La route de la Kisokaid? à travers le Japon fut tracée sur l'ordre de Tokugawa Ieyasu, qui dirigea le pays au début du XVIIe siècle et décréta que des relais soient installés tout le long de cette piste accidentée qui reliait Edo (l'actuelle Tokyo) et Kyoto. Auberges, échoppes et restaurants y furent construits pour prodiguer nourriture et logis aux voyageurs fatigués. En 1835, le célèbre estampiste Keisai Eisen reçoit la commande d'une série d'oeuvres qui décriront les étapes successives de l'itinéraire de la Kisokaid?. Après avoir réalisé 24 estampes, Eisen est remplacé par Utagawa Hiroshige, qui complète la série avec 70 estampes en 1838.
Eisen et Hiroshige étaient tous deux des maîtres de l'estampe. Les Soixante-neuf Stations de la Kisokaid? révèlent à la fois les styles distincts et le savoir-faire commun des deux artistes. Du point de départ animé de Nihonbashi à la ville d'Iwamurata et son château, Eisen opte pour une palette aux tonalités atténuées, mais excelle dans la représentation figurative, en particulier des femmes élégantes, et se délecte des instantanés de vie qu'il saisit le long de la route - du ferrage d'un cheval au vannage du riz. Hiroshige démontre sa maîtrise du paysage avec des scènes grandioses et évocatrices, des rives paisibles du fleuve Ota à l'impressionnant col de Wada et à l'ascension de Yawata à Mochizuki au clair de lune.
L'ensemble de la série des Soixante-neuf Stations représente non seulement un chef-d'oeuvre de l'estampe, avec des compositions audacieuses et un recours expérimental à la couleur, mais aussi une fresque envoûtante du Japon au XIXe siècle, bien avant le spectre de l'industrialisation. Cette nouvelle édition TASCHEN est composé à partir d'un des exemplaires les mieux conservés de leur première édition etredonne vie à ce recueil.
C'est dans leur Wunderkammer, ou «cabinet de curiosités» que les collectionneurs exposent des bribes de découvertes artistiques, scientifiques, intellectuelles, avec l'ambitieuse volonté de condenser en un lieu toutes les connaissances humaines.
Le grand-duc de Toscane François Ier de Médicis, l'empereur des Romains Rodolphe II ou l'archiduc Ferdinand II de Habsbourg, tous ces virtuoses de l'aristocratie ont acquis, choisi et présenté leurs trésors dans ces catalogues tangibles destinés à résumer le monde, de l'architecture à l'alchimie, en passant par la décoration, la peinture, la sculpture, la gemmologie, la géologie, la botanique, la biologie et la taxonomie, l'astrologie, l'anthropologie, l'ethnographie et l'histoire.
Vous vous émerveillerez devant les cornes de licorne (des défenses torsadées de narval), les pierres précieuses, les rares efflorescences coralliennes, le verre de Murano, les fresques et les étranges automates. Parcourez les illustrations représentant des créatures mythiques et découvrez les célèbres «ivoires de Cobourg», un étonnant ensemble d'objets en ivoire tourné. Ces collections proposent rien de moins qu'un voyage dans le temps, de la Renaissance à l'ère des Grandes Découvertes, du maniérisme au baroque jusqu'au temps présent. Si un grand nombre de ces cabinets de curiosité ont disparu, certains ont été recomposés avec méticulosité et passion, et d'autres ont été créés.
Ces merveilleux cabinets de curiosités vous ouvrent désormais leurs portes grâce à ce recueil, fruit des efforts déployés par Massimo Listri, qui pour accomplir cette tâche immense a sillonné sept pays européens sur plusieurs décennies. Le résultat en valait la peine: de splendides photos, une introduction érudite mais accessible et des commentaires détaillés de chacune des 19 cabinets de merveilles présentés où sont mises en valeur les pièces maîtresses de chaque collection. Découvrez comment ces trésors intemporels décrivent et définissent une civilisation, le concept moderne de muséologie et notre connaissance de l'univers.
Au fil des ans plus ou moins sombres, le graphisme, synthèse vivante et claire de l'image et de l'idée, restitue l'esprit de chaque époque. Celui qui nous accompagne à chaque minute de notre vie, du packaging minimaliste aux publicités colorées, des graphiques éclairants sur la situation de l'environnement aux élégantes interfaces, est autant un moyen de transmettre l'information qu'il est le reflet des aspirations culturelles d'une société et de ses valeurs.
L'auteur Jens Müller a mis à profit son immense connaissance de ce domaine pour sélectionner les créations les plus marquantes de chaque année. Ce recueil des plus importants travaux graphiques offre une réflexion nécessaire sur les développements d'un domaine créatif en constante évolution et en remise en question permanente. Ces oeuvres essentielles forment comme des jalons dans notre histoire contemporaine et nous aident à percevoir la véritable influence du graphisme sur notre vie quotidienne.
