Angles aigus, formes étranges, couleurs intenses et perspectives déformées sont autant de marques de fabrique de l'expressionnisme, mouvement du 20e siècle faisant primer l'émotion sur la réalité objective. Particulièrement important en Allemagne et en Autriche, ce mouvement a vite pris une dimension internationale et est aujourd'hui considéré comme une des évolutions capitales de l'histoire de l'art. À travers ses groupes majeurs, Die Brücke (Le Pont) et Der Blaue Reiter (Le Cavalier bleu), et ses figures aussi importantes que Wassily Kandinsky, Egon Schiele ou Emil Nolde, l'expressionnisme a renié l'impressionnisme considéré comme un «homme rabaissé au rang de gramophone du monde extérieur», pour décrire à la place une expérience crue et viscérale de la vie, telle qu'elle était vécue plutôt que perçue de manière superficielle. Les tableaux expressionnistes débordent d'une force sensible, transmise notamment par des palettes de couleur intenses et non naturalistes, d'amples traits de pinceaux et d'épaisses textures. En s'attachant aux tendances stylistiques du groupe, à ses influences et à ses principaux protagonistes, ce livre introductif explore le panorama expressionniste d'humeurs, d'idées et d'émotions et sa quête constante de profonde authenticité.
C'est la vue d'un port, une scène expérimentale aux touches imprécises, qui donna son nom à l'impressionnisme. Quand Impression, soleil levant de Claude Monet fut exposé en avril 1874, les critiques se sont emparés du nom de l'oeuvre et de son rendu esthétique en apparence mal maîtrisé de la lumière et du mouvement de l'eau pour désigner cette nouvelle tendance, impressionniste, de l'art.
Comme dans bien d'autres mouvements artistiques majeurs, les critiques d'art ont été bien mal inspirés. Aujourd'hui, l'impressionnisme est un sérieux candidat au titre de courant pictural préféré au monde. Avec ses expositions ultra-fréquentées, ses prix de vente aux enchères record et ses musées bondés, les oeuvres autrefois ignorées, car considérées comme inachevées ou floues, sont à présent vivement appréciées pour leur ambiance évocatrice du temps et des lieux ainsi que pour le sens artistique qui se dégage des coups de pinceau librement posés sur la toile.
Malgré sa popularité et une multitude de publications, certains aspects de la peinture impressionniste comme certains de ses artistes restent encore insuffisamment explorés. Cet ouvrage de TASCHEN entend combler cette lacune en traçant le portrait de pionniers injustement délaissés comme Berthe Morisot, Lucien Pissarro et Gustave Caillebotte et en se penchant sur les spécificités de l'impressionnisme, depuis la peinture en plein air jusqu'aux vifs contrastes de couleur, sans se limiter à la France, pays d'origine du mouvement, mais en abordant aussi les autres pays européens et l'Amérique du Nord.
Impératrices byzantines, révolutionnaires français et généraux espagnols: dans ce recueil de peintures impressionnantes, les figures les plus imposantes de l'Histoire vous regardent droit dans les yeux. Force et majesté irradient de chaque personnage représenté, qu'il s'agisse d'une veuve endeuillée, d'un politicien assassiné ou d'un joyeux groupe de rebelles ukrainiens.
Les auteurs Rose-Marie et Rainer Hagen débusquent la petite histoire et les secrets de 13 chefs-d'oeuvre signés par des artistes tels que Goya, Titien, Vélasquez et Ilya Repin. Royaux, saints ou sages, ces hommes et femmes vous inspireront par leurs conquêtes et leur énergie.
Les reproductions de ces chefs-d'oeuvre proposées par TASCHEN sont d'une qualité époustouflante, grâce à sa collaboration avec de prestigieuses collections d'art du monde entier, notamment à Bruxelles, Saint-Pétersbourg, New York et Naples. Ce livre, qui combine une analyse érudite et des agrandissements de détails des toiles, constitue une enquête historique unique et un hommage aux grands leaders du passé.
