L'art de l'Égypte ancienne dont nous avons hérité n'est jamais signé; pourtant nous accordons la même valeur aux créations de ces maîtres anonymes qu'aux oeuvres réalisées des siècles plus tard, comme les statues de Michel-Ange ou les toiles de Léonard de Vinci. Cet ouvrage présente certains chefs-d'oeuvre les plus importants créés entre l'Ancien Empire, au troisième millénaire avant J.-C., et la Basse Époque, au IXe siècle avant J.-C. Les oeuvres comptent des sculptures, des bas-reliefs, des sarcophages, des fresques, des masques et des éléments décoratifs, dont certains figurent en bonne place au patrimoine mondial de l'humanité. Si la plupart est désormais conservée au Musée égyptien du Caire, d'autres sont exposées dans des musées prestigieux comme le Louvre à Paris, le British Museum à Londres, le Musée égyptien de Berlin et le Metropolitan Museum à New York.Parmi les oeuvres présentées:
La statue assise du roi Djéser le panneau de bois du mastaba d'Hésiré une statue de scribe réalisée avec des matériaux divers le bas-relief funéraire d'Ashayet la statue de Sésostris III en sphinx la statue dérobée de Cherihotep le bas-reliefs du temple de Carnac le sarcophage de la reine Hatshepsout les fresques de Thèbes la statue de la déesse Sekhmet assise la statue de la reine Tiyi la tête d'Akhénaton (Aménophis IV) la reine Nefertiti le masque en or de Toutankhamon le Ramsès II d'Abou Simbel Horus le dieu faucon en granite le bas-relief en pierre du temple d'Horus à Edfou
Culminant dans les années 1960, le Pop Art est né en rébellion contre les approches traditionnelles de l'art et de la culture avant d'évoluer vers une vaste remise en question de la société moderne, de la culture de consommation, du rôle de l'artiste et de ce qui fait une oeuvre d'art.
En se concentrant sur les enjeux du matérialisme, de la célébrité et des médias, le Pop Art s'est inspiré de la culture de masse, de l'imagerie publicitaire aux comics, des têtes les plus connues de Hollywood aux emballages de produits de consommation, dont les boîtes de soupe Campbell's d'Andy Warhol sont le meilleur exemple. Tout en défiant l'establishment en élevant au rang d'oeuvre d'art des images aussi populaires, banales et kitsch, le Pop Art a également déployé des méthodes de production de masse, plaçant l'artiste singulier en retrait par des techniques mécanisées comme la sérigraphie.
À travers Andy Warhol, Allen Jones, Ed Ruscha, Robert Indiana, Jasper Johns, Robert Rauschenberg et Roy Lichtenstein, entre autres, ce livre illustre toute la portée et l'influence de ce mouvement moderniste déterminant.
Bien qu'il n'ait duré que trois années de turbulence, le mouvement Der Blaue Reiter ou «Cavalier bleu» (1911-1914), loin d'être réduit en cendres, a exercé une influence considérable sur le développement de l'art moderne européen. Baptisé ainsi d'après une peinture de Kandinsky, Le Cavalier bleu, ce collectif informel d'artistes regroupés autour de l'émigré russe Wassily Kandinsky et du peintre allemand Franz Marc cherchait à rejeter les normes établies et à pénétrer avec fracas dans un inconnu artistique renouvelé.
Associant leurs valeurs spirituelles et leurs craintes devant une époque d'industrialisation effrénée, les artistes du Blaue Reiter étaient réunis par un intérêt commun pour la peinture, la gravure sur bois et les estampes, ainsi que par la symbolique des couleurs et une approche spontanée de la création. Des oeuvres d'art maîtresses telles que Cheval bleu I de Franz Marc (1911), Tableau avec l'arc noir de Kandinsky (1912) et Dame en veste verte d'August Macke (1913) abordent des sujets variés, mais se caractérisent toutes par des perspectives distordues, des lignes grossières et une utilisation hyperbolique et expressionniste de la couleur.
Der Blaue Reiter fut brutalement disloqué, au début de la Première Guerre mondiale, à la suite de la mort de deux de ses membres éminents et des dissensions croissantes entre les protagonistes du groupe. Cet ouvrage révèle l'influence remarquable du mouvement, en dépit de sa brièveté, et en présente les oeuvres majeures, les artistes et leurs influence postérieures.