L'artiste suisse HR Giger (1940-2014) est surtout connu pour avoir créé le monstre de l'espace du film de science-fiction Alien (1979) de Ridley Scott, récompensé par un Oscar. Rétrospectivement, ce personnage ne représente qu'une des nombreuses représentations les plus populaires de l'arsenal de créatures biomécaniques de Giger où s'entrechoquent hybrides hommes-machines, images de puissance obsédante et psychédélisme obscur.
Ces visions convoquent autant les démons du passé, datant de sa prime enfance, qu'elles esquissent les mythologies du futur. Elles expriment avant tout les craintes et les fantasmes collectifs de son époque: la peur du nucléaire, de la pollution et de la surexploitation des ressources naturelles, ou celle d'un avenir où la survie de nos corps dépendrait des machines.
De ses paysages oniriques surréalistes peints à la bombe ou au pochoir à ses illustrations de couverture d'album, de ses guillotines sculptées aux bars designés par ses soins, Giger nous guide lui-même à travers son univers multiforme grâce à cette présentation ultime d'un génie de l'horreur. Reproductions détaillées, dessins et écrits autobiographiques sont complétés par une préface de Timothy Leary.
Le dessin est une des plus anciennes techniques culturelles humaines, qui n'a cependant rien perdu de son pouvoir de fascination, ce qui s'explique en partie par la simplicité des outils qu'il exige. Pour dessiner, il suffit d'avoir un bout de papier et un crayon - ainsi, bien sûr, qu'un oeil aiguisé et un goût pour la création visuelle.
Ces cours pratiques et complets décrivent toutes les techniques fondamentales du dessin - notamment le croquis, l'ombrage et le pointillé. Doug DuBosque montre comment utiliser la composition, les motifs, les nuances et les lignes de toutes sortes avec adresse, afin de donner vitalité, originalité et profondeur au dessin. Il permet ainsi aux artistes en herbe, jeunes et vieux, de créer leur propre univers imaginaire en conjurant bêtes de la jungle ou des steppes, minuscules fourmis et terrifiants dinosaures, nobles chevaliers ou voitures de sport, en assemblant ovales, cercles, triangles et rectangles.
Grâce à plus de 1000 illustrations et aux conseils pratiques dispensés, l'aspirant artiste passionné apprend pas à pas comment transformer des formes géométriques simples - ovales, cercles, triangles, rectangles et carrés - en bêtes sauvages, en impressionnants dinosaures ou en insectes, en bolides, en nobles chevaliers ou en dangereux dragons. Il se familiarise aussi avec la perspective, pour que son dessin gagne en profondeur et en relief. De multiples trucs et astuces aident peu à peu le lecteur à produire des dessins plus réalistes.
Si vous avez toujours voulu exceller en dessin, Apprendre à dessiner est pour vous. Un crayon, du papier blanc et les conseils présents dans ce livre sont tout ce dont vous avez besoin. Cet ouvrage est conçu pour vous enseigner l'essentiel du dessin et établir les bases qui vous permettront de développer votre style personnel. Cours progressifs de dessin et d'illustration, adaptés à tous Un guide pratique, étape par étape, des exercices faciles et des exemples Depuis le dessin d'un simple objet, abordez tous les aspects de notre environment, les personnes et les animaux Croquis et observation, matériel et théorie, conseils et techniques, tout ce dont vous avez besoin pour créer vos propres dessins et illustrations Plus de 1.000 illustrations
De la légendaire série Tank Girl aux clips pop de Gorillaz, de son incursion dans l'opéra contemporain chinois à son exposition à la Saatchi Gallery, l'artiste Jamie Hewlett est l'une des figures les plus prolifiques de la culture pop contemporaine.
Nourri au hip hop aussi bien qu'aux films de zombies, Hewlett débute sa carrière au milieu des années 1990 comme l'un des créateurs de la série Tank Girl, bande dessinée incontournable et parfait reflet de son époque. Avec son colocataire, Damon Albarn, il en vient à créer le groupe de rock virtuel et novateur Gorillaz. Le groupe, primé de nombreuses fois, et incarné par des personnages de dessin animé pop, est un phénomène mondial. Gorillaz s'est retrouvé en tête des hit-parades dans le monde entier, a effectué des tournées internationales, de San Diego à la Syrie, cumulant également des centaines de milliers d'écoutes et de ventes d'albums.
