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Biographies / Monographies
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Artiste pop, peintre de la vie moderne et des paysages, maître de la couleur, explorateur de l'image et de la perception - depuis soixante ans, David Hockney est connu pour être un artiste qui trouve toujours de nouveaux moyens pour explorer le monde et les façons de le représenter. Il n'a cessé de créer des images inoubliables: des lignes graphiques et des insertions de texte dans le Londres des années 1960; la fameuse série des piscines, une chronique du style de vie californien dans les années 1970 ; des portraits finement observés et d'immenses paysages saturés de couleur après son retour dans son Yorkshire natal. Outre les dessins où il transpose ce qu'il voit directement sur le papier, des collages de Polaroïds de points de vues multiples ouvrent l'espace en une myriade de vues détaillées, et ses dessins sur iPad, dans lesquels il saisit la lumière au moyen de l'outil le plus moderne, qui témoignent du goût intense et durable de Hockney pour l'expérimentation.
Cette édition spéciale a été composée à partir des deux volumes de la monographie David Hockney: A Bigger Book pour célébrer le 40e anniversaire de TASCHEN. La vie et l'oeuvre de Hockney y sont présentées année après année, dans un dialogue entre ses oeuvres et les voix de chaque époque, ainsi que les commentaires des critiques et les réflexions de l'artiste dans un texte chronologique, enrichi de portraits photographiques et de vues d'expositions. Ainsi réunis, ces éléments ouvrent de nouvelles perspectives qui, page après page, révèlent de quelle manière Hockney entreprend sa quête artistique, comment il élabore ses peintures et ce qui lui inspire son travail aux multiples facettes. -
Parmi ceux à qui l'on doit notre représentation fantasmée de Paris le peintre et graphiste Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901) n'est pas des moindres. À travers ses gravures, affiches, peintures et dessins, l'artiste a immortalisé la vie nocturne parisienne à la Belle Époque et a fait figurer le quartier de Montmartre, au nord de la ville, parmi les premières destinations de plaisir et de création du monde.
Descendant d'une vieille famille de la noblesse française, Toulouse-Lautrec semble avoir été attiré très tôt par le monde des plaisirs, s'intéressant aux salles de danse, aux cabarets et aux maisons closes de Montmartre, et choisissant comme sujets de célèbres danseuses et chanteuses, telles que Jane Avril. Ses oeuvres représentent à la fois des scènes animées de spectacles et des portraits posés et sensibles saisis hors scène, notamment dans Le Sofa ou Le Lit. D'un point de vue stylistique, il maîtrisait autant l'art graphique, comme en témoigne ses affiches publicitaires de Jane Avril, que celui de l'esquisse, dessin libre et pourtant puissamment évocateur.
Malgré sa mort précoce à 36 ans, en raison de complications dues à l'alcoolisme et à la syphilis, l'influence culturelle de Toulouse-Lautrec fut immense. Cet ouvrage introductif nous emmène dans un univers de chanteuses, danseuses, musiciens et prostituées, et révèle ainsi un artiste profondément humain, doué d'un talent de figuration étonnant et d'un sens évident pour saisir l'énergie et les légendes de la ville. -
Depuis quand un urinoir n'est plus un urinoir? Depuis que Marcel Duchamp (1887-1968) a déclaré que c'était de l'art. Le tollé soulevé par l'artiste français et sa Fontaine (1917), un urinoir en porcelaine installé dans une galerie, a provoqué des ondes de choc qui se sont propagées dans le monde institutionnel de l'art jusqu'à aujourd'hui.
Duchamp a bâti son oeuvre sur la remise en cause de la notion d'art et a, en cours de route, ouvert notre esprit à des possibilités alors insoupçonnées. Après avoir indirectement adopté le cubisme au début de sa carrière, l'artiste s'est fait connaître avec son Nu descendant un escalier (1912), un mélange inédit d'abstraction, de cubisme et de futurisme, où la controverse est née du nu que l'on croit reconnaître à la mécanique décomposée de son mouvement. Au même moment, Duchamp entame son incursion vers les désormais iconiques «readymades» - des objets choisis apparemment au hasard que Duchamp présente comme des oeuvres d'art - tels que la Roue de bicyclette (1913), le Porte-bouteilles (1914) et une pelle à neige, intitulée En prévision du bras cassé (1915).