Avec pour tropes préférés le mouvement et les machines, le futurisme a été fondé en 1909 par Filippo Tommaso Marinetti avec les peintres Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, et Gino Severini. Ce groupe, auquel ont adhéré peintres, sculpteurs, designers, architectes et écrivains, a cherché à se débarrasser de l'establishment poussiéreux pour entrer dans une nouvelle ère d'élégance, de puissance et de modernité purifiée.
Le futurisme occupe dans l'histoire de l'art une place aussi ambivalente qu'importante. Le mouvement qui a inventé des méthodes révolutionnaires pour saisir mouvement, lumière et vitesse est aussi controversé pour avoir glorifié la guerre et la politique fasciste. Les tableaux frénétiques, presque furieux, des futuristes sont aussi remarquables par leur agressivité machiste que leurs expériences radicales autour du trait, de la texture et de la couleur dans leur tentative de saisir un objet en mouvement dans l'espace.
À travers des exemples clés de la prolifique production des futuristes et ses plus grands représentants, ce livre présente le mouvement qui a craché du vitriol sur tous les -ismes du passé, créant par là son propre -isme.
Les expressionnistes allemands étaient des anxieus et des révoltés. Surgissant à l'aube du XXe siècle, ils dénonçaient les valeurs chrétiennes et bourgeoises autant que l'industrialisation urbaine rampante. Anti-impérialistes, ils furent dispersés, brisés et diminués par les horreurs de la Première Guerre mondiale, et n'unirent leurs efforts que pour finir officiellement mis à l'index lors de l'exposition «Art dégénéré», organisée en 1937 par les Nazis.
Dans cette synthèse complète de TASCHEN, Dietmar Elger, directeur des Archives Gerhard Richter, a rassemblé la plupart des artistes et des éléments caractéristiques de ce mouvement complexe et épars pour évoquer ses protagonistes, ses principes et son rôle essentiel dans le modernisme du XXe siècle. Parvenant à une clairvoyance critique au milieu de cette frénésie de couleurs et de distorsions, le livre aborde les collectifs d'artistes influents Die Brücke («Le Pont») et Der Blaue Reiter («Le Cavalier bleu»), ainsi que leurs particularités locales à travers les centres artistiques de Berlin et Munich et leurs variantes en Rhénanie, au nord de l'Allemagne, et à Vienne.
Au fil des pages, l'ouvrage permet de comparer et d'opposer les thèmes et les choix stylistiques d'un groupe d'artistes dispersés, en lutte contre la vie moderne et industrielle. On découvre les taches lumineuses de Wassily Kandinsky et les nuances éteintes d'Ernst Ludwig Kirchner, les aspects futuristes de Franz Marc et le retour partiel à l'impressionnisme dans les touches chamarrées d'Emil Nolde. On croise des visages empâtés, des figures lasses ou inspirés des masques africains. On entre dans des bars miteux peuplés de vieux hommes difformes, puis dans une chambre jaune et confinée où pose une fille nue et étrange. On est tantôt chahuté par la cacophonie des bruits et des fumées de la ville, tantôt abandonné dans le silence des bois, près d'un lac.
Parcourant la richesse et la diversité de la production expressionniste, Elger présente des figures majeures comme Beckmann, Kandinsky, Kirchner, Kokoschka, Nolde, Schiele, tout en prenant soin d'évoquer des artistes souvent peu étudiés comme Conrad Felixmüller, Ludwig Meidner et Marianne von Werefkin. Le résultat donne une vision d'ensemble d'un mode d'expression passionnel, parfois violent, mû par une aspiration et un malaise que l'on devine derrière des peintures pleines de fièvre.
Avec ses peintures aux intenses clairs-obscurs et ses scènes d'intérieur sophistiquées et riches en dorures, le mouvement baroque a introduit une nouvelle dimension dans l'art occidental. À la place des perspectives harmonieuses et des proportions élégantes de la Renaissance est apparu un univers monumental, puissant et éminemment théâtral. Ce style a influencé de nombreuses formes et disciplines entre le XVIe et le XVIIIe siècle, s'étendant à la peinture, la sculpture, l'architecture et la musique et faisant directement appel à l'émotion du public.