Depuis, Hewlett a poursuivi sa collaboration avec Albarn sur des projets tels que Monkey: Journey to the West, une mise en scène de haute volée du roman chinois de Wu Cheng' réunissant acrobates de cirque, moines Shaolin et chanteurs venus de Chine. En 2006, il est nommé «Créateur de l'année» par le Design Museum de Londres et, en 2009, il reçoit avec Albarn un BAFTA en récompense de leur séquence animée conçue pour les Jeux olympiques de Pékin, reprenant leurs personnages de singes. En 2015, l'exposition «The Suggestionists» à la Saatchi Gallery à Londres témoigne de la nouvelle direction passionnante prise par Hewlett.
Cette édition spéciale, célébrant les 40 ans de TASCHEN, met à jour la première grande monographie consacrée à Hewlett, avec près de 30 toutes nouvelles oeuvres. Le livre illustre ce fascinant voyage créatif à travers plus de 400 oeuvres d'art extraites de l'univers de Tank Girl aussi bien que de celui de Gorillaz, jusqu'à ses créations les plus récentes. À travers récits, personnages, planches de bande dessinée et croquis, l'ouvrage révèle l'exceptionnel talent créatif de Hewlett et célèbre un artiste prolifique et multiforme qui refuse catégoriquement de se reposer sur ses lauriers ou d'être cantonné à une seule pratique.
Des merveilles gravées sur bois.
Une histoire illustrée des chefs-d'oeuvre japonais.
On se souvient du portrait de l'écrivain naturaliste Émile Zola assis parmi ses japonaiseries signé Édouard Manet et des copies méticuleuses que Van Gogh réalisa des estampes d'Hiroshige, qu'il collectionnait avec dévotion. Au XIXe siècle les pionniers du modernisme européen ne font pas mystère de leur amour pour l'art japonais. Sensuelle, libre et vibrante, l'estampe aurait été, à elle seule, à l'origine de la vague japoniste qui submergea d'abord la France, puis toute l'Europe - souvent sous la forme d'objets d'art mal compris, réduits à leur caractère «exotique», qui nourrissent alors l'art occidental.
Car l'estampe japonaise est un phénomène sans équivalent en Occident. Certaines des idées qui ont le plus vigoureusement secoué l'art moderne - dont celle, comme l'a dit Karl Marx, que «tout ce qui est solide se volatilise» - sont nées au Japon dans les premières heures du XVIIIe siècle et se sont exprimées avec une force inédite dans les oeuvres de maîtres comme Hokusai, Utamaro et Hiroshige au début du XIXe.
Ce recueil lève le voile sur une forme d'art très appréciée mais incomprise en présentant les estampes japonaises les plus exceptionnelles dans leur contexte historique. Depuis l'essor, au XVIIe siècle, du décadent ukiyo-e, «image du monde flottant», jusqu'au déclin et à la résurgence tardive de cet art au début du XXe siècle, les reproductions rassemblées dans cette édition composent un témoignage sans égal non seulement sur un genre unique dans l'histoire de l'art, mais aussi sur l'évolution des moeurs et de la culture au Japon.
Montagnes mystiques ou cols enneigés, samouraïs en armures ou travailleuses du sexe mises en vitrine, chaque planche est abordée comme une oeuvre à part entière qui raconte les histoires et les gens qui se dessinent dans ces motifs. On découvre ainsi les quatre piliers de l'estampe - beautés, acteurs, paysages et compositions de fleurs et d'oiseaux - qui côtoient des représentations de lutteurs sumo, d'acteurs de kabuki et d'envoûtantes courtisanes, ces vedettes du «monde flottant» dont les fans inlassables favorisent la production frénétique d'estampes. On plonge aussi dans un univers plus sombre et inquiétant grâce à des estampes où des démons, spectres, mangeurs d'hommes et autres créatures imaginaires tourmentent les vivants dans des scènes saisissantes qui inspirent encore aujourd'hui le manga, le cinéma et les jeux vidéo japonais. On comprend ainsi comment ces oeuvres d'une diversité incroyable, scènes quotidiennes ou érotiques, tantôt martiales, tantôt mythologiques, ont en partage la maîtrise technique et l'oeil infaillible de leurs auteurs, ainsi que la prodigieuse ingéniosité et l'ironie avec lesquelles éditeurs et artistes se sont défendus contre la censure officielle.
Cette édition, dérivé de la monographie format XXL originale, rassemble les plus belles reproductions parvenues jusqu'à nous, conservées dans divers musées et collections privées de par le monde, dans un format léger, à un prix abordable et enrichi de descriptions détaillées qui nous guident à travers cette période effervescente de l'histoire de l'art japonaise.
En quête de connaissance et de plaisir, l'art de l'illustration botanique a toujours exigé non seulement un talent méticuleux de dessinateur mais aussi une compréhension scientifique rigoureuse. Cette édition actualisée d'un classique de TASCHEN rend hommage à la tradition botanique et aux artistes à travers une sélection d'oeuvres remarquables issues des collections de la Bibliothèque nationale de Vienne, incluant de nouvelles images.
