire architecturale.
Prises avec une chambre photographique argentique Linhof, ces photos sont le résultat de cinq années de voyage et d'enquête. Accompagnées d'une carte et d'un essai explicatif, elles racontent 400 ans d'histoire, soit toute l'époque médiévale et féodale, jusqu'au XVe siècle.
Étude photographique du déclin autant que de l'endurance, Stone Age retrace le destin de places fortes singulières qui continuent à enchanter un public nombreux et occupent une place à part, mystique, dans notre imaginaire collectif.
Climat, environnement, histoire et technologie sont en train de transformer l'architecture dans le monde entier. Le deuxième tome de notre collection Homes for Our Time rend compte de cette révolution de l'habitat. Quel rôle joue le logement dans notre monde menacé? Comment innover?
Au Sri Lanka, Palinda Kannangara a crée la Frame Holiday Structure pour un budget de 40.000. Constituée d'échafaudages en acier, de briques nues et de planchers en bois, cette maison s'assemble et se déplace facilement, pour s'adapter aux contingences liées à la montée des eaux. Au Brésil, la Fortunata House de Luciano Lerner Basso s'incorpore dans la nature environnante: elle est bâtie autour d'un arbre dont l'essence est menacée, sur pilotis afin de ne pas perturber le sol sylvestre. La Loom House de Miller Hull, près de Seattle, a été qualifiée de «rénovation écologique la plus ambitieuse au monde» en raison de son recours à des matériaux recyclés et à son excellent rendement énergétique.
L'histoire de l'architecture moderne a jusqu'à présent été écrite d'un point de vue occidental, et masculin. Ces quelques 60 bâtiments érigés au Vietnam, en Afrique du Sud, en Inde, en Chine et ailleurs, conçus par des hommes, des femmes et des collectifs, marquent la fin de cette époque. Il n'y a plus de style dominant et il n'y en aura sans doute plus jamais. S'appuyant sur les clichés de photographes réputés pour leur regard sur l'architecture, des descriptions précises et les croquis fournis par les architectes, Philip Jodidio raconte l'architecture diverse et durable du futur. Les résidentes présentées sont tantôt modestes, tantôt extravagantes. Une belle maison est toujours un rêve - et ce livre vous y invite!
Comment habiter mieux ?
Des maisons d'avant-garde, partout dans le monde.
En poussant la porte de maisons innovantes, Philip Jodidio illustre l'évolution de l'architecture mondiale actuelle - de la House of Concrete Experiments de Samira Rathod en Inde à l'Açucena House de Tetro, au Brésil.
Les maisons présentées dans cet ouvrage incarnent peut-être la première génération d'une architecture qui tire pleinement parti de l'omniprésente puissance informatique, de la conception jusqu'à la fabrication; un processus high-tech qui nuit en rien à leur variété et à leur originalité. En Italie, Mario Cucinella a bâti TECLA - Technology and Clay, une maison imprimée en 3D, exclusivement à partir de terre crue. Cette demeure unique, érigée en 200 heures avec 60 mètres cubes de matériaux naturels, ouvre la voie à une architecture écoresponsable et peu coûteuse. À Hyderabad, en Inde, Kanan Modi a conçu sa Maison de Jardins avec l'ambition de diffuser et réduire la chaleur à l'intérieur de la structure, mais aussi d'inviter la beauté de la nature à y pénétrer - une approche pertinente à l'heure du réchauffement climatique et de l'urbanisation galopante.
Ces bâtisses pionnières sont le fruit d'une exploitation optimisée d'avancées technologiques comme la visioconférence et l'impression 3D, d'une réflexion qui favorise la créativité, l'imagination, la cohérence avec le lieu d'implantation et la durabilité. L'Atelier Bow-Wow a dû diriger à distance le chantier de sa Peninsula House, sur l'île grecque d'Antiporos, en pleine pandémie de Covid; la maison Yuputira de Mariko Mori mêle son esthétique artistique et son style architectural, et la Suspension House d'Anne Fougeron insuffle une vie nouvelle dans un cadre naturel hors du commun.
Étude détaillée de 59 projets de pointe réalisés dans 25 pays - du Guatemala à la Slovénie, en passant par la Norvège et le Vietnam - ce troisième tome de la série Homes for Our Time nous fait visiter en images des joyaux de l'architecture contemporaine, à la découverte d'architectes qui font bouger leur art aujourd'hui et le font progresser vers demain. Ces demeures sont le coeur battant qui galvanisera l'architecture pendant les décennies à venir.
