En 1961, trois ans après avoir rencontré Jeanne-Claude à Paris, Christo dessinait un projet pharaonique qui envelopperait un des monuments les plus emblématiques de la ville. 60 années, 25.000 mètres carrés de toile recyclable et 3.000 mètres de corde plus tard, la vision des deux artistes devient enfin réalité. Découvrez leur installation posthume avec ce livre qui réunit photos, croquis et une histoire de l'élaboration du projet. Comme la plupart des créations de Christo et Jeanne-Claude, L'Arc de Triomphe, Wrapped est éphémère, seulement présenté pendant 16 jours, jusqu'au dimanche 3 octobre 2021. En étroite collaboration avec le Centre des Monuments nationaux, le bâtiment historique a été emballé dans une toile en polypropylene recyclable bleu argenté grâce à des cordes recyclables rouges. Ce projet est la réalisation posthume d'un rêve de très longue date commun à Christo et Jeanne-Claude, qui dessinèrent les premiers plans pour emballer l'Arc de Triomphe en 1961, alors qu'ils louaient une petite chambre près du célèbre monument. Publié en guise d'hommage aux artistes défunts et à une vie de collaboration entre eux, ce livre rassemble des croquis originaux, des données techniques et des photos exclusives, pour donner à voir les coulisses et la genèse de cette oeuvre prodigieuse.
Andy Warhol (1928-1987) apparaît aujourd'hui comme le représentant le plus important du pop art. Observateur critique et créatif de la société américaine, il a exploré des thèmes clés comme le consumérisme, le matérialisme, les médias et la célébrité.
Puisant dans la publicité de son temps, les comics, les produits de consommation courante et les visages les plus célèbres de Hollywood, Warhol a proposé une réévaluation radicale de ce qui constituait le sujet artistique. Une fois passées entre les mains de Warhol, une boîte de soupe en conserve et une bouteille de Coca sont devenues aussi signes du statut d'oeuvre que n'importe quelle nature morte traditionnelle. Dans le même temps, Warhol a redéfini le rôle de l'artiste. Célèbre pour avoir déclaré: «Je veux être une machine», il effaçait systématiquement sa propre présence en tant qu'auteur de l'oeuvre, notamment en recourant à des procédés de fabrication de masse et à la répétition des images, ainsi qu'à des cohortes d'assistants avec lesquels il travaillait dans un immense atelier baptisé Factory.
Ce livre présente l'oeuvre aux multiples facettes du prolifique Warhol qui révolutionna les distinctions entre art «d'en haut» et «d'en bas» en explorant les notions de vie, de production et de consommation, qui demeurent centrales dans notre expérience de la modernité.
Malgré les tribulations personnelles qui le maintiennent dans un mouvement constant, Ai Weiwei demeure un aimant culturel. Fondée sur ses positions politiques et son activité sur les réseaux sociaux comme sur ses interventions dans l'espace public, son approche contemporaine du «ready-made» et sa connaissance de l'artisanat traditionnel chinois, la renommé d'Ai dépasse largement le monde de l'art.
Réalisée à partir de l'Édition collector limitée publiée par TASCHEN, cette monographie explore chaque étape de la carrière d'Ai, jusqu'à sa libération des geôles chinoises. Il comprend une large part de documents visuels qui retracent l'évolution du maître, depuis son premier séjour à New York jusqu'à ses dernières créations, et met l'accent sur certains moments déterminants : sa percée mondiale au début des années 2000, son oeuvre en porcelaine Sunflower Seeds pour le Turbine Hall de la Tate Modern, sa réaction après le tremblement de terre au Sichuan en 2008 et sa détention par la police en 2011. Grâce aux images des coulisses de son studio, aux photographies de production et aux nombreuses citations extraites d'interviews exclusives d'Ai, le livre offre un aperçu privilégié de sa méthode de travail, de ses influences et de son envergure.
L'ouvrage comprend des textes d'Uli Sigg, ami de longue date d'Ai et ancien ambassadeur de la Suisse en Chine, et de Roger M. Buergel, commissaire de l'exposition Documenta de 2007 qui accueillit l'oeuvre Fairytale.