Des manuscrits byzantins aux chefs-d'oeuvre du XIXe siècle, les reproductions raffinées des pivoines, des callas et des chrysanthèmes éblouissent par leur finesse et leur sens esthétique. Qu'il s'agisse des feuilles délicatement ourlées, des fruits à la texture minutieusement rendue ou de l'absolue beauté et variété des nuances, cet ouvrage célèbre une forme d'art aussi sensible que précise, entrant de plus en plus en écho avec la conscience grandissante de notre environnement écologique et du caractère si précieux de la flore naturelle.
L'Histoire est une affaire compliquée. Les fortunes s'amassent et s'évaporent, les empires croissent et déclinent, et le changement - social, politique, technologique - a ses vainqueurs, ses perdants, ses défenseurs et ses pourfendeurs. Au coeur de ces turbulences, le graphisme, synthèse vivante et claire de l'image et de l'idée, restitue l'esprit de chaque époque.Cet ouvrage propose une histoire exhaustive et actualisée du graphisme de la fin du XIXe siècle à l'après Seconde Guerre mondiale. Il retrace l'évolution de cette discipline créative, de ses origines dans la conception d'affiches à son développement vers la publicité, l'identité de marque, les emballages et la conception éditoriale modernes. Organisé chronologiquement, ce volume présente plus de 2.500 créations fondatrices issues du monde entier, dont 71 font l'objet d'une étude approfondie, tout comme 61 chefs de file de la discipline parmi lesquels Alphonse Mucha (publicités pour des marques de chocolat), Edward Johnston (logo et police du métro de Londres), El Lissitzky (courant constructiviste du graphisme), Herbert Matter (publicités touristiques pour la Suisse utilisant le photomontage), Saul Bass (génériques de films animés) et A. M. Cassandre (affiches Art déco).
L'auteur Jens Müller a mis à profit son immense connaissance de ce domaine pour sélectionner les créations les plus marquantes de chaque année, en regard d'une frise où figurent les étapes de l'histoire du design. Dans son introduction, David Jury replace, quant à lui, le graphisme depuis ses origines, dès les débuts de l'imprimerie, de la gravure et de la lithographie, jusqu'à ses développement étonnament créatifs au XIXe siècle. Chaque décennie est présentée en un panorama succinct complété par une splendide frise chronologique illustrée, afin de présenter la production graphique dans toute sa variété et de l'environnement global qu'elle décrit et définit.
Alors que le XXe siècle qui s'éloigne nous fait prendre du champs et mieux en discerner les grandes lignes, cet ouvrage fascinant donne à voir les fondements de ce qui va influencer des domaines créatifs en constante évolution et reconnaît, bien tardivement, l'énorme contribution du graphisme à l'économie, à la politique, aux grandes causes sociales, aux arts, aux médias et à notre manière de voir le monde.
Un second volume en préparation couvrira la période de 1960 à nos jours.
«J'aime tellement la musique et j'avais tellement d'ambition que j'étais prêt à en faire beaucoup plus que ce pour quoi on me payait. Je voulais que les gens entendent la musique en voyant l'oeuvre d'art.» - Alex SteinweissAlex Steinweiss (1917-2011) a inventé la pochette de disque telle que nous la connaissons aujourd'hui. En 1940, jeune directeur artistique de Columbia Record's, il lance une idée: habiller la bête pochette marron habituelle d'une illustration accrocheuse. La compagnie joue le jeu, et, en quelques mois, augmente ses ventes de disques de plus 800%.
Au cours des trente années suivantes, Steinweiss réalise des milliers d'oeuvres originales sur les pochettes de disques de musique classique, de jazz ou de variétés pour Columbia, Decca, London et Everest, ainsi que des logos, des étiquettes, des supports publicitaires, et même sa propre police de caractère, la «Steinweiss Scrawl». Ses créations audacieuses, rassemblées ici dans toutes leurs combinaisons de typographie innovante et d'illustrations élégantes, ont révolutionné la manière dont les disques étaient vendus.
Ce livre inclut les souvenirs et objets personnels de Steinweiss liés à sa carrière fascinante, ainsi que de précieux essais du directeur artistique et designer Kevin Reagan, récompensé trois fois par les Grammy Awards, et de l'historien du graphisme Steven Heller.
Le 18 novembre 1928, le monsieur Souris le plus célèbre au monde faisait sa première apparition publique. Aujourd'hui, nous célébrons les 90 ans de Mickey avec l'une des publications illustrées les plus exhaustives consacrées à l'univers Disney. En commençant par les premiers croquis d'un personnage qui s'appelait alors Mortimer, nous retraçons la carrière de la créature la plus fameuse créée par Walt et Ub, saluée par une popularité mondiale fulgurante et durable que Charlie Chaplin était le seul à avoir connue jusqu'alors.
