Simon "Woody" Wood, fondateur et rédacteur en chef du magazine Sneaker Freaker, analyse depuis vingt ans le culte mondial que des milliers de fanatiques vouent à la chaussure de sport. C'est cette expérience qui a directement inspiré World's Greatest Sneaker Collectors, une incroyable plongée sur 752 pages dans les précieuses réserves et l'obsession compulsive des meilleurs connaisseurs. De Tokyo à New York, via Londres, Philadelphie, Melbourne et Stjørdal, aucune semelle intermédiaire éculée n'a été laissée sur le bord de la route: plus de 2.500 classiques vintage, modèles uniques SMU pour athlètes, spécimens introuvables, prototypes à l'échelle réalisés à la main, collaborations aux prix stratosphériques, paires exclusives de joueurs, Jordans portées par les plus grands vendues plusieurs millions - toutes sont honorées avec ferveur. La quête de ces "Saints Graals" est une aubaine autant qu'une malédiction, car nos collectionneurs veillent, manigancent, ils convoitent et fantasment éternellement «la chaussure» qu'ils ne possèdent pas encore! Les photos luxueuses des modèles sont accompagnées de guides informatifs et didactiques et de conseils de pros sur la meilleure manière de photographier, conserver, assurer, nettoyer ces trésors et d'éviter les contrefaçons. Un concentré inestimable d'expertise. Les histoires racontées vous divertiront longtemps, car nous avons voulu poser les fondamentaux de ce que signifie - et de ce qu'exige - le statut de «véritable collectionneur».
En 2016, le géant du sportswear Nike et le créateur de mode Virgil Abloh unissaient leurs talents pour composer une collection de sneakers qui mettrait à l'honneur 10 des modèles les plus emblématiques de la marque basée dans l'Oregon. Ce projet, baptisé The Ten, qui réinventa des icônes comme la Air Jordan 1, la Air Max 90, la Air Force 1 et la Air Presto, a galvanisé la sneaker culture. Les créations de Virgil Abloh, dont le cachet culturel saute aux yeux, exploitent des trésors d'ingéniosité et d'ingénierie. En partant du génie original de la chaussure, grâce au lettrage, au collage et aux techniques de façonnage, Abloh jouait avec le vocabulaire et les éléments structurels pour élaborer un sens nouveau, non sans ironie. Inspiré par l'espièglerie du dadaïsme, par la théorie architecturale et les happenings d'avant-garde, il analysait grâce à quels éléments un modèle était reconnaissable entre mille, puis le déconstruisait pour former un assemblage artistique où chaque chaussure devenait une pièce de design industriel, une sculpture readymade portable. ICONS retrace l'approche artistique d'Abloh, à la fois créateur et enquêteur, à travers des schémas de prototypes, des échanges de messages entre Abloh et les designers de Nike et des trésors issus des archives Nike. Les virgules d'une paire d'Air Jordans se retrouvent découpées et réappliquées avec du ruban ou du fil, on retrouve les bouts de texte entre guillemets typiques d'Abloh sur les Air Force 1 et les All Stars sont taillées en pièces. L'ouvrage vous ouvre les coulisses et révèle l'approche empirique d'un Abloh bricoleur génial, qui donnait un aspect unique à chaque modèle de sa collection Off-WhiteTM c/o Nike. Ce lexique de la déconstruction se reflète dans la reliure à la Suisse, qui dénude le dos des cahiers et révèle ainsi le processus de fabrication du livre. Le livre décrit le travail collaboratif mis en place par Abloh et réaffirme la force de l'imprimé. Pour sa conception, Nike et Abloh se sont associés au célèbre studio de création londonien Zak Group. Ensemble, ils ont imaginé un recueil en deux parties égales: d'une part un catalogue, de l'autre une boîte à outil conceptuelle. La première présente la culture visuelle liée à la chaussure de sport, le lexique de la seconde définit les personnages, lieux, objets, idées, matériaux et contextes qui ont permis à ce projet d'exister. Les textes rédigés par Nicholas Schonberger de Nike, l'auteur Troy Patterson, l'historien et conservateur Glenn Adamson et Virgil Abloh lui-même inscrivent cette collaboration dans l'histoire de la mode et du design, tandis que l'avant-propos d'Hiroshi Fujiwara inscrit le projet dans la continuité des collaborations prisées par Nike.