L'Histoire est une affaire compliquée. Les fortunes s'amassent et s'évaporent, les empires croissent et déclinent, et le changement - social, politique, technologique - a ses vainqueurs, ses perdants, ses défenseurs et ses pourfendeurs. Au coeur de ces turbulences, le graphisme, synthèse vivante et claire de l'image et de l'idée, restitue l'esprit de chaque époque.Cet ouvrage propose une histoire exhaustive et actualisée du graphisme de la fin du XIXe siècle à l'après Seconde Guerre mondiale. Il retrace l'évolution de cette discipline créative, de ses origines dans la conception d'affiches à son développement vers la publicité, l'identité de marque, les emballages et la conception éditoriale modernes. Organisé chronologiquement, ce volume présente plus de 2.500 créations fondatrices issues du monde entier, dont 71 font l'objet d'une étude approfondie, tout comme 61 chefs de file de la discipline parmi lesquels Alphonse Mucha (publicités pour des marques de chocolat), Edward Johnston (logo et police du métro de Londres), El Lissitzky (courant constructiviste du graphisme), Herbert Matter (publicités touristiques pour la Suisse utilisant le photomontage), Saul Bass (génériques de films animés) et A. M. Cassandre (affiches Art déco).
L'auteur Jens Müller a mis à profit son immense connaissance de ce domaine pour sélectionner les créations les plus marquantes de chaque année, en regard d'une frise où figurent les étapes de l'histoire du design. Dans son introduction, David Jury replace, quant à lui, le graphisme depuis ses origines, dès les débuts de l'imprimerie, de la gravure et de la lithographie, jusqu'à ses développement étonnament créatifs au XIXe siècle. Chaque décennie est présentée en un panorama succinct complété par une splendide frise chronologique illustrée, afin de présenter la production graphique dans toute sa variété et de l'environnement global qu'elle décrit et définit.
Alors que le XXe siècle qui s'éloigne nous fait prendre du champs et mieux en discerner les grandes lignes, cet ouvrage fascinant donne à voir les fondements de ce qui va influencer des domaines créatifs en constante évolution et reconnaît, bien tardivement, l'énorme contribution du graphisme à l'économie, à la politique, aux grandes causes sociales, aux arts, aux médias et à notre manière de voir le monde.
Un second volume en préparation couvrira la période de 1960 à nos jours.
Brique après brique.
Les bâtiments en brique les plus innovants au monde.
De tous les matériaux de construction qui existent au monde, la brique fait partie des plus utilisés, de tous temps. Les premières traces de bâtiments réalisés en briques de terre remontent à 7500 av. J.C. et la brique cuite a fait son apparition vers 3500 av. J.C. Depuis, le fidèle parallélépipède a montré une résilience incroyable, et demeure un élément de base de l'architecture contemporaine. Ancré dans la tradition en Chine ou aux Pays-Bas, elle est peu onéreuse, d'usage flexible et peut aussi être fabriquée de façon écologique.
Ce volume sillonne le monde pour présenter les bâtiments en brique les plus novateurs et enthousiasmants de ces 35 dernières années, du Paraguay à la Nouvelle-Zélande. Fidèle à l'esprit de tous les titres TASCHEN dédiés à l'architecture, il expose les réalisations de nouveaux talents comme Sanchit Arora de RENESA, ainsi que de «?starchitectes?» établis comme Renzo Piano ou Peter Zumthor. Les constructions choisies illustrent une variété d'usage de la brique, tant dans les espaces culturels, domestiques ou de loisirs que dans les infrastructures, comme la Tate Modern Switch House par Herzog & de Meuron à Londres, le restaurant scolaire Le Boa de D'Houndt + Bajart à Lille-Lomme ou le village pour futures mamans bâti par le MASS Design à Kasungu, au Malawi.