Grâce à un accès illimité aux archives Disney et à plusieurs collections publiques et privées, les auteurs redonnent vie à la légende: esquisses, story-boards, arrière-plans, dessins d'animation et photos d'époque retracent les origines et l'évolution de grands classiques comme Steamboat Willie, La Fanfare et Le Brave Petit Tailleur. Ils suivent aussi Mickey dans la construction de son légendaire catalogue de courts-métrages d'animation, qui débute par deux longs-métrages historiques, Fantasia et Coquin de printemps.
Les recherches approfondies menées pour cet ouvrage mettent un coup de projecteur inédit sur des chapitres peu connus de la carrière de Mickey, comme les origines du Mickey Mouse Club, ou le rôle d'icône patriotique qu'on lui fit endosser pendant la Seconde Guerre mondiale. Au fil de l'histoire, on admire le travail de tous les grands artistes qui ont façonné le personnage de Mickey, à l'écran et en bande dessinée, parmi lesquels Ub Iwerks, Win Smith, Ferdinand Horvath, Freddie Moore, Floyd Gottfredson, Carl Barks, Manuel Gonzales, Paul Murry, Romano Scarpa, Giorgo Cavazzano, Byron Erickson et César Ferioli.
Mickey a laissé une marque indélébile sur la culture populaire et quotidienne mais aussi dans les beaux-arts, pour être devenu un sujet emblématique entre les mains d'artistes pop comme Andy Warhol, Keith Haring et Roy Lichtenstein. Comme aimait à le dire Walt Disney: «J'espère juste que nous ne perdrons jamais de vue que tout a commencé par une souris.» Et la success-story ne semble pas près de s'arrêter. Aujourd'hui, à 90 ans, Mickey est aussi aimé et populaire que jamais. Rendons hommage à cette petite créature, à sa légende et à son héritage en érigeant un monument à la souris!
Pépettes bien roulées.
Des casernes aux beaux-arts: le parcours du combattant des pin-ups.
Depuis que TASCHEN a publié The Great American Pin-up, l'intérêt mondial que suscite cette forme d'art typiquement américaine a augmenté de manière exponentielle. Des peintures de grands artistes du genre comme Alberto Vargas, George Petty et Gil Elvgren qui se vendaient 2.000$ en 1996 atteignent aujourd'hui 200.000$ voire plus. L'art du pin-up - ces dessins, pastels ou peintures de jolies filles au corps ou au visage idéalisés imaginés pour une diffusion grand public - a été produit entre 1920 et 1970 sous forme de calendriers, couvertures ou pages centrales de magazine. La plupart des créations originales ont été jetées par les éditeurs et les imprimeurs de calendriers après impression, rendant les oeuvres qui ont survécu d'autant plus précieuses.
Cette édition au prix attractif réunit les dix plus grand nom de cette discipline. Chaque chapitre s'ouvre sur la reproduction fidèle d'un calendrier ou d'une couverture de magazine signée du créateur dont il sera question. La qualité de reproduction des peintures, pastels et esquisses - pour la plupart réalisées à partir de l'oeuvre originale - permet au spectateur d'apprécier le moindre coup de pinceau, tandis que les savoureux calendriers, les tirages vintage et les photos des modèles originaux illustrent le processus créatif des artistes. La plupart de ces documents éphémères ont été photographiés dans les locaux de la société historique Brown & Bigelow, qui abritent les archives les plus importantes au monde dédiées aux calendriers vintages de pin-up.
Dans notre monde actuel fait d'images instantanées, d'infos 24h sur 24 et de connectivité permanente, la presse illustrée où les images comptent autant que le texte se fait de plus en plus rare. Ce remarquable recueil célèbre l'âge d'or du journalisme graphique en tant que genre unique, qui fut aussi un laboratoire de l'esthétique d'avant-garde.
La collection couvre la période de 1819 à 1921 et les nombreuses applications du graphisme à l'information, au dessin politique et satirique. Les oeuvres d'artistes connus comme Jean Cocteau, Juan Gris et Käthe Kollwitz côtoient celles des maîtres de l'illustration Thomas Nast, Honoré Daumier, Gustave Doré et de nombreux graphistes de presse peu connus, ces fameux «artistes spécialisés» dont cet ouvrage veut faire redécouvrir le travail.
Ces oeuvres riches et variées sont abordées non seulement au regard du genre et de la peinture historique du XIXe siècle, mais aussi comme une influence déterminante dans l'évolution de l'Art moderne. Au moyen d'exemples frappants de pensée narrative proto-cinématique, de perturbation du cadre à image unique et d'incursions audacieuses dans l'abstraction, elles ont posé les fondations d'une grande part de l'expression avant-gardiste qui suivit.