Pendant les 14 années que dura la brève période de l'entre-deux-guerres, l'école allemande d'art et de design du Bauhaus bouleversa le visage de la modernité. Mettant en pratique ses idéaux utopiques, cette école pionnière entreprit de réunir les beaux-arts, l'artisanat et la technologie, fusion qui s'appliqua aux moyens et aux pratiques artistiques, du cinéma au théâtre, de la sculpture à la céramique. Cvéritable best-seller, cet ouvrage de référence a été réalisé en collaboration avec le Bauhaus-Archiv/Museum für Gestaltung de Berlin qui abrite à ce jour la plus importante collection sur l'histoire du Bauhaus. Documents, études, plus de 250 photographies inédites, croquis, plans, maquettes et prototypes retracent les oeuvres réalisées ainsi que les grands principes et les personnalités qui ont formé ce collectif d'artistes idéalistes, au fil de ces trois lieux d'implantation à Weimar, Dessau et Berlin. Des clichés pris sur le vif pendant les séances de gymnastique aux croquis réalisés par des élèves de Paul Klee, des immenses plans architecturaux au cendrier si élégant de Marianne Brandt, la collection vibre des couleurs, des matières et des formes géométriques caractéristiques de l'oeuvre d'art «totale», concept au coeur de la vision du Bauhaus. À l'heure du centenaire du Bauhaus, cet ouvrage de référence résume parfaitement l'énergie et la rigueur du Bauhaus, qui ne fut pas qu'un mouvement précurseur du modernisme mais posa aussi les bases de la formation artistique, selon lesquelles l'expression créative et les idées novatrices conduiraient à des oeuvres autant fonctionnelle qu'esthétiques. Cette édition plus maniable aborde notamment le travail d'artistes tels que Josef Albers, Marianne Brandt, Walter Gropius, Gertrud Grunow, Paul Klee, Ludwig Mies van der Rohe, Lilly Reich et bien d'autres.
«Un jour, une femme m'a appelé et m'a dit: M. Escher, je suis complètement folle de votre travail. Avec votre lithographie Reptiles, vous livrez une représentation si saisissante de la réincarnation! Je lui ai répondu: Madame, si c'est comme cela que vous le voyez, ainsi soit-il.» Remarque pertinemment sournoise, due au célèbre artiste et graphiste hollandais Maurits Cornelis Escher (1898-1972), dont les compositions compliquées et ambiguës déjouent toujours les interprétations hâtives.
Bien avant les premières images en 3D générées par ordinateur, Escher fut un maître de la troisième dimension. Sa lithographie Miroir magique remonte à 1946. Le mathématicien Bruno Ernst a choisi ce titre afin de souligner le charme envoûtant qu'exerce invariablement l'oeuvre d'Escher sur ceux et celles qui la regardent. Ernst a rendu visite à Escher chaque semaine pendant un an, afin de passer systématiquement en revue avec lui l'ensemble de son travail. Au fil de leurs conversations s'est forgée une amitié qui a ouvert à Ernst les portes de la vie et du monde conceptuel d'Escher. L'artiste a lui-même scruté à la loupe le compte rendu dressé par Ernst et lui a apporté quelques précisions.
L'oeuvre d'Escher s'oppose à toute catégorisation. À eux seuls, les critères scientifiques, psychologiques et esthétiques ne peuvent lui rendre justice. Restent une myriade de questions: pourquoi a-t-il créé ces images? Comment les a-t-il construites? Quelles études préliminaires ont été nécessaires avant de parvenir aux versions finales? Et comment ses diverses créations sont-elles reliées? Ce livre actualisé et remanié, enrichi d'éléments biographiques, de 250 illustrations et d'une décomposition complète de chaque problème mathématique, propose des réponses à ces interrogations et à bien d'autres mystères, et constitue une authentique source de référence sur cet artiste hors normes.
Le travail du couple d'artistes Christo (1935-2020) et Jeanne-Claude (1935-2009) résiste à la moindre catégorisation. À mi-chemin entre l'art, l'aménagement urbain, l'architecture et l'ingénierie, il relève avant tout d'une esthétique unique: des interventions surréalistes et féériques sur l'environnement qui ont magnifié indifféremment monuments, parcs publics et centres du pouvoir.
Cet ouvrage compact parcourt l'intégralité de la carrière du couple d'artistes qui sont nés exactement le même jour, se sont rencontrés à Paris, sont tombés amoureux l'un de l'autre et ont formé un binôme créatif à nul autre pareil. Richement illustré, le livre évoque les premiers projets de Christo et Jeanne-Claude dans les années 1950 et s'achève par le projet The Floating Piers qui sera installé sur le lac Iseo en Italie, en 2016. Il rend hommage à toutes les plus célèbres interventions du couple sur l'environnement, telles que The Gates à Central Park, à New York, et Wrapped Reichstag (Le Reichstag Empaqueté) à Berlin, tout en comprenant des documents inédits, inconnus du grand public, comme des dessins de jeunesse et des photos de famille.
Rayons de lumière.
Man Ray, le maître polyvalent de l'imagerie moderniste.
Man Ray (1890-1976) était un moderniste aux intérêts multiples, qui appliqua son talent à la peinture, à la sculpture, au cinéma, à l'estampe et à la poésie. C'est cependant son oeuvre photographique, notamment ses études de nus, ses photos de mode et ses portraits, qui ont inscrit son nom parmi les pionniers, auteurs d'un nouveau chapitre de l'histoire de l'art et de la technique photographique.