En novembre 2020, Depeche Mode entrait au Rock & Roll Hall of Fame et Dave Gahan recevait cet hommage avec ces mots: «Je voudrais remercier Anton Corbijn qui, grâce à Dieu, est monté à bord au bon moment pour nous donner l'air vraiment cool.» À l'automne 2020, TASCHEN avait publié Depeche Mode by Anton Corbijn (81-18) en édition limitée signée par Depeche Mode et Anton Corbijn, une des éditions collector qui s'est vendue le plus vite de toute l'histoire de notre maison. Cette édition format XL, tout aussi homérique mais plus économique, témoigne de la vision unique de Corbijn et de cette image « cool » pour laquelle Gahan a exprimé sa touchante reconnaissance dans son discours. C'est une histoire illustrée détaillée du parcours Corbijn, qui, devenu le directeur artistique de facto du groupe en 1986, a participé à façonner la réputation de Depeche Mode, groupe culte dans le monde entier. Cette édition XL présente plus de 500 photos issues des foisonnantes archives de Corbijn, dont beaucoup sont inédites, parmi lesquelles des portraits officiels ou plus intimes saisis à Madrid, à Hambourg, dans le désert californien, à Prague ou à Marrakech (souvent prises sur le tournage de clips emblématiques comme «Enjoy the Silence» et «Personal Jesus»)
Helmut Newton (1920-2004) a toujours affiché un mépris très sain pour les solutions faciles ou prévisibles. SUMO, une audacieuse entreprise d'édition sans précédent - en tout cas pour ce qui est du livre photographique - était un projet auquel on ne pouvait résister. L'idée de ce spectaculaire recueil d'images, de ce livre aux dimensions d'une exposition, aux photos reproduites dans un format exceptionnel et par des procédés de photogravure et d'impression d'avant-garde, est née lors d'un dialogue exploratoire et totalement ouvert entre le photographe et l'éditeur. Ainsi, avec ce SUMO au physique imposant qui pesait - dans son emballage et sous son film plastique - 35,4 kilos, Newton allait créer, à la fin du XXe siècle, ce livre-monument qui dépassait de la tête et des épaules tout ce qui avait été tenté conceptuellement ou physiquement dans ce domaine.
Publié en 10.000 exemplaires signés et numérotés, SUMO fut intégralement vendu peu après sa publication et sa valeur s'est envolée depuis. Cet événement international de l'édition se trouve désormais dans de nombreuses grandes collections du monde entier, dont le Museum of Modern Art à New York. Le légendaire exemplaire no1, enrichi de plus de 100 signatures des célébrités photographiées, a également battu le record du livre le plus cher du XXe siècle, puisqu'il a atteint lors d'une vente aux enchères à Berlin, le 6 avril 2000, la somme de 620.000 marks.
Aujourd'hui, cette édition format XL célèbre les 20 ans du SUMO et marque l'accomplissement d'une ambition exprimée il y a quelques années par Helmut Newton. Revu par son épouse, June, l'ouvrage réunit l'ensemble des 464 images ainsi qu'un livret inédit qui nous plonge dans les coulisses de cette aventure éditoriale. Un hommage spectaculaire rendu à l'extraordinaire Helmut Newton, désormais dans un format plus accessible.
Esprit parmi les plus créatifs du XXe siècle, Walt Disney a élaboré un univers imaginaire unique et inégalé. Peu de classiques du 7e art ont autant révolutionné la narration cinématographique et enchanté des générations successives sur tous les continents que son incroyable collection de dessins animés.
Dans cet ouvrage TASCHEN, premier volume d'une des publications illustrées les plus complètes sur les dessins animés Disney, quelque 1500 images et des essais signés par d'éminents spécialistes de Disney nous transportent en plein coeur du studio à l'époque de son « âge d'or de l'animation ». Ce livre de référence retrace la fabuleuse épopée de l'animation Disney : le muet, puis le premier long-métrage, Blanche-Neige et les sept nains (1937), l'expérimental et novateur Fantasia (1940), et ses derniers chefs-d'oeuvre, Winnie l'Ourson et l'arbre à miel (1966) et Le Livre de la jungle (1967).
Grâce à des recherches approfondies dans les collections historiques de la Walt Disney Company et dans des collections privées, l'éditeur Daniel Kothenschulte s'appuie sur les précieuses peintures concept et les story-boards pour dévoiler le processus de fabrication de ces chefs-d'oeuvre de l'animation. Les magistrales planches d'assemblage des cellules fournissent des illustrations très détaillées de scènes restées célèbres, tandis que de rares clichés pris par les photographes de Disney et des extraits des conférences de rédaction entre Walt et son équipe permettent une incursion privilégiée dans le processus créatif de l'illustre maison.
Un chapitre est consacré à chacun des grands films d'animation réalisés du vivant de Walt, dont Pinocchio, Fantasia, Dumbo, Bambi, Cendrillon, Peter Pan, La Belle et le Clochard et Les 101 Dalmatiens, sans oublier les trésors plus confidentiels comme les courts métrages expérimentaux de la collection Silly Symphonies et les films musicaux à épisodes comme La Boîte à musique et Melodie Cocktail, sous-estimés, qui ont tous bénéficié de la même attention et des mêmes recherches méticuleuses. Un grand nombre de projets inaboutis, parmi lesquels une proposition de suite pour le légendaire dessin animé musical Fantasia ou un hommage à Davy Crockett par le peintre Thomas Hart Benton, figurent aussi dans le livre aux côtés d'oeuvres originales rarement vues. Au fil des pages, les contributions d'experts reconnus comme Leonard Maltin, Dave Smith, Charles Solomon, J.B. Kaufman, Russell Merritt et Brian Sibley racontent la fabrication de chaque film.