Le livre s'intéresse aussi à l'attention particulière que Vincent Van Gogh accordait à la presse illustrée de son temps. Il s'inspira de sa forme artistique mais aussi de l'esprit réformiste qui l'animait. Collectionneur insatiable, il possédait un grand nombre d'illustrations de presse et disait même les considérer comme une «Bible pour les artistes».
L'art de la gravure en bois de Maître Hokusai.
La série complète desVues du mont Fuji.
Le mont Fuji a longtemps été au centre de l'imaginaire culturel japonais, et aucune oeuvre n'a saisi ce monument avec plus de virtuosité que la célèbre série d'estampes sur bois des Trentes-six vues du mont Fuji par Katsushika Hokusai (1760-1849). L'artiste renommé témoigne du Japon du XIXe siècle avec une maîtrise artistique et une révérence exceptionnelles, célébrant la campagne, les villes, les gens et la beauté paisible de la nature. Réalisée au sommet de l'ambition artistique de Hokusai, cette série représente la quintessence de l'ukiyo-e et a valu à son auteur une reconnaissance mondiale comme maître éminent de son art.
Les estampes illustrent l'obsession de Hokusai pour le mont Fuji ainsi que le tourisme domestique en plein essor à la fin de période d'Edo. À l'image de ce sommet qui était le point de mire préféré des voyageurs en chemin la capitale Edo (aujourd'hui Tokyo) le long de la route Tokaido, le mont Fuji forme l'arrière-plan incontournable de chaque scène de la série. Hokusai immortalise le paysage particulier et le charme provincial de chaque endroit dans des teintes vibrantes et avec une minutie exquise des détails. Comprenant l'emblématique vue Sous la grande vague au large de la côte de Kanagawa (alias La Grande Vague), cette série largement reconnue est un trésor de l'histoire de l'art universel.
Parmi les quelques rééditions complètes de la série, cet ouvrage au format XXL rend hommage aux couleurs et aux compositions fascinantes de Hokusai reproduites avec un soin et une ampleur inégalés. Relié selon la tradition japonaise avec du papier non coupé, les Trente-six vues du mont Fuji présentent les 36 estampes et les 10 ajoutées plus tard par l'artiste. Complément idéal aux Cent vues d'Edo et aux Soixante-neuf stations de la route Kisokaido, cette publication dépeint une image envoûtante du Japon préindustriel et est en soi un monument exceptionnel de l'art de l'estampe.
Comment les gens répondent-ils à la question «comment allez-vous» des deux côtés de l'Atlantique? Les pauses déjeuner changent-elles selon la longitude? Où le patron gagne-t-il le plus, à Paris ou à L.A.? Dans ce cinquième volume de sa série à succès, Yang Liu distille les contrastes plus ou moins évidents entre l'expérience européenne et américaine par des pictogrammes aussi intelligents qu'impeccables.
Utagawa Hiroshige (1797-1858) est un des derniers grands artistes de la tradition de l'ukiyo-e. Littéralement «images du monde flottant», l'ukiyo-e était un art particulier florissant entre le 17e et le 19e siècles, venu à incarner l'image que le monde occidental se faisait du Japon. Images d'hédonisme à bien des égards, les scènes ukiyo-e représentaient souvent les vives lumières et attractions d'Edo (aujourd'hui Tokyo): belles femmes, acteurs et lutteurs, vie citadine et paysages spectaculaires.
S'il a traité toute une variété de sujets, Hiroshige est surtout connu pour ses paysages et son dernier chef-d'oeuvre, la série des «Cent vues célèbres d'Edo» (1856-1858), qui dispense diverses scènes de la vie quotidienne au fil des saisons, des rues commerçantes trépidantes aux merveilleux vergers de cerisiers.
Cette réédition, reliée à la manière japonaise, a été réalisée grâce à une des plus belles séries complètes de gravures sur bois anciennes, propriété du Musée mémorial d'Ota à Tokyo. Chacune des 120 illustrations s'accompagne d'une description qui permet aux lecteurs de se plonger dans ces superbes vues débordant de vie, devenues des modèles de «japonisme», qui ont inspiré les artistes impressionnistes, post-impressionnistes et Art Nouveau, de Vincent van Gogh à James McNeill Whistler.
Ces dix dernières années, Steven Heller et Julius Wiedemann ont suivi les récentes évolutions de l'illustration dans le monde. Résultat: à tous ceux qui pensaient que l'avènement du numérique sonnerait la fin d'un temps béni, ils viennent remettre les pendules à l'heure.