À travers une large sélection de ses oeuvres connues ou plus discrètes, cette monographie compose une vue d'ensemble vivante du travail protéiforme de Man Ray et de son legs photographique. Elle retrace sa vie depuis ses débuts d'artiste à New York jusqu'au rôle central qu'il joua dans l'avant-garde parisienne, qui le vit figurer dans la première exposition surréaliste avec Jean Arp, Max Ernst, André Masson, Joan Miró et Pablo Picasso, et au sein de laquelle il produisit des oeuvres aussi illustres que Noire et blanche et Le Violon d'Ingres. Au fil de très nombreux exemples de natures mortes et de portraits, notamment, on découvre comment Man Ray a constamment expérimenté de nouvelles techniques et poussé la photographie hors du domaine documentaire pour la transporter vers des expressions poétiques éthérées en jouant avec l'exposition multiple, la solarisation et sa version personnelle du photogramme qu'il s'amusait à baptiser «rayographie».
Le Cabinet des curiosités naturelles d'Albertus Seba est une des plus grandes réalisations scientifiques du XVIIIe siècle et l'un des ouvrages d'histoire naturelle les plus précieux de tous les temps. Si les scientifiques de l'époque collectionnaient souvent des spécimens naturels pour effectuer des recherches, la passion de Seba (1665-1736), pharmacien établi à Amsterdam, fut sans égal. Son incroyable collection d'animaux, de plantes et d'insectes du monde entier lui a valu de son vivant une renommée internationale. En 1731, après avoir passé des dizaines d'années à constituer sa collection, Seba a commandé des illustrations minutieuses, souvent mises en scène, de chacun de ses spécimens. À partir de ces méticuleux dessins, il a entrepris la publication d'un catalogue en quatre volumes couvrant l'ensemble de sa collection, des étranges plantes exotiques aux serpents, en passant par les grenouilles, crocodiles, coquillages, coraux, insectes, papillons, ainsi que des espèces aujourd'hui disparues. Cette reproduction a été réalisée grâce à un exemplaire très rare de l'édition originale, mis en couleur à la main. L'introduction replace l'oeuvre dans son contexte historique en revenant sur la fascinante tradition des cabinets de curiosités dans laquelle s'inscrit la collection de Seba.
Le plus célèbre graveur sur cuivre du XVIIIe siècle, Giovanni Battista Piranesi (1720-1778), dit Le Piranèse, a forgé sa renommée grâce à sa série d'eaux-fortes représentant la Rome antique. Ses surprenantes gravures en clair-obscur, qui imprègnent les ruines archéologiques de la cité de drame et de romantisme, sont vite devenues les souvenirs préférés de ceux qui e ectuaient le Grand Tour, parcourant l'Italie en quête de culture et d'enseignement classiques.
Aujourd'hui, Le Piranèse est non seulement célèbre pour avoir façonné l'image que l'Europe se fait de Rome, mais aussi pour ses séries élaborées de prisons fantasmagoriques, les Carceri, qui ont depuis infl uencé des générations de créateurs, des Surréalistes à Samuel Taylor Coleridge en passant par Edgar Allan Poe, Jorge Luis Borges et Franz Kafka.
Librement inspirés de décors plutôt que des véritables cachots sordides de l'époque, ces images très travaillées défient le réalisme architectural, préférant les jeux de perspective, d'éclairage et d'échelle. Les escaliers existent sur deux plans simultanés, de vastes plafonds voûtés semblent s'élancer jusqu'aux cieux, les distinctions entre dedans et dehors s'effacent. Vues d'en bas, peuplées de petites silhouettes fragiles, ses prisons prennent l'aspect de monstrueuses mégapoles carcérales, considérées aujourd'hui encore comme des chefs-d'oeuvre du drame existentialiste.
«L'art de Giger puise essentiellement dans notre psyché et touche nos instincts et nos peurs primaires les plus enfouies. Son art est à ranger dans une catégorie à part. Preuve en est l'intensité de son oeuvre et de son imagination, que je ne peux comparer qu'à celles d'un Jérôme Bosch ou d'un Francis Bacon de par leur pouvoir de provocation et de déstabilisation.» - Ridley Scott L'artiste suisse HR Giger (1940-2014) est surtout connu pour avoir créé le monstre de l'espace du film de science-fiction Alien (1979) de Ridley Scott, récompensé par un Oscar. Rétrospectivement, ce personnage ne représente qu'une des nombreuses représentations les plus populaires de l'arsenal de créatures biomécaniques de Giger où s'entrechoquent hybrides hommes-machines, images de puissance obsédante et psychédélisme obscur. Ces visions convoquent autant les démons du passé qu'elles esquissent les mythologies du futur. Elles expriment avant tout les craintes et les fantasmes collectifs de son époque: la peur du nucléaire, de la pollution et de la surexploitation des ressources naturelles, ou celle d'un avenir où la survie de nos corps dépendrait des machines. Cette édition se fonde sur la monographie au format SUMO, entreprise peu avant le décès soudain de l'artiste, et rend hommage à la vision sans pareil de Giger. Elle déroule l'histoire complète de sa vie et de son oeuvre, ses sculptures, ses oeuvres cinématographiques et ses légendaires couvertures d'album, de même que l'héritage qu'il nous a laissé dans son propre musée d'artiste et son café des Alpes suisses. Dans un essai approfondi, Andreas J. Hirsch, spécialiste de Giger, nous plonge dans les thématiques propres à l'oeuvre et à l'univers de l'artiste, tandis qu'une biographie détaillée s'appuie sur des citations de critiques contemporains et les propres écrits de l'artiste.