Conscients que le style Disney est l'oeuvre d'un travail collectif autant que du maître lui-même, les auteurs des Archives des films Walt Disney remercient les remarquables dessinateurs et designers qui ont influencé le style du studio, notamment Albert Hurter, Gustaf Tenggren, Kay Nielsen, Carl Barks, Mary Blair, Sylvia Holland, Tyrus Wong, Ken Anderson, Eyvind Earle et Walt Peregoy.
Imaginez que vous restez immobile devant un paysage inoubliable pendant 30 heures d'affilée en vous contentant de l'observer, sans jamais fermer les yeux. Vous ne ressentirez pas avec autant de force les détails et l'émotion qu'offre une photographie panoramique de Stephen Wilkes. Car non seulement Wilkes prend plus de 1.500 clichés depuis un point fixe, mais une fois dans son studio, il met en valeur les données visuelles pertinentes en juxtaposant méticuleusement une sélection d'images pour en former une seule.Day to Night présente 60 panoramas homériques créés entre 2009 et 2018, à partir de photos prises dans le Serengeti africain ou sur les Champs-Élysées parisiens, dans le Grand Canyon et à Coney Island, sur Trafalgar Square et la Place Rouge. Chaque image est le fruit d'un amour sincère et d'une patience infinie. Wilkes a ainsi dû attendre plus de deux ans l'autorisation de photographier le pape François pendant la messe de Pâques au Vatican, pour finalement livrer un tableau captivant dans lequel le souverain pontife apparaît dix fois.
Le livre révèle aussi certains détails extraordinaires - oeuvres d'art en eux-mêmes - qui racontent les histoires inscrites dans chaque image. Une mariée traverse Central Park, en Tanzanie des zèbres s'assemblent autour d'un trou d'eau pendant une période de sécheresse, à Rio de Janeiro des surfeurs vont et viennent tandis qu'un homme tient une pancarte où est écrit « Pas plus de deux questions par client ». « Ce sont exactement ces petites histoires, ces détails, qui attirent les gens vers ces photos », explique Wilkes. Une fois découverts, ces micro récits confèrent de la personnalité et de la candeur à chaque composition.
Ce recueil nous emporte pour un voyage ininterrompu de l'aube au crépuscule à travers les lieux les plus célèbres au monde, où la beauté fluctuante et unique des sites naturels et des monuments créés par l'Homme s'exprime comme jamais auparavant.Bientôt disponible en deux Éditions d'art de 100 exemplaires chacune, accompagnées d'un tirage numéroté et signé par le photographe
On se souvient du portrait de l'écrivain naturaliste Émile Zola assis parmi ses japonaiseries signé Édouard Manet et des copies méticuleuses que Van Gogh réalisa des estampes d'Hiroshige, qu'il collectionnait avec dévotion. Il est clair qu'au XIXe siècle les pionniers du modernisme européen ne font pas mystère de leur amour pour l'art japonais. Sensuelle, libre et vibrante, l'estampe aurait été, à elle seule, à l'origine de la vague japoniste qui submergea d'abord la France, puis toute l'Europe - souvent sous la forme d'objets d'art mal compris, réduits à leur caractère «exotique», qui nourrissent alors l'art occidental.
Car l'estampe japonaise est un phénomène sans équivalent en Occident. Certaines des idées qui ont le plus vigoureusement secoué l'art moderne - dont celle, comme l'a dit Karl Marx, que «tout ce qui est solide se volatilise» - sont nées au Japon dans les premières heures du XVIIIe siècle et se sont exprimées avec une force inédite dans les oeuvres de maîtres comme Hokusai, Utamaro et Hiroshige au début du XIXe.
Ce recueil lève le voile sur une forme d'art très appréciée mais incomprise en présentant les 200 estampes japonaises les plus exceptionnelles dans leur contexte historique. Depuis l'essor, au XVIIe siècle, du décadent ukiyo-e, «image du monde flottant», jusqu'au déclin et à la résurgence tardive de cet art au début du XXe siècle, les reproductions rassemblées dans cette édition composent un témoignage sans égal non seulement sur un genre unique dans l'histoire de l'art, mais aussi sur l'évolution des moeurs et de la culture au Japon.