Selon la majorité des historiens d'art, l'aventure de l'art moderne a débuté à Paris il y a environ 150 ans. Un cercle de peintres, aujourd'hui connus sous le nom d'impressionnistes, se mit à travailler par touches rapides et libres. Ils privilégièrent les sujets de la vie quotidienne et urbaine, au lieu des pompeuses scènes héroïques, et échappèrent à la puissance des Salons en organisant leurs propres expositions indépendantes.
Après cette première attaque contre une pratique académique dépassée, il n'était plus question de faire marche arrière. Constamment nourris par une aspiration à défier, innover et inspirer, les styles modernistes se succédèrent : symbolisme, expressionnisme, futurisme, dadaïsme, art abstrait, Nouveau Réalisme, surréalisme, expressionnisme abstrait, Pop Art, art minimal et art conceptuel.
Cette incontournable synthèse retrace l'inépuisable énergie de l'art moderne en présentant, année après année, les oeuvres révolutionnaires qui ont déjoué les conventions et brisé les barrières. En introduction, des essais mettent en lumière les mouvements modernistes les plus significatifs et les plus influents. Ils sont complétés par des textes expliquant chaque oeuvre majeure et présentant son créateur.
Retour aux Années Folles.
Un portrait culturel vibrant du Paris des années 1920.
Paris est la Ville Lumière sous toutes ses facettes. Dans les années 1920, elle brille particulièrement et attire comme un aimant les créatifs du monde entier. C'est la décennie de Coco Chanel et de Joséphine Baker, de l'Art Déco et du Surréalisme, de la culture des cafés et des cabarets. Les artistes les plus célèbres de l'époque, plus tard appelés le modernisme classique, comme Marcel Duchamp, Francis Picabia, Pablo Picasso, René Clair, Sonia Delaunay, André Breton, Paul Éluard, Max Ernst et Salvador Dalí sont en relation étroite les uns avec les autres et s'adonnent à des débats passionnés. La vie créative s'épanouit, dans tous ses excès: c'est la vie de bohème. Le compositeur Igor Stravinsky, les écrivains James Joyce et Ernest Hemingway et des exilés d'Europe de l'Est comme Constantin Brancusi ou Marc Chagall, entre autres, viennent animer la scène déjà trépidante de Montparnasse. Les bars et dancings palpitants de Montmartre sont immortalisés par les photographes André Kertesz et Brassaï. L'économie française explose et les grands magasins de luxe comme La Samaritaine ouvrent leurs portes. Coco Chanel crée son premier parfum, et la petite robe noire.
Plus de 30 oeuvres mémorables - architecture, peinture, sculpture, cinéma, photo, design et mode - sont présentées ici, parmi lesquelles la Boule suspendue surréaliste de Giacometti et le film Un chien andalou de Dalí et Buñuel. À ce jour, la créativité foisonnante, la diversité et le savoir-vivre attirent encore à Paris les oiseaux de nuit, les bons vivants et les amoureux des beaux-arts.
C'est la décennie de l'audace, des toiles expressionnistes, des livres au graphisme créatif, des oeuvres d'art totales du Bauhaus, des débuts de la psychologie, des bals de travestis, des cabarets et du cinéma. Entre les tensions de deux guerres mondiales, Berlin dans les années 1920 était une capitale à l'apogée de sa nonchalance, débordant d'art, d'innovations et d'idéaux.
Cet ouvrage plonge ses lecteurs dans l'esprit libre de la période de Weimar. À travers des oeuvres emblématiques, puisées dans la peinture, la sculpture, l'architecture, le design graphique, la photographie et le cinéma, nous sont dévoilées les innovations, les idées et les folles utopies qui caractérisent cette vitrine culturelle unique. On entre dans les bars jazz et les salles de danse, on adopte la mode à la garçonne et on découvre les « kinos » remplis de spectateurs, on suit les avancées technologiques et les progrès des modes de transport, depuis les tours de radio aux roulements des trains et tramways, en passant par les gratte-ciel vertigineux, sans oublier les chefs-d'oeuvre cinématographiques et la nouvelle indépendance conquise par les femmes qui les autorise à fumer des cigarettes, à porter les cheveux courts et à gagner leur vie par leurs propres moyens.