Duchamp a provoqué bien des apoplexies parmi les spectateurs respectueux des traditions, en commettant des outrages tels que L.H.O.O.Q. (1919), pour lequel il exposa une mauvaise copie de la Mona Lisa de Léonard de Vinci affublée d'une moustache et d'une barbiche avec, pour faire bonne figure, un jeu de mot trivial que découvre le public en prononçant une à une les lettres du titre.
Cet ouvrage aborde tous les aspects osés et scandaleux de l'art de Duchamp dans un panorama qui reprend l'essentiel de ses oeuvres, et évoque non seulement sa créativité novatrice, mais aussi une période décisive de l'art occidental. Car c'est à ce moment, parmi les charges répétées contre les grands maîtres et la parodie de poésie censée naître des objets trouvés, que l'art a effectué sa première transition, des expériences purement «rétiniennes» vers une pratique évoluant vers un art conceptuel. -
Peu d'artistes ont réussi une ascension aussi fulgurantedans l'histoire de l'art que la peintre mexicaine Frida Kahlo (1907-1954). Reconnaissable entre mille et représenté sur plus de cinquante autoportraits extraordinaires, son visage est admiré depuis des générations. Cette oeuvre unique, associée aux centaines de photos prises par de grands noms comme Edward Weston, Manuel et Lola Álvarez Bravo, Nickolas Muray ou Martin Munkacsi, a fait de Frida Kahlo une icône de l'art du XXe siècle.
Frida a décidé de devenir peintre après un accident survenu durant son l'adolescence. Son mariage avec Diego Rivera, en 1929, la propulse sur le devant de la scène artistique, non seulement au Mexique, mais aussi aux États-Unis et en Europe. Une personnalité comme André Breton a fait l'éloge de son travail et a inclus la peintre dans le cercle international des Surréalistes. En 1939, il expose ses oeuvres à Paris où Picasso, Kandinsky et Duchamp les admirent.
Ce livre offre au lecteur l'opportunité d'explorer les peintures de Frida Kahlo comme jamais auparavant. À l'aide de reproductions superbeset en interaction avec des photos célèbres de l'artiste, il présente des oeuvres provenant de collections privées, difficilement accessibles au grand public, ainsi que d'autres que l'on croyait perdues ou qui n'ont pas été exposées depuis plus de 80 ans.
Des dessins, des extraits de son journal intime, des lettres et une biographie abondamment illustrée de photographies de Frida, de Diego et de la Casa Azul - la maison de Frida et le centre de son univers - donnent un aperçu très personnel de la vie et de l'univers artistique de Frida Kahlo. -
Par son style graphique, ses figurations distordues et son mépris pour les canons conventionnels de la beauté, Egon Schiele (1890-1918) a été un pionnier de l'expressionnisme autrichien et un des portraitistes les plus surprenants du XXe siècle. Avec Gustav Klimt pour mentor, Schiele s'est d'abord essayé à un style Art nouveau étincelant avant de développer sa propre esthétique agressive, sans concession, faite de lignes acérées, de nuances intenses et de silhouettes expressives et distordues. Ses très nombreux portraits et autoportraits ont frappé l'establishment viennois par leur intensité psychologique et sexuelle sans précédent, privilégiant les poses érotiques, crues ou troublantes où ses modèles, tantôt squelettiques et maladifs, tantôt forts et sensuels, sont recroquevillés sur le sol, se languissent, les jambes écartées, lancent un regard noir au spectateur ou exhibent leur sexe au premier plan. Nombreux sont ses contemporains à avoir trouvé l'oeuvre de Schiele laide et immorale, ce qui a valu à l'artiste un court séjour en prison pour obscénité, en 1912. Aujourd'hui, on célèbre son oeuvre pour son approche révolutionnaire du corps humain et son talent pour le dessin, d'une intensité qui touche presque à la folie. Ce livre met en avant des oeuvres clé de Schiele pour présenter sa carrière aussi fascinante que fulgurante et sa profonde contribution au développement de l'art moderne qui touche encore des talents d'aujourd'hui, comme Tracey Emin ou Jenny Saville.
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Vilipendé sa vie durant pour son style comme pour le sujet de ses oeuvres, le peintre français Édouard Manet (1832-1883) est aujourd'hui reconnu comme une figure incontournable de l'histoire de l'art, ayant fait le lien entre réalisme et impressionnisme.
Dans son oeuvre, Manet utilisa la peinture pour représenter des scènes étonnamment modernes, inspirées du monde qui l'entourait, notamment de la vie urbaine parisienne. Il sut capter les jardins de la ville, ses parcs et ses cabarets, souvent attiré par le frisson des bas-fonds ou se délectant d'un sujet provocant. À Paris, le Salon rejeta son Déjeuner sur l'herbe mettant en scène une femme nue entourée d'hommes habillés, tandis que la pose ouvertement décomplexée et le regard plein de défiance de la prostituée dans Olympia, réinvention éminemment moderne de la Vénus d'Urbin du Titien, fit scandale.