Montagnes mystiques ou cols enneigés, samouraïs en armures ou travailleuses du sexe mises en vitrine, chaque planche est abordée comme une oeuvre à part entière qui raconte les histoires et les gens qui se dessinent dans ces motifs. On découvre ainsi les quatre piliers de l'estampe - beautés, acteurs, paysages et compositions de fleurs et d'oiseaux - qui côtoient des représentations de lutteurs sumo, d'acteurs de kabuki et d'envoûtantes courtisanes, ces vedettes du «monde flottant» dont les fans inlassables favorisent la production frénétique d'estampes. On plonge aussi dans un univers plus sombre et inquiétant grâce à des estampes où des démons, spectres, mangeurs d'hommes et autres créatures imaginaires tourmentent les vivants dans des scènes saisissantes qui inspirent encore aujourd'hui le manga, le cinéma et les jeux vidéo japonais. On comprend ainsi comment ces oeuvres d'une diversité incroyable, scènes quotidiennes ou érotiques, tantôt martiales, tantôt mythologiques, ont en partage la maîtrise technique et l'oeil infaillible de leurs auteurs, ainsi que la prodigieuse ingéniosité et l'ironie avec lesquelles éditeurs et artistes se sont défendus contre la censure officielle.
Fruit de trois années de travail, cette édition au format XXL rassemble des reproductions des plus belles estampes parvenues jusqu'à nous, conservées sous les voûtes des musées et dans des collections privées du monde entier - dont un grand nombre ont été photographiées à nouveau pour ce projet. Dix-sept pages dépliantes invitent à étudier les plus infimes détails, tandis que des descriptions fouillées nous guident dans cette période effervescente de l'histoire de l'art japonais.
Inclut:
les oeuvres de 89 artistes, mondialement célèbres ou peu connus
7 chapitres organisés chronologiquement pour retracer l'histoire de cette discipline de 1680 à 1938
17 pages dépliantes, pliées à la main en raison de leur taille et de leurs spécificités
des reproductions exclusives réalisées dans des musées ou collections privées
des annexes recensant tous les artistes et toutes les oeuvres.
Grills incrustés de diamants, «chaînes en or qui brillent», montres Rolex et Patek Philippe ou colliers Tiffany, la joaillerie est une pierre angulaire de la culture hip-hop. Les bijoux outranciers sont l'éblouissant signe extérieur d'une identité collective qui s'affirme sans complexe ni demi-mesure et d'un charisme qu'imprègne la sagesse du bitume.
Ice Cold raconte l'histoire du bijou hip-hop de ses débuts dans les années 1980 à nos jours, grâce à une sélection sans pareil de témoignages et d'images. Des centaines de clichés de toutes les têtes d'affiche de ce genre visionnaire montrent combien «tout ce qui brille» est devenu un outil d'affirmation identitaire et d'expression individuelle.
Depuis les pendentifs Adidas en or massif de Run-DMC, les épaisses chaînes torsadées et les médaillons mercedes d'Eric B. & Rakim, cette joaillerie née de la rue s'est épanouie dans l'univers de la culture et du design. La tradition de la parure ostentatoire - « se montrer et en montrer » - s'est transformée pour atteindre de nouveaux sommets au contact d'un milieu créatif effervescent et d'artistes pointus comme Pharrell Williams, Jay-Z, Gucci Mane et Cardi B. Les pièces exubérantes qu'ils portent, et conçoivent parfois en partenariat avec des plasticiens comme Takashi Murakami, mêlent emblèmes de la culture populaire et matériaux anticonformistes.
L'auteure Vikki Tobak révèle - dans les moindres détails - le travail de joailliers novateurs comme Tito Caicedo chez Manny's, Eddie Plein ou Jacob the Jeweler, et beaucoup d'artisans moins connus, parmi lesquels Avianne & Co., Ben Baller/IF & Co., Greg Yuna, Johnny Dang ou Eliantte.
Ice Cold expose un style éblouissant et inspiré, à travers l'objectif des plus grands photographes contemporains, dont Wolfgang Tillmans, Janette Beckman, Jamel Shabazz, Timothy White, Gillian Laub, David LaChapelle, Danny Clinch, Chris Buck, Mike Miller, Phil Knott, Raven B. Varona, Al Pereira et Albert Watson. L'avant-propos de la superstar du hip-hop Slick Rick et les essais d'AAP Ferg, LL COOL J, Kevin «Coach K' Lee» et Pierre «P» Thomas de Quality Control Music nous plongent dans le monde singulier du bling-bling. Ice Cold dépasse le signe ostentatoire de richesse pour dévoiler sa facette talismanique et transformatrice.