Parmi les oeuvres de cette évocation culturelle vivante figurent Les Journalistes de Hannah Hoch, les Mains sur la machine à écrire de Lotte Jacobi, le Portrait de la journaliste Sylvia von Harden d'Otto Dix, le projet pour l'Alexanderplatz de Peter Behrens et L'Ange bleu de Josef von Sternberg, avec Marlene Dietrich dans le rôle de Lola Lola, la chanteuse de cabaret.
Au fil des pages et des années, on découvre à la fois la soif d'utopie et les réalités économique et politique, plus ambiguës, qui ont nourri des chefs-d'oeuvre de divertissement, idéalistes ou réactionnaires produits durant cette période. Derrière les lumières vives et les robes pailletées se cachent l'inflation, le travail à la chaîne et un consensus politique fragile que dissimulent ces années bénies et qui annoncent finalement une issue brutale amorcée par la montée du national-socialisme.
Que savons-nous réellement de l'Égypte ancienne? Les pharaons et les pyramides sont des clichés bien connus des amateurs d'histoire, mais qu'en est-il des ouvriers, des paysans, des soldats et des familles qui constituaient l'immense majorité de cette civilisation mythique?
Foisonnant de références visuelles, cette aventure proposée par TASCHEN tente de rétablir la réalité en offrant un aperçu du quotidien de l'Égypte ancienne. Comme s'il faisait partie des pièces exhumées lors des fouilles, le livre aborde tout ce qui a fait cette société antique, remontant au sacré et au grandiose et évoquant la vie quotidienne et ordinaire des individus.
Cette façon démocratique de raconter l'histoire rend cette époque lointaine particulièrement vivante et intéressante pour petits et grands. Puisque le livre permet de tout explorer, depuis l'organisation de la famille jusqu'aux loisirs et aux mouvements ouvriers, on découvre certes les spécificités de cette contrée lointaine, mais aussi ses nombreux points communs et éléments précurseurs de nos sociétés. Le livre offre ainsi un voyage particulièrement vivant dans les temps anciens, à la rencontre de nos ancêtres parmi les plus ingénieux et inspirants.
L'art tel que nous le connaissons n'existerait pas sans la Renaissance. Largement considéré comme le phénomène le plus fertile à l'oeuvre dans l'art, l'architecture, la littérature et les sciences, ce mouvement a révolutionné la conception occidentale du réel et marqué l'émergence de la modernité au lendemain du Moyen Âge.
La Renaissance s'est d'abord affirmée en Italie à la fin du XIVe siècle, avant de s'étendre à toute l'Europe aux siècles suivants, avec pour épicentres dynamiques Florence, les Pays-Bas et l'Allemagne. Intellectuellement, le mouvement se fonde sur l'humanisme, qui dérive de la philosophie grecque classique. À travers l'art, la science, la littérature et la politique, les partisans de la Renaissance affirment que l'homme est «la mesure de toute chose» et sont déterminés à remplacer le carcan scolastique médiéval par un renouveau de l'Antiquité.
Sous l'influence de l'humanisme, les artistes se passionnent pour l'anatomie et la géométrie jusqu'à accomplir de nouvelles prouesses en matière de représentation figurative et à révolutionner le traitement de la perspective pour refléter l'expérience humaine du positionnement dans l'espace. Dans la peinture flamande, des artistes comme Bruegel apportent à leurs natures mortes et à leurs paysages de nouvelles techniques et une sensibilité palpable, tandis qu'en Allemagne Dürer et Cranach imprègnent la gravure d'une densité dramatique et psychologique inédites.
De Florence à Nuremberg, de Venise à Bruges, cet ouvrage essentiel de la Petite Collection 2.0 de TASCHEN offre des connaissances fiables sur la profondeur de la transformation et l'ampleur de la Renaissance. À travers les célèbres maîtres de ce mouvement et ses adeptes moins célèbres, grâce à une étude fine de son contexte social et politique, ainsi que de ses diversions et ses évolutions au fil du temps et au gré de la géographie, cet ouvrage donne une vision complète de ce phénomène extraordinaire, ces quelques siècles de bouleversements qui ont façonné des génies et permis une grande variété régionale et une reconfiguration en bloc de la perception et de la représentation du monde.