Ce volume de la Petite Collection 2.0 proposée par TASCHEN se concentre sur la peinture baroque. À travers les scènes mythologiques et religieuses, les natures mortes et bien d'autres, on découvre comment un vibrant répertoire de couleurs profondes, d'obscurités intenses, d'attitudes théâtrales et de lignes diagonales a imprégné les écoles du Nord autant que du Sud. Au fil des pages, on rencontre les plus grands maîtres du baroque, tels que Nicolas Poussin, Annibal Carrache, Caravage, Velazquez, Rubens et Rembrandt, et l'on comprend leurs innovations en matière de composition, de narration et de lumière, qui ont constitué la sensibilité baroque.
Énigmatique et ambigu du fait qu'il est à la fois décor et sujet, le paysage est depuis des siècles un des genres picturaux les plus importants. Cette étude, qui s'étend de la fin du Moyen Âge aux temps modernes, met au jour l'évolution des représentations du paysage à travers les oeuvres majeures du genre, exécutées par des artistes audacieux aussi divers que Titien et Warhol.
Formellement, les paysages représentent la topographie du monde naturel autant que celle de notre monde intérieur; ils reflètent la diversité des visages que nous offre la Terre, tout en fournissant des indications sur l'évolution de l'esthétique, l'histoire religieuse et politique, les notions de sublime et de romantique, ainsi que sur l'arrivée de la modernité et les profonds bouleversements que l'industrialisation et l'urbanisation ont fait subir à notre environnement.
Cet ouvrage ingénieux s'ouvre sur un texte présentant minutieusement le genre et ses développements les plus marquants. Puis, une magnifique double page est consacrée à chacune des 34 oeuvres choisies, soigneusement reproduites et accompagnées d'une analyse historique et artistique fouillée sur les maîtres du paysage peint: Jérôme Bosch, Pieter Bruegel, El Greco, John Constable, Claude Monet et David Hockney.
L'harmonie entre l'homme et la nature Dans un élan de révolte contre le rationalisme, le romantisme s'est caractérisé par un retour à la nature et sa foi en la bonté naturelle de l'humanité, l'artiste se considérant comme un créateur profondément indépendant. Dès le début du XIXe siècle, les idéaux romantiques se développent essentiellement en réaction à l'enlisement dans les traditions de l'Antiquité gréco-romaine et préconisent une vision progressive et ouverte, autrement dit, moderne, de l'époque. Mais les artistes romantiques, qui cherchaient peut-être à atteindre des idéaux inaccessibles, se sont eux aussi tournés vers le passé, et plus précisément vers le Moyen Âge tardif et la Renaissance à la recherche de thèmes nostalgiques de l'héritage judéo-chrétien. Ils pensaient, à l'aide de ces thèmes, pouvoir établir une utopie politique et intellectuelle éclairée. Le romantisme s'est propagé à travers toute l'Europe et les États-Unis selon des styles et des thèmes très différents, allant de paisibles scènes de contemplation à des tableaux d'événements spectaculaires; c'est précisément cette diversité qui confère au romantisme son pouvoir de fascination et son influence considérable.
Entre autres artistes inclus: Albert Bierstadt, George Bingham, William Blake, Carl Gustave Carus, Frederic Edwin Church, Thomas Cole, John Constable, Peter von Cornelius, Jean-Baptiste Camille Corot, Eugène Delacroix, Carl Philipp Fohr, Caspar David Friedrich, Henry Fuseli, François Gérard, Théodore Géricault, Francisco José de Goya, Antoine-Jean Gros, Jean Auguste Dominique Ingres, Friedrich Overbeck, Franz Pforr, Pierre-Paul Prud`hon, Ludwig Richter, Carl Rottmann, Philipp Otto Runge, Karl Friedrich Schinkel, Carl Spitzweg, William Turner
John James Audubon (1785-1851) était un fanatique. Son ambition était de présenter les oiseaux d'Amérique dans un atlas zoologique illustré. Il lui fallut un peu plus de dix ans pour publier les 170 exemplaires de son oeuvre qui, en raison de ses dimensions (103 x 69 cm), prit le nom d' "ouvrage mammouth". Cet ouvrage se composait de quatre tomes comprenant 435 gravures coloriées à la main. Ce sont les plus belles que nous avons sélectionnées pour notre album.