«Rien n'est comparable aux Alpes», écrit le grand historien Jules Michelet en 1868. Au coeur de l'Europe, l'énorme massif des Alpes compte quelques-uns des sites naturels les plus grandioses du monde - le mont Blanc, la Jungfrau, le Cervin et leurs glaciers. Le tourisme qui naît à la fin du XVIIIe siècle s'y imposera aux siècles suivants avec, notamment, l'irrésistible essor des sports d'hiver. Ce livre vous transporte dans une époque délicieusement surannée où les premiers petits trains de montagne et les chemins de fer à crémaillère convoyaient des messieurs en culotte de peau et des dames en robe longue au pied des glaciers
Utagawa Hiroshige (1797-1858) est un des derniers grands artistes de la tradition de l'ukiyo-e. Littéralement «images du monde flottant», l'ukiyo-e était un art particulier florissant entre le 17e et le 19e siècles, venu à incarner l'image que le monde occidental se faisait du Japon. Images d'hédonisme à bien des égards, les scènes ukiyo-e représentaient souvent les vives lumières et attractions d'Edo (aujourd'hui Tokyo): belles femmes, acteurs et lutteurs, vie citadine et paysages spectaculaires.
S'il a traité toute une variété de sujets, Hiroshige est surtout connu pour ses paysages et son dernier chef-d'oeuvre, la série des «Cent vues célèbres d'Edo» (1856-1858), qui dispense diverses scènes de la vie quotidienne au fil des saisons, des rues commerçantes trépidantes aux merveilleux vergers de cerisiers.
Cette réédition, reliée à la manière japonaise, a été réalisée grâce à une des plus belles séries complètes de gravures sur bois anciennes, propriété du Musée mémorial d'Ota à Tokyo. Chacune des 120 illustrations s'accompagne d'une description qui permet aux lecteurs de se plonger dans ces superbes vues débordant de vie, devenues des modèles de «japonisme», qui ont inspiré les artistes impressionnistes, post-impressionnistes et Art Nouveau, de Vincent van Gogh à James McNeill Whistler.
Durant son âge d'or, le cirque américain a été la plus importante industrie de divertissement au monde. Du milieu du XIXe au milieu du XXe siècle, les cirques itinérants américains se produisaient devant un public pouvant atteindre 14 000 spectateurs par spectacle, employaient parfois jusqu'à 1600 femmes et hommes et sillonnaient les quelque 32 000 kilomètres de voies ferrées du pays en une seule saison. Le spectacle de casse-cou défiant la mort, de super-héros costauds et de starlettes légèrement vêtues, d'intrépides dompteurs et de «monstres» stupéfiants ont enflammé l'imagination des Américains, éclipsant le théâtre, les vaudevilles, la comédie et les minstrel shows, ces spectacles où des acteurs blancs étaient déguisés en Noirs.
Ce livre apporte un nouvel éclairage sur le phénomène circassien. Grâce à des trésors de photographies immortalisant des pionniers du cirque, ainsi que des affiches, des lithographies, des bannières d'attractions et des gravures originales du XVIe au XIXe siècle illustrant les origines du cirque à travers le monde, les lecteurs sont transportés dans un univers de sensations fortes et de savoir-faire, de sueur et de paillettes. Entre autres clous du spectacle, vous découvrirez des photos de cirque emblématiques signées Mathew Brady, Cornell Capa, Walker Evans, Weegee et Lisette Model, et des clichés peu connus de Stanley Kubrick ou Charles et Ray Eames.
Antiquaire, archéologue, vulcanologue et détaché auprès de l'ambassade britannique à Naples, Sir William Hamilton (1731-1803) était un éminent personnage de l'aristocratie européenne. Bien que l'aventure entre son épouse Lady Emma Hamilton et Horatio Nelson ait un peu éclipsé ses activités personnelles dans les mémoires, ses travaux scientifiques et historiques ont contribué de façon notable à l'étude de Pompéi, Herculanum et du mont Vésuve.
Spécialiste de l'art antique, Hamilton a également constitué une collection inestimable de vases grecs, qu'il vendit au British Museum de Londres en 1772. Avant que ces précieux objets soient embarqués pour l'Angleterre, Hamilton fit établir par Pierre-François Hugues d'Hancarville, connaisseur audacieux et marchand d'art, un catalogue complet en mots et en images, qui, publié ultérieurement en 4 volumes sous le titre Les Antiquités d'Hancarville, est en soi un chef-d'oeuvre néoclassique. Les vases antiques d'avaient jusqu'alors jamais été représentés avec tant de précision et d'esthétisme.