Parmi les artistes présentés figurent notamment: Fra Angelico, Giovanni Bellini, Jérôme Bosch, Sandro Botticelli, Pieter Bruegel, Lucas Cranach l'Ancien, Albrecht Dürer, Le Greco, Matthias Grünewald, Hans Holbein le Jeune, Fra Filippo Lippi, Masaccio, Michel-Ange, Pontormo, Raphaël, Tintoret, Titien, Paolo Uccello, Véronèse et Léonard de Vinci.
Le Livre des miracles a refait surface il y a quelques années et constitue l'une des découvertes les plus spectaculaires dans le domaine de l'art de la Renaissance. Le manuscrit illustré quasi complet, produit à Augsbourg vers 1550, est composé de 169 pages d'illustrations grand format à la gouache et à l'aquarelle, qui dépeignent des phénomènes extraordinaires et souvent inquiétants.
Les images, fascinantes, mêlent histoires bibliques et contes populaires, et puisent dans l'Ancien Testament et dans le livre des Révélations autant que dans les événements de l'époque contemporaine de l'auteur du manuscrit. Étoiles filantes et invasions de sauterelles, monstres terrifiants et déluges meurtriers, chaque page nous hypnotise avec des visions tantôt terrifiantes, tantôt spectaculaires, parfois même apocalyptiques.
Cet ouvrage présente le fascinant Livre des Miracles dans un nouveau format plus compact qui rend ce document extraordinaire accessible à tous. Le texte du manuscrit est accompagné de sa traduction et de deux essais présentant le contexte culturel et historique dans lequel est née cette oeuvre unique de la Renaissance.
Célébrez les 90 ans de Mickey grâce à ce volume 2 de l'une des publications les plus richement illustrées sur l'univers Disney: 1.400 images dont des photos des coulisses et des croquis d'animation rares honorent la dimension artistique des 122 dessins animés de Mickey, de ses aventures en bandes dessinées et de l'univers des produits, goodies et autres objets souvenirs Mickey, sans oublier le légendaire club Mickey et les projets inachevés. Également disponible en une Édition d'art de 1,000 exemplaires comprenant quatre lithographies d'affiches de films de Mickey sortis dans les années 1930.
La vie et l'oeuvre de Léonard : l'édition définitive Leonard de Vinci (1452-1519), au rôle et à l'influence incommensurables, fut l'un des plus grands esprits de tous les temps. Ce panorama d'ensemble en deux volumes moyen format est l'ouvrage le plus complet jamais consacré à ce peintre, sculpteur, architecte, ingénieur, scientifique et touche-à-tout italien de génie. Grâce aux détails des chefs-d'oeuvre de Léonard, présentés pleine page et en grand format, cette édition tout à fait originale permet au lecteur d'inspecter les nuances les plus subtiles de son trait de pinceau.
La première partie parcourt la vie et l'oeuvre de Léonard de Vinci en dix chapitres. Tous ses tableaux sont analysés en profondeur. L'Annonciation et La Cène sont reproduits sur double page.
La deuxième partie contient un catalogue raisonné des tableaux de Léonard de Vinci couvrant toutes les peintures qui subsistent, ainsi que celles qui ont disparu, accompagné de textes décrivant leur état de conservation.
La troisième partie comprend un catalogue exhaustif de tous ses dessins (qui se comptent par milliers et ne peuvent donc pas tous être reproduits dans un seul livre); 663 d'entre eux sont présentés, classés par catégorie (architecture, technique, anatomie, formes, proportion, cartographie, etc.).
Désormais disponible dans une édition en deux volumes à un prix irrésistible !
Pendant 40 ans, la Guerre froide domina la scène mondiale. Les Allemagne de l'Est et de l'Ouest se tenaient en première ligne de cette confrontation, incarnée par l'infâme mur de Berlin, qui sépara tant d'amants, d'amis, de familles, de collègues et de compatriotes.