À travers de magnifiques illustrations, ce livre présente l'oeuvre de Manet et son style unique, associant réalisme, impressionnisme et références aux grands maîtres de la peinture, ce style qui ouvrira un nouveau champ plein d'audace pour les générations modernistes à venir. -
La légende de Jean-Michel Basquiat est toujours bien vivante. Synonyme du New York des années 1980, l'artiste apparaît pour la première fois sous la forme du tag SAMO, signature des commentaires caustiques et de fragments de poèmes qu'il inscrit sur les murs de la ville. Il surgit comme un élément d'une scène underground en pleine expansion, faite d'arts visuels et de graffitis, de hip-hop, de post-punk et de cinéma indépendant, destinée à rejoindre le florissant monde de l'art. Doué d'une puissance et d'une voix toute personnelle, Basquiat rompit avec le milieu établi et exposa grâce au circuit des galeries du monde entier. Basquiat trouva son propre mode d'expression dans un style mêlant formes brutes, mots et phrases. Son oeuvre s'inspire des grands noms du jazz, de la boxe et du basket, et fait allusion aux secrets de l'histoire et aux sujets politiques urbains. Quand on l'interrogeait en effet sur ses sujets, il répondait: «la royauté, l'héroïsme et la rue». En 1983, il commença à collaborer avec l'une des stars les plus célèbres de l'art, Andy Warhol, et en 1985 il réalisa une couverture pour le New York Times Magazine. Lorsqu'il meurt, à 27 ans, il est reconnu comme l'un des artistes le plus talentueux de son temps. Publié à l'origine en édition format XXL, cet aperçu inédit de l'art de Basquiat est désormais disponible dans un ouvrage plus accessible et compact en l'honneur du 40e anniversaire de TASCHEN. Grâce aux reproductions exceptionnelles de ses peintures, dessins et croquis les plus importants, il offre une proximité saisissante avec Basquiat à travers ses signes mystérieux et ses mots griffonnés, éclairés par une présentation de l'artiste par l'éditeur Hans Werner Holzwarth et un essai sur ses thèmes de prédilection et son évolution artistique de l'historienne d'art et conservatrice Eleanor Nairne. La vie de l'artiste est retracée, année après année, à travers des chapitres richement illustrés enrichis des citations de Basquiat et des textes critiques parus à l'époque, permettant de mieux appréhender son expérience personnelle et le contexte historique de son oeuvre.
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Peintre, sculpteur, écrivain, réalisateur et homme de spectacle, Salvador Dali (1904-1989) fut un des plus grands exhibitionnistes et excentriques du vingtième siècle. Il fut aussi un des premiers artistes à appliquer les théories de la psychanalyse freudienne à l'art, et devint célèbre avec ses oeuvres surréalistes, comme les montres molles ou le téléphone homard, qui sont aujourd'hui des jalons de l'entreprise surréaliste et du modernisme en général. Dali décrivait fréquemment ses peintures comme «des photographies de rêves peints à la main». La tension captivante qui en émane réside dans la représentation précise d'éléments bizarres et dans ses compositions incongrues. Comme l'expliquait lui-même Dali, il peignait avec «la plus impérialiste rage de précision», mais seulement «pour systématiser la confusion et ainsi participer à discréditer totalement le monde de la réalité.» Révolutionnant le rôle de l'artiste, le moustachu Dali eut aussi l'intuition d'exhiber un personnage controversé dans l'arène publique et de créer à travers la gravure, la mode, la publicité, l'écriture et le cinéma une oeuvre qui pouvait être consommée et pas seulement contemplée au mur d'un musée. Ce livre explore à la fois la peinture et la personnalité de Dali, en présentant ses aptitudes techniques, ses compositions provocatrices et ses thèmes fétiches, souvent ardus - la mort, le pourrissement et l'érotisme.