Grâce à cette réédition, TASCHEN redonne vie au sublime catalogue de d'Hancarville pour le plaisir du public actuel, et reproduit dans les moindres détails les images superbes qui ont été à l'origine de l'histoire d'amour entre l'Europe et le style classique.
La route de la Kisokaid? à travers le Japon fut tracée sur l'ordre de Tokugawa Ieyasu, qui dirigea le pays au début du XVIIe siècle et décréta que des relais soient installés tout le long de cette piste accidentée qui reliait Edo (l'actuelle Tokyo) et Kyoto. Auberges, échoppes et restaurants y furent construits pour prodiguer nourriture et logis aux voyageurs fatigués. En 1835, le célèbre estampiste Keisai Eisen reçoit la commande d'une série d'oeuvres qui décriront les étapes successives de l'itinéraire de la Kisokaid?. Après avoir réalisé 24 estampes, Eisen est remplacé par Utagawa Hiroshige, qui complète la série avec 70 estampes en 1838.Eisen et Hiroshige étaient tous deux des maîtres de l'estampe. Les Soixante-neuf Stations de la Kisokaid? révèlent à la fois les styles distincts et le savoir-faire commun des deux artistes. Du point de départ animé de Nihonbashi à la ville d'Iwamurata et son château, Eisen opte pour une palette aux tonalités atténuées, mais excelle dans la représentation figurative, en particulier des femmes élégantes, et se délecte des instantanés de vie qu'il saisit le long de la route - du ferrage d'un cheval au vannage du riz. Hiroshige démontre sa maîtrise du paysage avec des scènes grandioses et évocatrices, des rives paisibles du fleuve Ota à l'impressionnant col de Wada et à l'ascension de Yawata à Mochizuki au clair de lune.
L'ensemble de la série des Soixante-neuf Stations représente non seulement un chef-d'oeuvre de l'estampe, avec des compositions audacieuses et un recours expérimental à la couleur, mais aussi une fresque envoûtante du Japon au XIXe siècle, bien avant le spectre de l'industrialisation. Cette nouvelle édition XXL de TASCHEN redonne vie à ce recueil dans un format adapté à sa splendeur. Composé à partir d'un des exemplaires les mieux conservés de leur première édition, l'ouvrage, relié selon la tradition japonaise et imprimé sur un papier non coupé, restitue cette oeuvre légendaire dans une qualité de reproduction optimale. Parfait complément aux Cent vues célèbres d'Edo, également publié par TASCHEN, il est un régal pour les yeux et un objet de première importance témoignant du lointain passé du Japon impérial.
C'est la ville où l'Histoire, le spectaculaire et la sensualité pactisent à chaque coin de rue, où la dramaturgie baroque s'épanouit parmi les merveilles du classicisme antique. Où les nuques se cassent pour admirer la chapelle Sixtine de Michel-Ange, où Fellini a fait entrer la dolce vita dans l'histoire et où Mussolini a fait ériger les mégastructures de l'EUR à la gloire de l'idéologie fasciste. Cet exceptionnel portrait photographique de Rome réunit des centaines d'images datant des années 1840 jusqu'à aujourd'hui pour explorer la beauté, l'histoire et le patrimoine artistique extraordinaires de cette capitale culturelle incomparable. À travers quelque 500 photographies sépia, noir et blanc et en couleurs, ce recueil visite la ville par le regard d'artistes comme Giacomo Caneva, Pompeo Molins, Giuseppe Primoli, Alfred Eisenstaedt, Carlo Bavagnoli, Henri Cartier-Bresson, Pasquale De Antonis, Peter Lindbergh, Slim Aarons et William Klein, pour révéler toutes les captivantes facettes de Rome: un carrefour majeur de l'Empire romain, un des berceaux de la Renaissance, une destination de voyage chérie, un patchwork éclectique de quartiers, le siège du Vatican et de l'Église catholique romaine, une arène politique et décor parfait pour le cinéma et les photos de mode. Puisés dans des archives illustres, certains des clichés les plus anciens présents dans ce livre nous font découvrir en invités d'honneur certains des monuments les plus appréciés de Rome, parmi lesquels le Colisée, le Forum romain et la Piazza di Spagna presque déserts. Les images plus tardives soulignent les contrastes de la ville ? entre les propriétés luxueuses et les loisirs des plus privilégiés et les quartiers prolétaires de Trastevere et Testaccio, où le linge sèche suspendu d'une fenêtre à l'autre au-dessus des étals des rues. Certaines photos au style documentaire nous font aussi ressentir la poigne sombre de Mussolini, la ville parée de sa propre iconographie composée autour des maîtres mots du dictateur: force, athlétisme et patrie. Lorsqu'arrive la photographie couleur, la ville passe de l'esthétique néoréaliste à la convalescence hédoniste de l'après-guerre: ce sont les robes glamour, les célébrités exotiques et les cafés de la Via Veneto immortalisés par Fellini. Les visages célèbres y défilent: Louis Armstrong, Elizabeth Taylor, Audrey Hepburn, Marcello Mastroianni, Sophia Loren, Pier Paolo Pasolini, Anna Magnani, Valentino...