Le Wende Museum de Los Angeles (Californie) a été ainsi baptisé en référence à la période de changement qui a immédiatement suivi la destruction du mur. Il a été créé en 2002 pour rendre compte de la culture matérielle et visuelle de l'ancien bloc de l'Est, et pour ouvrir, grâce à la distance physique et psychologique acquise au fil du temps, diverses perspectives sur son histoire multiple, qui continue à façonner notre monde.
Cet ouvrage encyclopédique présente près de 2.000 éléments tirés de ses extraordinaires collections. Conçue à partir de notre ouvrage format XL, cette édition présent un riche éventail d'art, d'archives et d'objets de l'Allemagne de l'Est socialiste: les symboles officiels et les expressions dissidentes, le spectaculaire et la routine, la production de masse et le fait-main, le drôle et le tragique.
Des textes d'universitaires et de spécialistes d'Europe, du Canada et des États-Unis accompagnent les vestiges de ce monde aujourd'hui disparu, et abordent des thèmes allant de la police secrète à la sexualité, des monuments aux représentations mentales.
Plus de 800 pages présentant près de 2.000 objets.
Cette version de notre édition XL offre le panorama le plus complet de la culture visuelle et matérielle de la RDA à ce jour dans un format plus petit, plus accessible.
Plusieurs dizaines d'images de la vie quotidienne et des grands événements par les plus célèbres photographes de RDA.
Édition exceptionnelle bilingue comprenant des textes en anglais et en allemand
À partir du 18 novembre 2017, visitez le Wende Museum et son site élargi du Culver City's Armory Building, originellement créé en prévision d'une troisième guerre mondiale, mais réaménagé par Michael Boyd, Christian Kienapfel et Benedikt Taschen pour accueillir les plus de 100.000 objets de la collection.
Durant la période florissante qui s'étend des années 1880 à la Première Guerre mondiale, les cultures européenne et américaine s'en sont remis à la nature. Dans un concert de lignes fluides et de formes naturelles, l'Art nouveau a étendu son influence sur l'architecture, le design, la peinture, le graphisme, les arts appliqués ainsi que l'illustration.
L'Art nouveau a clairement revendiqué sa nouveauté. Dans un esprit de réforme délibéré, ses adeptes ont cherché à se démarquer de l'historicisme imitatif qui avait caractérisé une grande partie de l'art du XIXe siècle pour le remplacer par des éléments ondulants et décoratifs. Se tournant ainsi vers les vrilles de la vigne, les bourgeons en fleurs et les plumes, ils n'ont pas tant cherché à atteindre la liberté linéaire des formes naturelles qu'à se libérer du poids des traditions et des attentes artistiques.
Dans le même temps, l'Art nouveau a suivi l'exemple des mouvements précurseurs de l'Esthétique anglaise et de l'Arts and Crafts pour rejeter les hiérarchies établies dans les pratiques artistiques, favoriser le retour à la fabrication artisanale et réunir l'ensemble des médias et des pratiques artistiques dans une Gesamtkunstwerk, ou «oeuvre d'art totale». En cela, et à travers son retour à la nature, l'Art nouveau est souvent considéré comme une réponse à la Révolution industrielle, une méfiance vis-à-vis de la production mécanisée en série et un éloge adressé à la main de l'homme et aux merveilles de la nature et du plein air.
Cette nouvelle édition TASCHEN aborde l'Art nouveau comme un phénomène historique dans son ensemble en tenant compte de ses variantes locales. Le livre évoque le contexte artistique, économique et politique de ce style de façon globale, autant que ses spécificités développées dans des grandes métropoles telles que Vienne, Glasgow, Munich, Weimar et Chicago. Ses grands défenseurs tels que Victor Horta, Antoni Gaudi et Charles Rennie Mackintosh sont associés aux villes qu'ils ont le plus marquées de leur empreinte. Le résultat donne une présentation vivante de l'époque et d'un mouvement qui s'est ancré dans notre représentation de cette fin de siècle comme il s'est ancré dans le chemin vers le modernisme.