Les mythes grecs sont des classiques intemporels, dont les scènes et les personnages nous captivent depuis l'Antiquité. Sans doute parce que les dieux et les héros de ces légendes incarnent les traits et vérités humaines universelles, sans les départir de leur complexité - le courage de Persée, la cupidité de Midas, l'ambition d'Icare, la vengeance de Médée ou l'hubris de Niobé. Ils constituent la trame de drames et de contes immortels, aussi profonds que divertissants, qui forment encore aujourd'hui le socle de notre culture et de notre littérature, toujours pertinents et fascinants pour leurs lecteurs, qu'ils soient jeunes ou vieux. Cette édition contient 47 histoires tirées des épisodes les plus célèbres de la mythologie grecque, de Prométhée aux Argonautes, de Thésée à l'Odyssée d'Homère. Les textes sont extraits du recueil allemand de référence Sagen des klassischen Altertums (Légendes de l'Antiquité classique) de Gustav Schwab (1792-1850) et accompagnés des illustrations saisissantes de 29 artistes, parmi lesquels de remarquables représentants de l'âge d'or de l'illustration littéraire et du mouvement Arts and Crafts, notamment Walter Crane (1845-1915), Arthur Rackham (1867-1939), William Russell Flint (1880-1969) et Virginia Frances Sterrett (1900-1930). Ces illustrations sont complétées par des vignettes qui replacent chaque histoire dans son contexte et un arbre généalogique des divinités grecques par Clifford Harper, commandés spécialement pour cet ouvrage. Il contient aussi une introduction historique du Dr Michael Siebler, des biographies de tous les artistes contributeurs et un riche glossaire des plus célèbres protagonistes de la mythologie grecque. Ses héros, ses tragédies, et sa dramaturgie pure font miroiter chaque récit de cette édition magnifiquement illustrée et redonnent vie à leurs personnages, divins et mortels.
Conçu en collaboration avec la Fondation Andy Warhol, ce livre dévoile plus de 150 instantanés réalisés par lartiste. Autoportraits et natures mortes, nus anonymes ou haute société new-yorkaise, ces images prises sur le vif composent un panorama unique de lunivers du maître du pop art.
Dès la naissance du modernisme, production musicale et création visuelle ont entretenu une relation des plus étroites. De L'Arte dei Rumori (L'Art des bruits), manifeste futuriste de Luigi Russolo publié en 1913, aux Rotoreliefs de 1925, les disques recto-verso de Marcel Duchamp, le XXe siècle a été le témoin des échanges de plus en plus fertiles entre sons et formes, symboles et mélodies, et entre tous les champs de la composition et de la performance. Dirigée par Francesco Spampinato, cette anthologie exceptionnelle des pochettes de disque créées par des artistes dévoile à quel rythme cette histoire culturelle singulière s'est écrite. Le livre présente 450 pochettes d'album et de disque des années 1950 à aujourd'hui signées par des artistes de l'image, qui révèlent à quel point modernisme, pop art, art conceptuel, postmodernisme et d'autres formes d'art contemporain ont imprimé leur mouvement à ce domaine annexe de la production visuelle, et ont soutenu l'industrie musicale de masse grâce à leur imaginaire essentiel évoquant spontanément la rencontre sonore. Au fil des pages, on retrouve les hiéroglyphes urbains créés par Jean-Michel Basquiat pour Tartown, sa propre maison de disques, le graffiti de Banksy réalisé au pochoir pour Blur et un papillon épinglé par Salvador Dali pour l'album Lonesome Echo de Jackie Gleason. Ils sont accompagnés par des explications claires et une fiche descriptive rappelant l'artiste, l'interprète, le nom de l'album, le label, la date de sortie et des informations sur l'oeuvre d'art d'origine. Des entretiens avec Tauba Auerbach, Shepard Fairey, Kim Gordon, Christian Marclay, Albert Oehlen et Raymond Pettibon apportent un témoignage personnel sur les coulisses de ces collaborations entre artistes et musiciens.