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Gustav Klimt ; dessins et peintures
Tobias G. Natter
- Taschen
- Bibliotheca Universalis
- 17 Mai 2018
- 9783836562898
Laissez-vous charmer par Gustav Klimt. Plus d'un siècle après sa mort, l'artiste viennois Gustav Klimt (1862-1918) éblouit toujours par son érotisme décomplexé, ses surfaces éblouissantes et sa créativité expérimentale. Cette monographie rigoureuse et claire rassemble tout l'oeuvre peint de Klimt et des commentaires de sommités de l'histoire de l'art, ainsi que de rares documents issus des archives personnelles de Klimt pour retracer l'évolution de son oeuvre captivante. Grâce à des illustrations de la plus haute qualité, notamment de nouvelles photographies de la célèbre frise du palais Stoclet, le livre raconte Klimt, figure majeure de la Sécession en 1897, ses représentations sans fard du corps féminin et sa lumineuse «période dorée», au cours de laquelle les feuilles d'or vinrent apporter une texture et une tonalité chatoyantes à des oeuvres aussi populaires que Le Baiser et le Portrait d'Adele Bloch Bauer I, surnommé le portrait de «la Dame en or».
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Paul Gauguin (1848-1903) n'était pas fait pour la finance. Ni pour faire carrière dans la marine française, ni pour demeurer vendeur de bâches à Copenhague sans parler un mot de danois. C'est dans son temps libre qu'il débuta la peinture en 1873 et participa en 1876 au Salon de Paris. Trois ans plus tard, il était exposé aux côtés de Pissaro, Degas et Monet.
Homme bourru, grand buveur, Gauguin se qualifiait lui-même aussi de sauvage. Son étroite mais difficile amitié avec le tout aussi imprévisible Vincent van Gogh connut un violent épilogue en 1888, quand Van Gogh se défend soi-disant de Gauguin avec une lame de rasoir et, l'instant d'après, se tranche l'oreille. Peu après, ayant achevé La vision après le sermon (1888), chef-d'oeuvre marquant le milieu de sa carrière, Gauguin décide de partir pour Tahiti avec l'intention d'échapper à «tout ce qui est artificiel et conventionnel...» Sur place, Gauguin jouit sans entraves de la nature de l'île, des autochtones et de la profusion des images qui lui inspirent une production foisonnante de peintures et de gravures. À travers des oeuvres comme La femme à la fleur (Vahine no te Tiare, 1891) ou Joie de se reposer (Nave Nave Moe, 1894), il développe un style particulier, primitif, rayonnant intensément de lumière et de couleurs. Dans la tradition de la sensualité exotique, ses coups de pinceau denses, débordant de peinture, épousent et s'attardent sur les courbes des tahitiennes.
Gauguin meurt seul, sur les îles Marquises voisines de Tahiti, la plupart de ses affaires ayant été dispersées dans des ventes aux enchères locales. Il a fallu attendre qu'un habile marchand d'art commence à collectionner et à montrer l'oeuvre de Gauguin à Paris pour que la profonde influence du peintre se fasse réellement sentir, notamment auprès de la nouvelle génération des artistes français d'avant-garde, tels que Picasso et Matisse. Cet ouvrage présente un aperçu essentiel de l'univers de l'artiste, si riche en couleurs, depuis les Salons impressionnistes parisiens des années 1870 jusqu'à la fin de sa vie, productive et passionnée, dans le Pacifique. -
Icône des années 1980 à New York, Jean-Michel Basquiat (1960-1988), s'est d'abord fait connaître par le tag «SAMO» avant d'établir son atelier et de se retrouver catapulté vers le succès à l'âge de 20 ans. Même si sa carrière a duré 10 ans à peine, il reste une figure culte de la critique sociale artistique et un pionnier qui a rapproché l'art du graffiti de celui des galeries.
L'oeuvre de Basquiat s'est inspirée de divers médias et sources pour élaborer un vocabulaire artistique original et insistant, attaquant les structures de pouvoir et de racisme. Il mêlait dans sa pratique l'abstraction et la figuration, la poésie et la peinture et s'inspirait aussi bien de l'art grec, romain et africain que de la poésie française, du jazz ou du travail d'artistes contemporains comme Andy Warhol et Cy Twombly. Le tout donne un mélange vif et viscéral de mots, d'emblèmes africains, de silhouettes de dessin animé et de barbouillis de couleurs vives, entre autres.
Ce livre présente la brève mais prolifique carrière de Basquiat, son style unique et son profond engagement dans les questions d'intégration et de ségrégation, de pauvreté et de richesse. -
Même si son oeuvre ne compte à notre connaissance que 35 tableaux, ses toiles ont donné naissance à un best-seller inscrit dans la liste du New York Times, à un film avec Scarlett Johansson et Colin Firth. Elles attirent un nombre record de visiteurs dans les grandes institutions artistiques, d'Amsterdam à Washington et imposent des mesures spéciales pour contrôler la foule au Mauritshuis, à La Haye, où ils sont des milliers à défiler pour apercevoir l'énigmatique et séduisante Jeune Fille à la perle, surnommée la «Mona Lisa néerlandaise».