En 2002, Simon «Woody» Wood imaginait toutes sortes de stratagèmes pour obtenir des sneakers gratuites. Deux semaines plus tard, il était le fier patron de Sneaker Freaker, et sa vie en était changée à jamais.
Depuis ses débuts de fanzine punk jusqu'au contenu léché de ses actuelles publications papier et en ligne, ce magazine farouchement indépendant a décrit et commenté toutes les collaborations, modèles sur mesure, éditions limitées, rééditions de modèles rétro, quickstrikes, hyperstrikes et tier zéro commercialisées ses 15 dernières années.
Le but initial de Woody, que Sneaker Freaker soit «à la fois drôle et sérieux, chargé de sens et frivole», est pleinement atteint dans The Ultimate Sneaker Book. Avec plus de 650 pages saturées de connaissances expertes assorties d'observations irrévérencieuses et d'incroyables détails historiques, cette bible de la chaussure de sport détournée témoigne d'une minutie fervente et obsessionnelle qui frise la monomanie.
Traversant 100 ans d'histoire, chaque chapitre présente joyeusement les tendances et évolutions de l'industrie de la sneaker. Air Max, Air Force, Adi Dassler, Converse, Kanye, Dapper Dan, Dee Brown, Michael Jordan et Yeezy - ainsi que des bijoux plus confidentiels comme les Troop, Airwalk et autres Vision Street Wear -, tous les modèles de légende sont décrits.
Voici une source ultime de savoir. Gardez vos lacets libres!
D'Azzedine Alaïa, Cristóbal Balenciaga et Coco Chanel à Alexander McQueen, Yves Saint Laurent et Vivienne Westwood, cette nouvelle édition de Fashion Designers A-Z rend hommage aux grands noms qui ont signé la mode durant plus d'un siècle à travers les collections permanente du musée du Fashion Institute of Technology de New York.
Cet recueil mis à jour et plus accessible rassemble des photographies de centaines de vêtements choisis parmi les collections permanentes du musée. Robe du soir précieuse en velours brodé ou minimalisme chic à la Mondrian, chaque pièce a été sélectionnée pour sa beauté bien sûr, mais aussi pour son intérêt, en ce qu'elle est l'incarnation de la philosophie ou du style d'un des créateurs évoqués.
L'ouvrage est introduit par la directrice et conservatrice en chef du musée, Valerie Steele, qui raconte le développement des musées consacrés à la mode et l'émergence de l'exposition de mode comme phénomène populaire et controversé. La préface de la prêtresse du style Suzy Menkes ainsi que les textes signés par les conservateurs du musée reviennent sur le contexte historique de chaque marque et pièce présentées, tandis que les portraits de l'artiste Robert Nippoldt rendent hommage à ces grands créateurs.