On se souvient du portrait de l'écrivain naturaliste Émile Zola assis parmi ses japonaiseries signé Édouard Manet et des copies méticuleuses que Van Gogh réalisa des estampes d'Hiroshige, qu'il collectionnait avec dévotion. Il est clair qu'au XIXe siècle les pionniers du modernisme européen ne font pas mystère de leur amour pour l'art japonais. Sensuelle, libre et vibrante, l'estampe aurait été, à elle seule, à l'origine de la vague japoniste qui submergea d'abord la France, puis toute l'Europe - souvent sous la forme d'objets d'art mal compris, réduits à leur caractère «exotique», qui nourrissent alors l'art occidental.
Car l'estampe japonaise est un phénomène sans équivalent en Occident. Certaines des idées qui ont le plus vigoureusement secoué l'art moderne - dont celle, comme l'a dit Karl Marx, que «tout ce qui est solide se volatilise» - sont nées au Japon dans les premières heures du XVIIIe siècle et se sont exprimées avec une force inédite dans les oeuvres de maîtres comme Hokusai, Utamaro et Hiroshige au début du XIXe.
Ce recueil lève le voile sur une forme d'art très appréciée mais incomprise en présentant les 200 estampes japonaises les plus exceptionnelles dans leur contexte historique. Depuis l'essor, au XVIIe siècle, du décadent ukiyo-e, «image du monde flottant», jusqu'au déclin et à la résurgence tardive de cet art au début du XXe siècle, les reproductions rassemblées dans cette édition composent un témoignage sans égal non seulement sur un genre unique dans l'histoire de l'art, mais aussi sur l'évolution des moeurs et de la culture au Japon.
Montagnes mystiques ou cols enneigés, samouraïs en armures ou travailleuses du sexe mises en vitrine, chaque planche est abordée comme une oeuvre à part entière qui raconte les histoires et les gens qui se dessinent dans ces motifs. On découvre ainsi les quatre piliers de l'estampe - beautés, acteurs, paysages et compositions de fleurs et d'oiseaux - qui côtoient des représentations de lutteurs sumo, d'acteurs de kabuki et d'envoûtantes courtisanes, ces vedettes du «monde flottant» dont les fans inlassables favorisent la production frénétique d'estampes. On plonge aussi dans un univers plus sombre et inquiétant grâce à des estampes où des démons, spectres, mangeurs d'hommes et autres créatures imaginaires tourmentent les vivants dans des scènes saisissantes qui inspirent encore aujourd'hui le manga, le cinéma et les jeux vidéo japonais. On comprend ainsi comment ces oeuvres d'une diversité incroyable, scènes quotidiennes ou érotiques, tantôt martiales, tantôt mythologiques, ont en partage la maîtrise technique et l'oeil infaillible de leurs auteurs, ainsi que la prodigieuse ingéniosité et l'ironie avec lesquelles éditeurs et artistes se sont défendus contre la censure officielle.
Fruit de trois années de travail, cette édition au format XXL rassemble des reproductions des plus belles estampes parvenues jusqu'à nous, conservées sous les voûtes des musées et dans des collections privées du monde entier - dont un grand nombre ont été photographiées à nouveau pour ce projet. Dix-sept pages dépliantes invitent à étudier les plus infimes détails, tandis que des descriptions fouillées nous guident dans cette période effervescente de l'histoire de l'art japonais.
Inclut:
les oeuvres de 89 artistes, mondialement célèbres ou peu connus
7 chapitres organisés chronologiquement pour retracer l'histoire de cette discipline de 1680 à 1938
17 pages dépliantes, pliées à la main en raison de leur taille et de leurs spécificités
des reproductions exclusives réalisées dans des musées ou collections privées
des annexes recensant tous les artistes et toutes les oeuvres.
C'est toujours la même histoire. Lorsque TASCHEN a sorti sa première édition limitée de ses carnets de croquis, R. Crumb Sketchbooks : 1982-2011, les fans ont bavé sur le packaging sublime du coffret de 6 volumes, le travail éditorial minutieux de l'artiste en personne, l'introduction manuscrite, la tranche marbrée des livres et le tirage d'art en couleur dédicacée par Crumb. Tous, cependant, n'ont pas eu les moyens de se l'offrir. Alors ils se sont plaints, ont supplié, argumenté, dans un brouhaha qui prit encore de l'ampleur l'année suivante, à la sortie du deuxième coffret rassemblant les croquis de 1964 à 1982. Ne vous languissez plus ! R. Crumb Sketchbook, Volume 2 : Sept. 1968-Jan. 1975 rassemble les 2 volumes principaux du deuxième coffret. Produit à partir des oeuvres originales qui appartiennent désormais à un ardent collectionneur français, ils offrent une orgie de Crumb sur 444 pages, à un prix irrésistible. Ce livre contient des centaines de dessins réalisés par le maître de la bande dessinée underground, dont des croquis réalisés pour la une des magazines Zap, Motor City et Despair, l'introduction d'Aline, les premiers Yétis femelle, Flakey Foont et Mr. Natural, Honeybunch Kaminski, la culture psychédélique à San Francisco et de grosses fesses rebondies, le tout emballé dans une couverture reliée de qualité arborant en couverture et au dos des illustrations inédites colorisées à la main par Crumb lui-même.