De son vivant, pourtant, la renommée de Johannes Vermeer (1632-1675) dépassait à peine sa Delft natale et un petit cercle de commanditaires. Après sa mort, seuls quelques collectionneurs et marchands d'art néerlandais ont empêché son nom de sombrer dans l'oubli. Hors des Pays-Bas, ses oeuvres ont souvent été attribuées à tort à d'autres artistes. Ce n'est qu'à la moitié du XIXe siècle que Vermeer a attiré l'attention du monde artistique, qui s'est soudain penché sur ses détails narratifs, ses textures finement nuancées et ses majestueux pans de lumière. Une fois le génie redécouvert, il est définitivement sorti de l'ombre.
Cette édition rassemble le catalogue complet de l'oeuvre de Vermeer réuni dans un format compact. Cette monographie regroupe ainsi, dans les meilleures reproductions imaginables, ses scènes paisibles et pourtant captivantes, trésors des galeries et musées européens et américains. Des agrandissements de détail éloquents et des essais soulignent le talent extraordinaire de Vermeer à témoigner des traditions et modes de l'âge d'or néerlandais, mais aussi à évoquer toute une histoire à travers une simple expression, un geste esquissé ou un regard fugace. -
Largement autodidacte en tant qu'artiste, Francis Bacon (1909-1992) développa une capacité unique à transformer l'intériorité et les élans inconscients en formes figuratives dans des compositions intenses et confinées. Parvenu à une notoriété certaine après la Seconde Guerre mondiale, Bacon prit le corps humain comme sujet de prédilection, mais un sujet ravagé, déformé et démembré, traversé par des émotions intenses sous lesquelles il se tord et gémit de douleur. Ces membres qui fouettent l'air désespérément, ces vides béants et ces excroissances tumorales forment des portraits poignants, souvent grotesques qui sont autant des réflexions sur les épreuves et les traumatismes de la condition humaine que des études de caractère. Ces formes envoûtantes et terrifiantes furent aussi parmi les premières de l'histoire de l'art à représenter des thèmes ouvertement homosexuels. Ce livre est une introduction à l'oeuvre érotique, déstabilisant et inoubliable de Bacon, un corpus transformateur souvent imité, beaucoup analysé, mais surtout ressenti.
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Au cours de sa carrière artistique, Wassily Kandinsky (1866-1944) n'a pas simplement transformé son propre style, il a aussi bouleversé le cours de l'histoire de l'art. Après avoir commencé par des tableaux figuratifs et des paysages, il s'est lancé dans une utilisation spirituelle, sensible et rythmique de la ligne et de la couleur et est aujourd'hui considéré comme l'auteur du premier tableau abstrait.
En plus d'être un artiste, Kandinsky, était aussi professeur et théoricien, et l'intérêt qu'il portait à la musique, la poésie, la philosophie, l'ethnologie, l'occulte, au théâtre et au mythe nourrissait ses tableaux et ses gravures. Il a fait partie des deux groupes influents du Blaue Reiter (le Cavalier bleu) et du Bauhaus et a laissé derrière lui de fascinantes oeuvres visuelles, mais aussi de grands traités comme Du Spirituel dans l'art. Parmi les principes clés qu'il expose, on trouve les correspondances entre peinture, musique et expérience mystique, et la purification de l'art qui se détache du réalisme matériel pour aller vers une expression émotionnelle, notamment condensée par la couleur.
Ce livre met en valeur des oeuvres majeures de Kandinsky pour présenter sa palette de couleurs vives, de formes et d'émotions. En retraçant l'évolution radicale du style de l'artiste, il montre comment le parcours d'un peintre a ouvert la voie de l'expression abstraite à des générations d'artistes. -
Au milieu des années 1950, Yves Klein (1928-1962) déclarait: «Un nouveau monde réclame un homme nouveau.» Avec son style très personnel et son immense charisme, cet artiste ambitieux allait connaître une carrière courte mais prolifique, créant pendant sept ans plus de mille peintures considérées aujourd'hui comme des chefs-d'oeuvre du modernisme d'après-guerre.