Il y a plus de 100 ans, les frères Dassler, Adolf («Adi») et Rudolf Dassler créaient leur première paire de chaussures. Des centaines de modèles révolutionnaires, de moments épiques et de collaborations prestigieuses plus tard, ce livre présente un bilan en images des chaussures Adidas, à travers presque 200 modèles.Pour poursuivre leur développement et adapter ses produits aux besoins spécifiques des athlètes, Dassler leur a demandé de lui retourner leurs chaussures après les avoir utilisées, et toutes les chaussures ont finalement terminé dans son grenier (aujourd'hui encore, de nombreux athlètes retournent leurs chaussures à Adidas, en guise de remerciement après avoir gagné un titre ou battu un record). Cette collection constitue désormais les Adidas archive, l'une des plus grandes, si ce n'est la plus grande collection de tous les fabricants d'équipements de sport-que les photographes Christian Habermeier et Sebastian Jäger ont documenté dans les moindres détails pendant des années.Utilisant les meilleures techniques de reproduction, ces images révèlent les plus fins détails autant que les taches, les déchirures, les réparations, les traces d'herbe, les autographes estompés par le temps. Tout est là, immuable et photographié en très haute résolution-et, à travers les images, ce sont les histoires personnelles de chacune des personnes qui ont porté ces chaussures qui sont mises en lumière. On rencontre les chaussures portées par l'équipe de football d'Allemagne de l'Ouest durant la «miraculeuse» coupe du monde de 1954 et celles portées par Kathrine Switzer lors du marathon de Boston en 1967, avant que les femmes ne soient officiellement autorisées à y participer; des collaborations avec des stars comme Madonna, Raf Simons, Stella McCartney ou Yohji Yamamoto; de même que des techniques et matériaux innovants de la marque.Accompagnée de textes d'experts, chaque image nous explique le pourquoi et le comment, mais exprime aussi la puissance d'Adidas. Ce que l'on découvre va plus loin que le pur design-au final, ce sont juste des chaussures portées par ceux qui les ont aimées-, elles sont aussi les premiers témoins de nos sports, du design et de notre histoire culturelle, des débuts des frères Dassler et la création d'Adidas à nos jours.
Livre d'histoire, livre d'art et livre de souvenirs captivants, ce livre pluriel compose une vue d'ensemble sur plus de deux siècles d'histoire du tatouage, un éclairage personnel sur la vie des tatoueurs, leur combats et leurs triomphes, les risques professionnels et le courage artistique qui font le sel de cette histoire.
Depuis quarante ans, Henk Schiffmacher se voue corps et âme à sa collection, amassant croquis, motifs, photos et autres documents témoin du monde entier. Chacun des cinq chapitres du livre présentent les pièces maîtresses de cette collection - lithographies, estampes, instruments de tatouage, peintures, photos, affiches, enseignes, dessins originaux et ces motifs de tatouage que les professionnels appellent des «flashes», notamment de planches de flashes vintage extrêmement rares signées par des figures majeures du tatouage occidental à se premières heures. L'ampleur et la variété du tatouage dans le monde s'expose au gré des quelques 700 images du livre: le tatouage indigène des Maoris et des îliens du Pacifique Sud, les traditions antiques de l'Asie et les origines du tatouage occidental old school en Europe et aux États-Unis. Le livre contient aussi une douzaine d'illustrations originales de Schiffmacher typiques de son style inimitable, ainsi qu'une introduction personnelle décrivant le voyage de Schiffmacher l'artiste et le collectionneur, qui façonna sa vision de cet art et de son évolution des bas fonds au grand public.
Schiffmacher pose un regard fascinant sur l'histoire du tatouage à travers ses réflexions personnelles et le récit trépidant de ses aventures. Avec ce livre, nous en apprenons beaucoup sur l'histoire du tatouage, mais aussi sur les épopées et aléas qui ont émaillé la constitution d'une des plus importantes collections dédiées au tatouage dans le monde, par un tatoueur autodidacte amoureux de l'art et de ses pionniers.
En l'espace de quatorze années fugaces, prise en étau entre deux guerres mondiales, l'école d'art et de design allemande Bauhaus a changé la face de la modernité. Guidée par des idéaux utopiques, l'école développa une fusion révolutionnaire entre beaux-arts, artisanat et technologie, qui s'appliquerait à la peinture, la sculpture, le design, l'architecture, le cinéma, la photographie, l'art textile, la céramique, le théâtre et les installations d'art.