À l'heure où la visualisation de données envahit de plus en plus notre univers, le domaine d'exploration le plus appétissant est sans doute l'art raffiné de la bonne chère. Avec cet ouvrage, le livre de cuisine fait un bond dans l'avenir. Il rassemble les meilleures infographies consacrées à la cuisine, à ce qui se boit et se mange: tableaux de conversion des unités de mesures, recettes de cookies ou de cocktail, ou rétroplanning pour une fête sans stress.Incontournable pour tout amateur de bonne chère du XXIe siècle, ce gastro-guide atteint des sommets d'expertise et d'esthétisme. Vous voulez maîtriser la coupe du sashimi? Connaître le secret d'un steak grillé à la perfection? Impressionner vos invités avec un Martini Dry maison? Food & Drink Infographics renferme toutes les réponses à vos questions, grâce aux meilleures infographies culinaires créées pour résoudre les tracas en cuisine sous une forme vivante, simple et facile à mémoriser.
Vous trouverez dans ce livre des infographies sur tous les groupes alimentaires - graines et légumineuses, fruits et légumes, poisson, viande et volaille. Des idées de recettes de soupes, de sandwiches, de casse-croûte, de friandises et de sauces viennent compléter le menu, tandis que d'autres chapitres explorent les associations de saveurs, la pâtisserie, les boissons, les ustensiles et techniques de cuisine, et cerise sur le gâteau, le café et le thé.
Le livre s'ouvre sur une préface de l'auteur culinaire Michael Ruhlman et se poursuit par une étude historique de l'iconographie alimentaire, qui rappelle comment et où nous avons utilisé l'image pour apprécier, préparer et servir aliments et boissons, depuis les hiéroglyphes égyptiens sur le pain plat aux classiques du XIXe siècle comme Mrs Beeton's Book of Household Management. Beau, malin et rempli d'astuces très utiles, Food & Drink Infographics constitue une délicieuse exploration visuelle de l'alimentation et de la cuisine, mais aussi un recueil indispensable de conseils et de techniques pour un quotidien savoureux.
Dans ses oeuvres pleines de vie, la peintre brésilienne Beatriz Milhazes fusionne deux visions du monde très différentes. Ses compositions abstraites, qui semble s'inscrire dans la lignée de maîtres modernistes, de Henri Matisse à Bridget Riley, sont saturées des couleurs et de la lumière de son pays natal. Ses toiles sont émaillées de symboles du quotidien brésilien, évoquant tour à tour le carnaval, l'artisanat traditionnel et des motifs empruntés au baroque ou au pop art, mis en scène dans une chorégraphie visuelle au tempo exubérant. L'atmosphère colorée qui s'en dégage est d'un exotisme irrésistible, mais comme dans les oeuvres de Paul Gauguin, nous y découvrons aussi un paradis perdu, brisé, où les promesses d'une vie sous les Tropiques et celles de l'abstraction modernistes se teintent de notes plus sombres et mélancoliques.
En quête perpétuelle de cet équilibre, Milhazes a élaboré une technique de transfert particulière à la fin des années 1980, qui consiste à peindre ses motifs sur des feuilles en plastique, qu'elle colle ensuite sur la toile; une fois la peinture sèche, elle retire la pellicule de plastique, qui laisse son empreinte sur la toile. Cette méthode permet à l'artiste de juxtaposer et superposer les motifs pour parvenir à un genre d'iridescence qui vacille entre radieuse aura et mélancolie chatoyante. Depuis sa percée dans le monde de l'art, au début des années 1990, Milhazes a élargi l'éventail de sa pratique à d'autres matériaux et techniques; elle produit ainsi des sérigraphies, des collages d'emballages de chocolat et de confiseries, des sculptures, comme ses mobiles géants composés de décorations de carnaval, des installations créées pour des lieux dédiés, qui transforment les façades en mosaïques de vitraux, et travaille sur le corps et le rythme avec la troupe de danse de sa soeur Marcia.
Cette édition actualisée, étendue à son travail le plus récent, explore toutes les phases de son parcours créatif, de ses débuts à aujourd'hui, à travers plus de 300 oeuvres. Le livre a été composé en étroite collaboration avec l'artiste, à la fois pour le choix de images et dans la conception des pages qui séparent les différents chapitres. Il compte notamment une conversation avec l'éditeur Hans Werner Holzwarth, dans laquelle l'artiste explique ses méthodes de travail et parle des idées et du contexte culturel qui sous-tendent ses oeuvres. Un essai de l'historien d'art David Ebony, un dictionnaire poétique des motifs clé de Milhazes par Adriano Pedrosa et une biographie détaillée et mise à jour de l'artiste par Luiza Interlenghi complètent cet ouvrage exhaustif.