C'est surtout par ses grands monochromes peints avec le bleu qu'il a fait breveter que Klein s'est fait connaître. Composé d'un pigment pur et d'un liant, l'International Klein Blue est à la fois riche et lumineux, évocateur et décoratif, conçu par Klein comme un moyen de suggérer l'immatérialité et la nature infinie du monde. Ses oeuvres issues de cette «révolution bleue» semblent nous mener vers une autre dimension, dans une hypnose produite par un ciel d'été à la pureté absolue. Klein est aussi connu pour sa série des «pinceaux vivants», femme nues recouvertes d'International Klein Blue laissant l'empreinte de leur corps sur de grandes feuilles de papier.
Cette introduction de la Petite Collection 2.0 présente les oeuvres principales de Klein pour aborder un artiste à la fois homme de spectacle, inventeur et pionnier de la performance artistique. Au fil des pages de cette plongée dans un International Klein Blue toujours aussi attirant, l'ouvrage offre un guide essentiel pour découvrir un maître de l'art moderne et méditer sur les effets singuliers d'une couleur unique. -
Avec ses hommes en chapeaux melon flottant dans le ciel, ou sa représentation d'une pipe au-dessus de la légende «Ceci n'est pas une pipe», René Magritte (1898-1967) a transformé ses toiles en chambre d'écho pour objets et images, noms et choses, réalité et représentation. Comme d'autres oeuvres surréalistes, les tableaux de Magritte allient une technique précise et mimétique à des configurations anormales et aliénantes qui défient les lois de la proportion, de la logique et de la science : un peigne de la taille d'une armoire, des rochers flottant dans le ciel, des nuages qui entrent par une porte ouverte. Le tout crée un univers direct mais déconcertant, souvent drôle et souvent troublant qui nous pousse toujours au-delà du visible, vers «ce qui est caché par ce que l'on voit». Ce livre d'introduction explore la vaste palette de Magritte, faite d'humour visuel, de paradoxe et de surprise de l'artiste qui nous amène aujourd'hui encore à contempler sans cesse ses tableaux aussi bien que notre conception du monde et de nous-mêmes.
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La popularité toujours vivace de Gustav Klimt (1862-1918) s'explique non seulement par l'attrait particulier qu'exercent ses toiles luxuriantes mais aussi par les thèmes universaux sur lesquels il travailla: l'amour, la beauté féminine, le vieillissement et la mort.Fils d'un orfèvre, Klimt composait des surfaces délicatement décoratives d'une luminosité précieuse, qui montrent la double influence des arts égyptien et japonais. Toiles, fresques ou frises, ses oeuvres se distinguent par des couleurs radieuses, des lignes fluides, des éléments floraux et des motifs rappelant la mosaïque.Parce qu'il traite souvent de sujets en rapport avec la sensualité et le désir, ou l'anxiété et le désespoir, tout ce chatoiement est aussi chargé de sentiment. Les nombreuses figures féminines peintes par Klimt, reconnaissables entre mille par leurs formes voluptueuses, leur chair tendre, leurs lèvres rouges et leurs joues rosies, étaient particulièrement chargées de passion, à une époque où un érotisme d'une telle franchise était encore tabou dans la bonne société viennoise. Ce livre présente une sélection d'oeuvres de Klimt, son univers pictural où le décoratif sert le désir, ainsi que son influence sur les générations suivantes d'artistes.
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Les toiles captivantes de Frida Kahlo (1907-1954) étaient à bien des égards l'expression d'un traumatisme. Très grave accident de la route à 18 ans, santé fragile, mariage houleux, fausse couche et absence d'enfant, elle transforma toutes ses souffrances en art révolutionnaire.
Dans ses autoportraits fidèles ou métaphoriques, Kahlo pose sur le spectateur un regard brûlant d'audace, elle rejette son destin de victime passive et préfère entrelacer les expressions de son expérience pour façonner un lexique vital hybride où se mêlent réel et surréel: cheveux, racines, veines, tendons et trompes utérines. Nombre de ses oeuvres explorent aussi les idéaux politiques communistes qu'elle partage avec Rivera. Elle décrivit ses toiles comme «la chose la plus sincère et la plus réelle que je pouvais faire pour exprimer ce que je ressentais à l'intérieur et à l'extérieur de moi-même».
Ce livre présente l'oeuvre foisonnante de Frida Kahlo et explore sa détermination sans faille en tant qu'artiste, son importance en tant que peintre, icône féministe et pionnière de la culture latino-américaine. -
Après qu'Egon Schiele (1890-1918) se fut affranchi de l'emprise de son maître et modèle Gustav Klimt, il ne lui restait que dix ans pour inscrire son style emblématique dans les annales de la modernité, avant que la grippe espagnole ne l'emporte. Grâce à sa nature d'enfant prodige, plus ou moins conscient de son génie, et de provocateur immodéré, ce défi fut relevé haut la main.