Jadis, avant que les médias visuels de masse ne changent nos habitudes perceptuelles, il y eut des temps bénis, quand l'illustration constituait le principal moyen d'enluminer les mots sur le papier, jusqu'à aujourd'hui, où les textes et les images nous arrivent sur des écrans de la taille d'un cadran de montre. Dans un tel contexte, les créateurs et artistes contemporains tiennent bon. L'illustration est plus libérée et diverse que jamais et s'invite sur toutes sortes de supports, imprimés ou digitaux, tels les livres, emballages, vêtements, voitures ou restaurants.
Cet ouvrage célèbre la qualité, la diversité, l'intensité, l'humour, la vitalité et l'exceptionnalité des oeuvres créées par les illustrateurs de maintenant. Les artistes de cette anthologie ne sont que le versant immergé de l'iceberg, mais offrent un panorama éloquent des styles, techniques et usages de la couleur par des artistes du monde entier. On vous met au défi de choisir vos préférés.
L'art fantastique, ou fantasy art, cette fusion entre mythes, muscles et jeunes filles sexy, a décollé en 1923 avec le lancement du magazine Weird Tales, s'est régénéré dans les années 1960 avec Le Seigneur des Anneaux et la sortie en poche de la série Conan le Barbare avec des couvertures de Frank Frazetta, puis, à la fin de la décennie, l'émergence de créations psychédéliques. Il explose dans les années 1970 avec le jeu de rôles Donjons & Dragons, le génial magazine français Métal Hurlant et le premier film de l'épopée Star Wars. Le nombre d'artistes s'adonnant à ce genre atteint alors son apogée, tandis qu'une génération nouvelle de fans le découvre à travers les cartes à échanger en vogue dans les années 1990, suscitant un intérêt massif visible dans l'art aujourd'hui. Les artistes sont Boris Vallejo, Rodney Matthews, Greg Hildebrandt, Michael Whelan et Philippe Druillet, ou honorer la mémoire d'icônes disparues comme HR Giger, et autres.
Avec son visage lisse et rouge irradiant de lumière dans toutes les directions, le Président Mao Zedong est un motif incontournable des affiches de propagande produites entre la naissance de la République populaire de Chine en 1949 et le début des années 1980.
Le Président Mao, représenté en super-héros stoïque (ou en Grand Maître, Grand Guide, Grand Timonier ou Commandeur Suprême) était mis en scène dans toutes sortes de situations - inspectant les usines, fumant une cigarette avec des paysans, devant le fleuve Yang-Tsé-Kiang en robe de chambre, à la proue d'un navire, ou au-dessus d'une mer de drapeaux rouges -, entouré d'hommes sans âge, forts et en bonne santé, ainsi que de femmes «virilisées» et d'enfants portant d'amples vêtements ternes et asexués. L'objectif de ces affiches était à la fois de montrer au peuple chinois quelle disposition morale on attendait de lui et d'illustrer le glorieux futur de la Chine communiste, si tout le monde s'unissait pour suivre le même chemin vers l'utopie.
Ce livre rassemble une sélection colorée d'oeuvres et d'objets culturels de propagande issus de l'importante collection d'affiches chinoises de Max Gottschalk, dont beaucoup sont aujourd'hui extrêmement rares.
La science et l'illustration ont toujours marché main dans la main. La communauté scientifique, mais aussi le grand public, utilisent l'image depuis les premières heures de l'Histoire pour comprendre les phénomènes naturels. De Galilée à Einstein, notre histoire moderne s'est écrite avec l'assistance, cruciale, de l'art et toute la qualité d'observation qu'il induit. Cet ouvrage format XXL réunit plus de 300 oeuvres graphiques qui vont du croquis original au dessin technique, de l'illustration manuscrite minutieuse à l'image générée par ordinateur.
La révolution scientifique occidentale entamée au XIVe siècle catapulta l'humanité dans une appréhension radicalement nouvelle de la nature et des lois qui régissent notre environnement. Qu'il s'agisse des maladies provoquées par des virus ou des vastes galaxies du cosmos, une nouvelle armée de professionnels se mit alors en quête de décoder et représenter l'univers tel qu'ils en faisaient l'expérience, selon une dialectique qui oscillait entre théorie et preuve. Le domaine de l'illustration et le développement du savoir devinrent indissociables, comme en témoignent les oeuvres magistrales rassemblées dans ce livre, produites par des artistes-scientifiques qui se sont spécialisés dans ce domaine pluriel.
Explorez le travail de plus de 700 scientifiques et plus de 300 découvertes en anatomie, physique, chimie, astronomie, mécanique et dans d'autres domaines, à travers les oeuvres visuelles qui leur donnent vie. Combinées avec des textes détaillés qui expliquent leur portée scientifique, les illustrations de ce livre explorent le travail de scientifiques majeurs parmi lesquels Andreas Vesalius, Isaac Newton, Marie Curie et Rosalind Franklin. Les visualisations choisies détaillent les grandes idées novatrices et les découvertes qui ont jalonné notre histoire depuis le Eve siècle, notamment les aquarelles de Galilée représentant le Lune, l'inégalé Atlas d'anatomie humaine et de chirurgie de Bourgery, les diagrammes statistiques de Florence Nightingale recensant les victimes de guerre et les notes gribouillées à la va-vite par Einstein à propos de sa théorie générale de la relativité.