Voyager à travers le monde peut être lassant: tourisme de masse, avions bondés, aéroports désorganisés, sécurité ultra rigoureuse, chaînes hôtelières standardisées, sentiers «battus», foulés par des hordes de touristes. Éprouver le plus petit frisson d'aventure peut parfois sembler impossible. Mais rien n'est perdu. Que ceux qui ressentent une «envie d'ailleurs» insatisfaite se réjouissent: cet Âge d'or du voyage fait revivre une époque où sillonner la planète était une opportunité nouvelle et excitante pour qui en avaient les moyens, le temps, l'imagination et le courage.
Ce livre, richement illustré par de nombreuses images d'archives, vous présente 6 voyages autour du monde particulièrement appréciés par les aventuriers occidentaux, parmi lesquels les célèbres écrivains voyageurs Charles Dickens, Jules Verne, F. Scott Fitzgerald, Mark Twain et Goethe. Du Grand Tour de l'Europe - rite de passage traditionnel des jeunes aristocrates anglais - à l'Extrême-Orient, à peine touché par l'influence de l'Ouest, chaque voyage est retracé à travers ses différentes étapes et ses divers modes de transport: train, bateau, voiture, avion, cheval, âne, chameau...
Au fil des pages remplies d'affiches publicitaires, d'extraits de guides, de billets, de prospectus, de brochures, de menus et d'étiquettes à bagage, redécouvrez l'élégance de ces voyages, retrouvez le pur sentiment d'exotisme de ces itinéraires éprouvé par les baroudeurs de l'âge d'or en route vers des villes inconnues et décadentes ou des territoires sauvages et périlleux. Voici votre passeport vers une époque révolue, marquée par l'aventure et par une forme d'émerveillement enfantin devant le monde.
Frank Frazetta a régné en maître incontesté sur le Fantasy Art pendant 50 ans et depuis sa mort il y a 12 ans, sa gloire ne fait que croître. Alors que ses toiles battent des records aux enchères (comme sa «Reine égyptienne», vendue 5,4 millions de dollars en 2019), il a amplement mérité cette monographie de référence.
Né en 1928 dans une famille sicilienne émigrée à Brooklyn, Frazetta fut tour à tour athlète en ligue mineure, délinquant à la petite semaine, un séducteur en série au physique de vedette hollywoodienne, mais surtout un peintre au talent phénoménal. Il assurait qu'il ne se consacrait à l'art que quand il n'avait rien de mieux à faire - le base-ball avait sa préférence - mais il entama sa carrière dans les comics dès 16 ans. Après quelques strips de presse, il rejoignit la fameuse maison EC Comics, puis signa des toiles à l'huile pour des couvertures de pulps de Tarzan ou de Conan. Bien d'autres artistes ont interprété ces personnages avant lui, mais comme il l'expliquait dans les années 1970: «Je pense de façon très physique. À Brooklyn, j'ai rencontré Conan, je connaissais des gars comme lui.» C'est ainsi qu'il utilisa son expérience personnelle du machisme et du muscle pour redéfinir le héros fantastique et en faire un personnage plus massif et plus menaçant, gorgé de testostérone. En contrepoint, il créa un nouveau genre de femme; aussi nue que la censure le permettait, avec la mine espiègle et un corps aux prises multiples: cuisse épaisse, fesse musclée, sein lourd en apesanteur, elle reste pourtant crédible, avec son ventre charnu et ses petits creux de cellulite. Adjoignez-leur l'action, les créatures, les jeux d'ombre et de lumière opalescente, et l'art de Frazetta devient addictif comme un paquet de chips.
Cette monographie est la plus exhaustive jamais consacrée à l'artiste, réalisée en collaboration avec la famille Frazetta et les principaux collectionneurs de son oeuvre.
Du Livre de Kells au Décaméron de Boccace, et de la Genèse de Vienne à La Divine Comédie de Dante, ouvrir le Codices illustres, c'est ouvrir la porte d'un monde secret et précieux. Désormais dans un nouveau format, ce livre resplendissant vous permet de découvrir de près 167 des plus beaux et plus importants manuscrits médiévaux. Merveilleusement reproduites en grand format, ces références en matière de miniatures et d'enluminures du IVe siècle à 1600 ont jadis appartenu à quelques-uns des plus grands personnages de l'Histoire. Trésors de l'histoire de l'art, elles valent plusieurs millions et dormaient jusqu'à aujourd'hui dans des collections privées ou des archives bien gardées. Bien que ce recueil se concentre surtout sur les manuscrits européens, des exemples choisis dans les traditions mexicaine, perse et indienne viennent illustrer le raffinement et la complexité de l'enluminure de manuscrit dans les cultures non européennes. Une présentation instructive de chaque manuscrit permet au lecteur de s'orienter d'un simple coup d'oeil, et une annexe de 36 pages regroupe les biographies des artistes, ainsi qu'une bibliographie exhaustive, un index et surtout un glossaire des termes techniques.