Ses personnages hagards aux corps déformés, sa représentation radicale de la sexualité et ses autoportraits dans lesquels il se peint le visage décharné, traduisant un sentiment entre génie et folie, n'ont rien à voir avec la qualité ornementale des tableaux de Klimt, de ses hymnes à l'amour, à la sexualité et au désir ardent. Les oeuvres de Schiele expriment, elles, une franchise brutale, qui allait bouleverser et changer la société viennoise à jamais.
Si elles furent ensuite déconsidérées, présentées comme «dégénérées» et même près de tomber dans l'oubli, les oeuvres de Schiele influencèrent des générations d'artistes, de Günter Brus et Francis Bacon à Tracey Emin. Aujourd'hui, ces tableaux si mal compris continuent d'atteindre des prix exorbitants sur le marché de l'art mondial.
Cette monographie, d'abord publiée dans une édition XL, est maintenant disponible dans une édition légèrement abrégée et plus compacte pour célébrer le 40e anniversaire de TASCHEN. Elle réunit les peintures et les dessins qui retracent la dernière décennie fertile de la vie de Schiele. Enrichi de reproductions inédites spécialement réalisées pour l'édition XL, l'ouvrage donne à voir les oeuvres de l'artiste accompagnées de textes présentant sa vie et son oeuvre, pour situer le maître autrichien dans le contexte de l'expressionnisme européen et faire revivre son extraordinaire héritage. -
Rebelle à toute interprétation ou classification, Mark Rothko (1903-1970) fut l'éminent défenseur d'une totale liberté d'expression de l'artiste. Bien qu'identifié comme un protagoniste clé du mouvement expressionniste abstrait, d'abord formé à New York, Rothko rejetait cette étiquette et insistait sur «l'expérience consommée entre le tableau et celui qui le regarde.» Après quelques oeuvres figuratives, Rothko développa ses toiles aujourd'hui emblématiques composées d'audacieux blocs de couleur - rouges, jaunes, ocres, bruns, noir, verts palpitants, chatoyants... Rothko insistait sur le fait qu'il n'avait pas effacé la présence humaine mais l'avait plutôt remplacée par des symboles et des formes. Ces masses chromatiques intenses étaient ainsi porteuses de tout le tragique de la condition humaine. Dans cet élan, Rothko confère aussi au lecteur un pouvoir sur le potentiel expressif de son oeuvre, convaincu qu'«un tableau vit par la compagnie d'un contemplateur sensible, dans la conscience duquel il se déploie et grandit.» De ces oeuvres précoces à ses célèbres champs chromatiques, ce livre présente la démarche intellectuelle et l'influence de l'oeuvre dramatique, intime et révolutionnaire de Rothko.
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Deuxième moitié du XIXe siècle. Dans la campagne verdoyante près d'Aix-en-Provence, Paul Cézanne (1839-1906) pose frénétiquement son pinceau sur la toile, dessinant des paysages et des natures mortes qui deviendront bientôt les piliers de l'art moderne. Par ses épaisses touches de peinture aux couleurs intenses et son approche nouvelle et audacieuse de considérer la lumière et l'espace, il incarne le lien entre l'impressionnisme et les principaux mouvements du début du XXe siècle, devenant ainsi selon les mots de Matisse et Picasso, leur « père à [eux] tous ».
Cette nouvelle introduction consacrée à l'artiste a sélectionné, dans toute la production de Cézanne, les oeuvres essentielles pour comprendre son évolution, ses innovations et son influence décisive sur l'art moderne. De ses natures mortes aux poires et autres fruits à ses scènes de baignade en plein air, l'ouvrage retrace ses expérimentations avec la couleur, la perspective et les matières visant à peindre « une harmonie parallèle à la Nature », ainsi que sa façon particulière de regarder le monde et de le restituer en peinture.