Nombre de découvertes scientifiques sont le fruit d'une pensée contre-intuitive et la visualisation nécessaire de cette recherche s'appuie sur les ressources du savoir collectif, pour communiquer ces nouvelles idées au grand public. Ce livre s'adresse à tous ceux que les merveilles de notre monde ne cessent de fasciner et qui souhaiteraient en apprendre davantage grâce aux remarquables illustrations employées pour vulgariser le savoir scientifique.
Réalisée à partir de la collection TASCHEN Illustration Now!, cette anthologie de référence réunit 100 illustrateurs parmi les plus reconnus et les plus importants de la planète. À travers des artistes vedettes tels que Istvan Banyai, Gary Baseman, Seymour Chwast, Paul Davis, Brad Holland, Mirko Ili?, Anita Kunz et Christoph Niemann, ce tour d'horizon international offre un état des lieux stimulant du monde de l'illustration contemporaine dans sa diversité et son dynamisme.
Chaque illustrateur est abordé à travers un autoportrait, des extraits de son travail et une courte présentation de Steven Heller, le tout complété par une liste non exhaustive de ses expositions et publications. Dans son introduction, Steven Heller évoque l'univers dynamique de l'illustration contemporaine et raconte l'exercice difficile que fut celui de sélectionner quelques artistes parmi les représentants d'un art en constante évolution, où les talents ne manquent pas.
Ces dix dernières années, Steven Heller et Julius Wiedemann ont suivi les récentes évolutions de l'illustration dans le monde. Résultat: à tous ceux qui pensaient que l'avènement du numérique sonnerait la fin d'un temps béni, ils viennent remettre les pendules à l'heure.
Jadis, avant que les médias visuels de masse ne changent nos habitudes perceptuelles, il y eut des temps bénis, quand l'illustration constituait le principal moyen d'enluminer les mots sur le papier, jusqu'à aujourd'hui, où les textes et les images nous arrivent sur des écrans de la taille d'un cadran de montre. Dans un tel contexte, les créateurs et artistes contemporains tiennent bon. L'illustration est plus libérée et diverse que jamais et s'invite sur toutes sortes de supports, imprimés ou digitaux, tels les livres, emballages, vêtements, voitures ou restaurants.
Cet ouvrage célèbre la qualité, la diversité, l'intensité, l'humour, la vitalité et l'exceptionnalité des oeuvres créées par les illustrateurs de maintenant. D'artistes confirmés - Brad Holland, dont les peintures métaphoriques et atypiques déstinées aux éditoriaux du New York Times ont révolutionné la forme de l'illustration dans les années 1970 - aux brillants jeunes premiers - Robin Eisenberg et ses beautés aliens à la peau pastel qui sillonnent les pochettes d'album du rock indé dans leurs vaisseaux spatiaux -, les 100 artistes de cette anthologie ne sont que le versant immergé de l'iceberg, mais offrent un panorama éloquent des styles, techniques et usages de la couleur par des artistes du monde entier. On vous met au défi de choisir vos préférés.
Inclut:
Une introduction et un avant-propos des éditeurs Julius Wiedemann et Steven Heller 600 pages d'oeuvres magnifiquement reproduites la biographie de chaque artiste détaillant son parcours, sa philosophie, ses motivations et ses coordonnées un index des agences d'illustration
Nos plus belles années.
Résurrection du magazine d'architecture par excellence.
Entre la fin de la Seconde Guerre mondiale et le milieu des années 1960, l'architecture américaine vit des moments excitants. Des talents émergents se consacrent alors à des projets iconoclastes qui combinent design moderne et matériaux à bas prix. Cette tendance s'incarne notamment dans le célèbre programme des Case Study Houses, qui établit le schéma directeur de l'habitat moderne, sous la houlette du plus important magazine américain de l'époque, Arts & Architecture.
TASCHEN a publié en 2008 le fac-similé intégral de l'ambitieux et révolutionnaire Arts & Architecture en édition limitée. Cette nouvelle édition - dirigée et produite par Benedikt Taschen - réunit les temps forts du magazine entre 1950 et 1954 et met l'accent sur l'architecture américaine du milieu du 20e siècle et ses pionniers géniaux, parmi lesquels Richard Neutra, Eero Saarinen et Charles & Ray Eames.
Cet hommage exclusif à une publication engagée sur les questions politiques, sociales et culturelles témoigne aussi d'une des époques les plus particulières et fertiles de l'histoire de l'architecture américaine.