Pendant six ans, Sebastião Salgado a sillonné l'Amazonie brésilienne et photographié la beauté sans égale de cette région hors du commun : la forêt, les cours d'eau, les montagnes, les peuples qui y vivent - un irremplaçable patrimoine de l'humanité. Le coffret comprend 25 images uniques révélant l'ampleur et la beauté du projet de Salgado.
Que vous commandiez en ligne ou que vous achetiez en magasin, la première chose que vous remarquez d'un produit est son emballage. Sa qualité a une influence significative sur la décision d'achat. En fait, l'importance de l'emballage s'est accrue ces dernières années : l'unboxing, c'est-à-dire le fait d'ouvrir un emballage et d'en commenter le contenu, attire des millions d'adeptes sur les réseaux sociaux, les cours de conception d'emballages ont la cote, les agences se spécialisent de plus en plus dans ce domaine, et les entreprises investissent des sommes croissantes dans l'apparence extérieure de leurs articles. Le design de packaging ne fait pas seulement partie de notre culture quotidienne, mais est devenu un puissant outil de marketing. Un emballage réussi peut valoriser toute une marque.Avec plus de 500 projets de plus de 45 pays, cette sixième édition de The Package Design Book de TASCHEN célèbre le 14e anniversaire des Pentawards, un grand concours international du secteur, et présente tous les lauréats de 2019 et 2020. Cette collection aussi spectaculaire que riche en inspiration met en lumière des emballages exceptionnels, intelligents et séduisants classés en six grandes catégories - boissons, alimentation, produits de soin et de beauté, luxe, produits du quotidien et concepts d'emballage - et démontre une fois de plus l'importance de cette discipline du design.
Depuis que TASCHEN a publié The Great American Pin-up il y a quinze ans, l'intérêt que suscite cette forme d'art typiquement américaine dans le monde a augmenté de manière exponentielle. Des peintures de grands artistes du genre comme Alberto Vargas, George Petty et Gil Elvgren qui se vendaient 2000 en 1996 atteignent aujourd'hui 200.000 voire plus. L'art du pin-up, ces dessins, pastels ou peintures de jolies filles au corps ou au visage idéalisés imaginés pour le public, a été produit entre 1920 et 1970 sous forme de calendriers, couvertures ou pages centrales de magazine. La plupart des créations originales ont été jetées par les éditeurs et les imprimeurs de calendriers après impression, rendant les oeuvres qui ont survécu d'autant plus précieuses.
Conçu à partir du formidablement riche Art of Pin-Up, cette édition accessible réunit près de 100 artistes aux côtés des dix grands noms du genre, présentés en détail. Chaque chapitre s'ouvre par la reproduction fidèle d'un calendrier ou d'une couverture de magazine signée du créateur dont il sera question. La qualité de reproduction des peintures, pastels et esquisses - pour la plupart réalisées à partir de l'oeuvre originale - permet au spectateur d'apprécier le moindre coup de pinceau, tandis que les savoureux calendriers, les tirages vintage et les photos des modèles originaux illustrent le processus créatif des artistes. La plupart de ces documents éphémères ont été photographiés dans les locaux de la société historique Brown & Bigelow, qui abritent les archives les plus importantes au monde dédiées aux calendriers vintages de pin-up.
Après les 10 chapitres consacrés aux artistes présentés dans cet ouvrage, le livre se termine par des biographies et des oeuvres d'art clés de 85 artistes supplémentaires, faisant de ce livre le recueil d'artistes de pin-up le plus complet jamais proposé. Difficile de faire mieux dans ce domaine!
Le travail du couple d'artistes Christo (né en 1935) et Jeanne-Claude (1935-2009) résiste à la moindre catégorisation. À mi-chemin entre l'art, l'aménagement urbain, l'architecture et l'ingénierie, il relève avant tout d'une esthétique unique: des interventions surréalistes et féériques sur l'environnement qui ont magnifié indifféremment monuments, parcs publics et centres du pouvoir.
Cet ouvrage compact parcourt l'intégralité de la carrière du couple d'artistes qui sont nés exactement le même jour, se sont rencontrés à Paris, sont tombés amoureux l'un de l'autre et ont formé un binôme créatif à nul autre pareil. Richement illustré, le livre évoque les premiers projets de Christo et Jeanne-Claude dans les années 1950 et s'achève par le projet The Floating Piers qui sera installé sur le lac Iseo en Italie, en 2016. Il rend hommage à toutes les plus célèbres interventions du couple sur l'environnement, telles que The Gates à Central Park, à New York, et Wrapped Reichstag (Le Reichstag empaqueté) à Berlin, tout en comprenant des documents inédits, inconnus du grand public, comme des dessins de jeunesse et des photos de famille.