Un nom se démarque de tous les autres dans lhistoire de lart du XXe siècle : Pablo Picasso. En tant que peintre, graphiste et sculpteur, il a fait preuve d'une entreprise inventive qui lui a toujours permis d'avoir une longueur d'avance sur ses contemporains.
Au coeur du climat artistique de son époque, où le réalisme du gothique tardif et de la Première Renaissance commençait à s'imposer, le peintre néerlandais Jérôme Bosch (vers 1450-1516) faisait véritablement figure d'original. Ses tableaux sont peuplés de scènes grotesques où des créatures fantastiques succombent à toutes sortes d'angoisses, de désirs et de fantasmes humains. L'une de ses plus grandes inventions a été de sortir les drôleries (représentations pittoresques et figuratives utilisant le monstrueux et le grotesque pour illustrer le mal et le péché) des marges des manuscrits enluminés pour les traiter sur des panneaux grand format. À côté des traditionnels hybrides d'hommes et de bêtes, comme les centaures, des créatures mythologiques - licornes, dragons et griffons -, on rencontre également d'innombrables créatures hétéroclites sorties de l'imagination de l'artiste. De nombreuses scènes secondaires illustrent des proverbes et des expressions couramment utilisées à l'époque de Bosch. Dans son triptyque de La Tentation de Saint-Antoine, par exemple, l'artiste met en scène un diable messager portant des patins à glace, faisant référence à l'expression populaire néerlandaise qui, pour signifier que le monde marche sur la tête, dit que le monde «patine sur la glace». Bosch s'est montré particulièrement innovant dans sa traduction picturale des proverbes. Bosch, dont le véritable nom est Jheronimus van Aken, a été largement copié et imité: le nombre de tableaux des disciples de Bosch parvenus jusqu'à nous dépasse de plus de 10 fois la production du maître lui-même. Aujourd'hui, seuls 20 tableaux et 8 dessins sont officiellement attribués à Bosch. L'artiste fait aujourd'hui encore figure de visionnaire, de peintre des rêves et des cauchemars, spécialiste de l'enfer et de ses démons. Présentant de nouvelles photos des tableaux récemment restaurés, ce livre exhaustif, publié en prévision du 500e anniversaire de la mort de Bosch, reproduit l'intégralité de son oeuvre de façon grandiose et détaillée. Découvrez les inventions picturales de Bosch à travers de splendides reproductions de nombreux détails et une immense double page à déplier sur plus de 110 cm de long, qui dévoile Le Jardin des délices. Le spécialiste de Bosch Stefan Fischer s'intéresse aux raisons pour lesquelles le peintre et son oeuvre ont exercé cette extraordinaire influence.
Léonard de Vinci (1452-1519), parmi les hommes les plus accomplis ayant jamais existé, est considéré dans le monde entier comme une figure de curiosité insatiable, d'imagination débordante et de sublime talent artistique.
Cette édition actualisée de notre titre XL offre l'étude la plus complète jamais consacrée à la vie et à l'oeuvre de ce maître de la peinture, de la sculpture, de l'architecture, de la science et de l'invention. Le catalogue raisonné des tableaux de Léonard couvre à la fois les oeuvres qui ont subsisté et celles qui ont disparu. Grâce aux détails à fond perdu de nombreux tableaux, le lecteur peut inspecter les plus subtiles nuances des traits de pinceaux qui sont venus révolutionner l'histoire de l'art.
Un catalogue exhaustif des dessins de Léonard classe près de 700 de ses dessins par catégorie (architecture, technique, proportion, cartographie, etc.) et met en lumière son prodigieux talent d'observation, des études anatomiques aux plans architecturaux, des dessins d'ingénierie complexes aux portraits d'enfants potelés. Il inclut un nouveau chapitre qui explore les captivants manuscrits de l'artiste.
Le texte sur la vie et l'oeuvre de Léonard qui accompagne les reproductions comprend une exploration en profondeur des chefs-d'oeuvre que sont L'Annonciation et La Cène.