Au fil des ans plus ou moins sombres, le graphisme, synthèse vivante et claire de l'image et de l'idée, restitue l'esprit de chaque époque. Celui qui nous accompagne à chaque minute de notre vie, du packaging minimaliste aux publicités colorées, des graphiques éclairants sur la situation de l'environnement aux élégantes interfaces, est autant un moyen de transmettre l'information qu'il est le reflet des aspirations culturelles d'une société et de ses valeurs.
Ce second volume clôt l'exploration du graphisme la plus complète à ce jour, balayant les années 1960 jusqu'à nos jours. Près de 3.500 oeuvres graphiques fondatrices issues du monde entier jalonnent cette carte visuelle à travers l'histoire contemporaine, de l'émergence du style international à la naissance d'un âge numérique révolutionnaire. Près de 80 projets marquants sont passés au crible à travers des analyses détaillées et plus des 118 biographies des plus importants graphistes de cette période, dont Massimo Vignelli (signalisation du métro de New York), Otl Aicher (identité de Lufthansa), Paula Scher (identité de marque de Citibank), Neville Brody (The Face Magazine), Kashiwa Sato (identité d'Uniqlo) ou Stefan Sagmeister (affiches manuscrites).
L'auteur Jens Müller a mis à profit son immense connaissance de ce domaine pour sélectionner les créations les plus marquantes de chaque année, en regard d'une frise où figurent les étapes de l'histoire du design. Chaque décennie est présentée en un panorama succinct complété par une splendide frise chronologique illustrée, afin de présenter la production graphique dans toute sa variété et de l'environnement global qu'elle décrit et définit.
Ce recueil des plus importants travaux graphiques offre une réflexion nécessaire sur les développements d'un domaine créatif en constante évolution et en remise en question permanente. Ces oeuvres essentielles forment comme des jalons dans notre histoire contemporaine et nous aident à percevoir la véritable influence du graphisme sur notre vie quotidienne.
À l'heure où la visualisation de données envahit de plus en plus notre univers, le domaine d'exploration le plus appétissant est sans doute l'art raffiné de la bonne chère. Avec cet ouvrage, le livre de cuisine fait un bond dans l'avenir. Il rassemble les meilleures infographies consacrées à la cuisine, à ce qui se boit et se mange: tableaux de conversion des unités de mesures, recettes de cookies ou de cocktail, ou rétroplanning pour une fête sans stress.Incontournable pour tout amateur de bonne chère du XXIe siècle, ce gastro-guide atteint des sommets d'expertise et d'esthétisme. Vous voulez maîtriser la coupe du sashimi? Connaître le secret d'un steak grillé à la perfection? Impressionner vos invités avec un Martini Dry maison? Food & Drink Infographics renferme toutes les réponses à vos questions, grâce aux meilleures infographies culinaires créées pour résoudre les tracas en cuisine sous une forme vivante, simple et facile à mémoriser.
Vous trouverez dans ce livre des infographies sur tous les groupes alimentaires - graines et légumineuses, fruits et légumes, poisson, viande et volaille. Des idées de recettes de soupes, de sandwiches, de casse-croûte, de friandises et de sauces viennent compléter le menu, tandis que d'autres chapitres explorent les associations de saveurs, la pâtisserie, les boissons, les ustensiles et techniques de cuisine, et cerise sur le gâteau, le café et le thé.
Le livre s'ouvre sur une préface de l'auteur culinaire Michael Ruhlman et se poursuit par une étude historique de l'iconographie alimentaire, qui rappelle comment et où nous avons utilisé l'image pour apprécier, préparer et servir aliments et boissons, depuis les hiéroglyphes égyptiens sur le pain plat aux classiques du XIXe siècle comme Mrs Beeton's Book of Household Management. Beau, malin et rempli d'astuces très utiles, Food & Drink Infographics constitue une délicieuse exploration visuelle de l'alimentation et de la cuisine, mais aussi un recueil indispensable de conseils et de techniques pour un quotidien savoureux.