Au fil des pages, on découvre les célèbres Joueurs de cartes de Cézanne, sa superposition de tonalités chaudes et froide qui créent en elles-mêmes les formes et les surfaces, ainsi que la rigueur géométrique de ses paysages inspirés des environs d'Aix-en-Provence, aussi lumineux sous le soleil du Sud de la France qu'audacieux dans leur traitement radicalement nouveau des proportions et de la profondeur. -
L'oeuvre d'Henri Matisse (1869-1954) révèle sa croyance éternelle dans le pouvoir des couleurs pures et des formes simples. Bien qu'il soit surtout reconnu pour sa peinture, Matisse s'est aussi illustré en dessin, en sculpture, en lithographie, dans l'art du vitrail ainsi que du collage, dont il a développé sa propre technique de découpage quand son grand âge l'empêchait de rester debout et de peindre. Matisse a la plupart du temps peint des sujets classiques: nus, portraits, paysage animés de silhouettes, scène orientales et vues intérieures. Pourtant, son traitement des couleurs intenses et son dessin fluide lui confèrent une place de maître du XXe siècle. La palette de Matisse a particulièrement enchanté l'imagination moderne. Par son usage du bleu intense, du violet améthyste et du jaune d'oeuf dans toutes leurs nuances, il a libéré son oeuvre des carcans d'une représentation rigoureuse de la réalité et a plutôt cherché une «harmonie vitale», en prenant la musique comme source d'inspiration et figure de comparaison dans son travail. Des grands tableaux remplis de motifs aux portraits simples et tendres, ce livre présente l'immense richesse et l'intense créativité qui a caractérisé la carrière de Matisse, en parcourant ses premières oeuvres rattachées au mouvement fauviste jusqu'à ses derniers projets tels que Jazz et la chapelle du Rosaire, à Vence.
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Rousseau : les jungles oniriques d'Henri Rousseau
Cornelia Stabenow
- Taschen
- Basic Art
- 23 Avril 2018
- 9783836545983
Henri Rousseau (1844-1910) était employé au service des douanes de Paris et rêvait de devenir un artiste célèbre. À 49 ans, il décide de tenter sa chance. Au départ, ses toiles vivantes et luxuriantes représentant la jungle ainsi qu'une faune et une flore exotiques furent méprisées, jugées puériles et simplistes, mais son style unique et son obstination ne tardèrent pas à attirer à lui les louanges. Après 1886, il exposa régulièrement au prestigieux Salon des indépendants, à Paris, et en 1908 Picasso organisa un banquet légendaire en son honneur.
Bien qu'il soit surtout connu pour ses scènes tropicales, Rousseau n'a en fait jamais quitté la France, et trouvait son inspiration dans les livres et les magazines, ainsi que dans ses visites aux musées d'histoire naturelle et, parmi ses proches, dans les anecdotes de militaires qui avaient vu le monde. Il peint à l'huile, sur toile, utilise une palette de couleurs vives pour un rendu intense, et manie une certaine sensualité languide et luxuriante dont témoigne notamment le nu représenté au milieu de la jungle de sa toile Le Rêve.
Aujourd'hui, «le mythe Rousseau» est bien établi dans l'histoire de l'art et ne pâtit pas de la comparaison avec des maîtres du post-impressionnisme comme Cézanne, Matisse et Gauguin. Cette introduction de référence de TASCHEN explore les oeuvres de cet artiste à l'éclosion tardive, et sa stature de héros improbable du modernisme. -
Chef de file, parmi d'autres, du courant impressionniste, Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) demeure une figure marquante de l'histoire de l'art à la popularité non démentie. Baigné de soleil, plein de charme et de sensualité, son oeuvre vient ajouter une dimension enjouée et lumineuse à la peinture, tout en prolongeant la pratique de plein air et les innovations chromatiques de l'époque.
L'oeuvre prolifique de Renoir comprend près de mille tableaux réalisés tout au long de sa vie. Largement influencé par ses prédécesseurs comme Courbet, Degas, Manet ou Delacroix, le peintre travailla aux côtés de ses pairs, dont Monet, pour découvrir de nouveaux usages de la couleur et une nouvelle façon de poser le pinceau, afin de rendre les textures et la profondeur par des taches aux nuances variées. Attiré par les scènes intimes et tendres, il prend pour sujet des amoureux, des mères et de nombreux nus.
Au fil de sa carrière, Renoir a exploré différents styles et techniques, délaissant la touche légère impressionniste pour une représentation du corps plus vigoureuse et classique, parfois connue sous le nom de sa «période ingresque», et plus tard des pièces monumentales telles que Les Grandes Baigneuses. Puisant dans la riche et longue carrière de l'artiste, cette introduction essentielle a sélectionné les oeuvres principales de Pierre-Auguste Renoir et aborde les innovations qu'il a apportées à la peinture ainsi que sa pratique tournée vers la recherche de la beauté, de l'harmonie et de la figure féminine.