Lancé par Picasso et Braque, le cubisme a été décrit comme le premier mouvement artistique d'avant-garde au 20e siècle. S'inspirant de la sculpture et des arts africain et amérindien, les cubistes ont déconstruit les conventions européennes liées au point de vue, à la forme et à la perspective pour créer des images révolutionnaires aplaties et fragmentées. Le célèbre tableau de Picasso Les Demoiselles d'Avignon est considéré comme la première oeuvre cubiste, avec sa manière radicale de fracturer objets et silhouettes en zones distinctes correspondant à une multitude de points de vue différents. Le cubisme s'est ensuite développé en deux branches distinctes: le cubisme analytique qui a continué à entremêler des plans de perspective en noirs, gris et ocres mats, puis le cubisme synthétique, caractérisé par des formes plus simples, des couleurs plus vives et des collages, parfois avec du papier journal. À travers des oeuvres d'artistes comme Pablo Picasso, Georges Braque, Fernand Léger, Juan Gris, Albert Gleizes et Robert Delaunay, ce livre présente les principaux protagonistes du cubisme.
Oeuvres d'art, pièces de design et objets du quotidien, affiches politiques, drapeaux, matériel utilisé par la Stasi et uniformes... Autant d'archives inédites passées au crible dans cette encyclopédie de l'Allemagne de l'Est socialiste. Conçue à partir de notre ouvrage format XL, qui offrait le panorama le plus complet de la culture visuelle et matérielle de la RDA à ce jour, cette nouvelle édition plus abordable révèle les vestiges fascinants d'un monde aujourd'hui disparu.
Découvrez les audaces et les idées révolutionnaires qui ont fait l'art du XXe siècle. Du surréalisme au land art, du Fluxus au Bauhaus, ce panorama synthétique et agréable à lire est l'ouvrage ultime pour vous guider parmi les oeuvres, les mouvements et les figures qui ont défini et redéfini l'art entre 1900 et 2000. Balayant toutes les disciplines artistiques, dont la photographie et les nouveaux médias, ce superbe ouvrage encyclopédique remplit parfaitement son but.
Selon la majorité des historiens d'art, l'aventure de l'art moderne a débuté à Paris il y a environ 150 ans. Un cercle de peintres, aujourd'hui connus sous le nom d'impressionnistes, se mit à travailler par touches rapides et libres. Ils privilégièrent les sujets de la vie quotidienne et urbaine, au lieu des pompeuses scènes héroïques, et échappèrent à la puissance des Salons en organisant leurs propres expositions indépendantes.
Après cette première attaque contre une pratique académique dépassée, il n'était plus question de faire marche arrière. Constamment nourris par une aspiration à défier, innover et inspirer, les styles modernistes se succédèrent : symbolisme, expressionnisme, futurisme, dadaïsme, art abstrait, Nouveau Réalisme, surréalisme, expressionnisme abstrait, Pop Art, art minimal et art conceptuel.
Cette incontournable synthèse retrace l'inépuisable énergie de l'art moderne en présentant, année après année, les oeuvres révolutionnaires qui ont déjoué les conventions et brisé les barrières. En introduction, des essais mettent en lumière les mouvements modernistes les plus significatifs et les plus influents. Ils sont complétés par des textes expliquant chaque oeuvre majeure et présentant son créateur.
Avec pour tropes préférés le mouvement et les machines, le futurisme a été fondé en 1909 par Filippo Tommaso Marinetti avec les peintres Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, et Gino Severini. Ce groupe, auquel ont adhéré peintres, sculpteurs, designers, architectes et écrivains, a cherché à se débarrasser de l'establishment poussiéreux pour entrer dans une nouvelle ère d'élégance, de puissance et de modernité purifiée.
Le futurisme occupe dans l'histoire de l'art une place aussi ambivalente qu'importante. Le mouvement qui a inventé des méthodes révolutionnaires pour saisir mouvement, lumière et vitesse est aussi controversé pour avoir glorifié la guerre et la politique fasciste. Les tableaux frénétiques, presque furieux, des futuristes sont aussi remarquables par leur agressivité machiste que leurs expériences radicales autour du trait, de la texture et de la couleur dans leur tentative de saisir un objet en mouvement dans l'espace.
À travers des exemples clés de la prolifique production des futuristes et ses plus grands représentants, ce livre présente le mouvement qui a craché du vitriol sur tous les -ismes du passé, créant par là son propre -isme.