L'impressionnisme reste sans doute la période la plus fascinante de l'histoire de l'art des Temps modernes, ainsi qu'une des plus prisées du public, comme le montrent les expositions spectaculaires de ces dernières années Degas, Gauguin, Van Gogh, Renoir, Toulouse-Lautrec, Monet et les prix records atteints par les oeuvres de ces artistes.Malgré cet engouement et une multitude de publications généralement sur les noms les plus connus , certains aspects de la peinture impressionniste restent encore insuffisamment explorés. De nombreux peintres de «second rang» et leurs oeuvres sont méconnus ou ont sombré dans l'oubli. La présente monographie comble cette lacune en se penchant sur l'impressionnisme en France autant que sur les courants apparentés qui ont vu le jour dans d'autres pays européens et en Amérique du Nord.La première partie retrace l'histoire de l'Impressionnisme à l'inclusion du post-impressionnisme et du néo-impressionnisme tel qu'il s'est développé en France. À côté des peintres les plus connus, l'objectif déclaré était de présenter aussi les artistes aujourd'hui moins connus. Parmi ceux-ci, on compte notamment Caillebotte, longtemps sous-évalué et représenté ici avec 17 peintures, et d'autres peintres comme Bazille, Bracquemond, Cross, Forain, Gonzalès, Guillaumin, Lebourg, Lépine, Luce, Morisot, L. Pissarro, Raffaëlli, Rouart et Vignon.La seconde partie se penche en 8chapitres sur la peinture inspirée par l'impressionnisme français qui s'est développée simultanément aux Pays-Bas, en Belgique, en Allemagne, en Scandinavie, en Europe de l'Est et du Sud-Est, en Italie, en Espagne, en Grande-Bretagne, aux États-Unis et au Canada. On est surpris de voir que les peintres de ces pays n'ont que rarement copié les influences françaises en suiveurs serviles, mais qu'ils les ont le plus souvent transposées avec une étonnante originalité dans leur propre langage artistique national.
Rencontre au sommet dans ce recueil des 102 illustrations de William Blake pour La Divine Comédie, accompagnées d'extraits du poème épique de Dante. Offrant une lecture au plus près des extraordinaires illustrations de Blake et de nombreux détails, l'ouvrage permet un dialogue époustouflant entre deux des plus grands artistes de l'histoire, et la confrontation avec des thèmes aussi universels que l'amour, la culpabilité, le châtiment, la vengeance et la rédemption.
Angles aigus, formes étranges, couleurs intenses et perspectives déformées sont autant de marques de fabrique de l'expressionnisme, mouvement du 20e siècle faisant primer l'émotion sur la réalité objective. Particulièrement important en Allemagne et en Autriche, ce mouvement a vite pris une dimension internationale et est aujourd'hui considéré comme une des évolutions capitales de l'histoire de l'art.
À travers ses groupes majeurs, Die Brücke (Le Pont) et Der Blaue Reiter (Le Cavalier bleu), et ses figures aussi importantes que Wassily Kandinsky, Egon Schiele ou Emil Nolde, l'expressionnisme a renié l'impressionnisme considéré comme un « homme rabaissé au rang de gramophone du monde extérieur », pour décrire à la place une expérience crue et viscérale de la vie, telle qu'elle était vécue plutôt que perçue de manière superficielle. Les tableaux expressionnistes débordent d'une force sensible, transmise notamment par des palettes de couleur intenses et non naturalistes, d'amples traits de pinceaux et d'épaisses textures.
En s'attachant aux tendances stylistiques du groupe, à ses influences et à ses principaux protagonistes, ce livre introductif explore le panorama expressionniste d'humeurs, d'idées et d'émotions et sa quête constante de profonde authenticité.