À la fois communauté intensément humaine et collectif ouvert au public, le Bauhaus fut fondé par Walter Gropius (1883-1969) et compta parmi ses membres Josef et Anni Albers, Wassily Kandinsky, Paul Klee, Oskar Schlemmer, Gunta Stolzl, Marianne Brandt et Ludwig Mies van der Rohe. Dans ses locaux successivement installés à Weimar, Dessau et Berlin, l'école encouragea les échanges charismatiques et créatifs entre enseignants et étudiants, tous dotés de styles et de goûts personnels et variés, mais unis par leur idéalisme et leur intérêt profond pour l'oeuvre d'art totale, qui puise dans différentes disciplines et pratiques.
Ce livre célèbre l'audace novatrice du mouvement Bauhaus, précurseur dans le développement du modernisme et paradigme de l'éducation artistique, au sein duquel la conjonction entre totale libération de l'expression créative et idées d'avant-garde donna naissance à des créations magnifiques et fonctionnelles.
Il est bien difficile de ranger l'architecte et designer italien Gio Ponti (1891-1979) dans une case. Son oeuvre, extraordinairement prolifique et éclectique, demeure l'une des plus variées et novatrices de l'histoire du design. Initialement formé à l'architecture, Ponti s'est vite intéressé au design industriel et à la décoration intérieure, créant des céramiques, des couverts et de la verrerie. Les oeuvres clés de Ponti jalonnent ce panorama érudit, qui s'attarde aussi sur ses divers projets architecturaux - petits logements, tours d'habitation, écoles ou immeubles de bureaux.
La maison d'habitation fut pour Ponti un centre d'intérêt récurrent et un lieu propice à l'innovation. Son talent pour le design total - une attention particulière pour l'espace intérieur et extérieur - transparaît dans chaque reproduction, chaque plan et chaque dessin présentés dans cet ouvrage. Les espaces colorés, élégants et désinvoltes de Ponti conjuguent un néo-classicisme expressif avec la sensibilité moderniste émergente.
Le fondateur du magazine domus, dont il fut aussi rédacteur en chef presque toute sa vie, ne cessa jamais de faire évoluer et de réinventer son style. Du musée d'art de Denver à sa série d'églises, des instruments ménagers sur mesure au symbole du Milan moderne, la tour Pirelli, cette monographie offre une introduction à la créativité exubérante et à l'impressionnante carrière de Ponti.
Que vous songiez à vous faire tatouer ou que vous soyez juste curieux de savoir jusqu'où les autres sont allés, voici le livre qu'il vous faut. Cette édition spéciale de 1000 Tattoos explore l'histoire de cet art dans le monde entier grâce à de nombreux motifs et photographies - des gravures du XIXe siècle au «body art tribal», des femmes de cirque aux motifs préférés des motards du XXe siècle - et vous offre un aperçu fascinant de l'art du tatouage.
Scandi-tastique!
Le meilleur du design d'Europe du Nord
Les Scandinaves sont connus dans le monde entier pour leur design démocratique inimitable qui abolit la frontière entre artisanat et production industrielle. Ce guide offre un panorama détaillé de la création scandinave de 1900 à nos jours en matière de mobilier, verre, céramique, textile, joaillerie, travail du métal et design industriel, grâce à des articles approfondis consacrés à 125 designers et d'agences de design.
Parmi les designers et agences de design inclus : Verner Panton, Arne Jacobsen, Alvar Aalto, Timo Sarpaneva, Hans Wegner, Tapio Wirkkala, Stig Lindberg, Finn Juhl, Märta Måås-Fjetterström, Arnold Madsen, Barbro Nilsson, Fritz Hansen, Artek, Le Klint, Gustavsberg, Iittala, Fiskars, Orrefors, Royal Copenhagen, Holmegaard, Arabia, Marimekko, and Georg Jensen.
Publié annuellement de 1906 à 1980, Decorative Art, The Studio Yearbook était consacré aux dernières tendances en architecture, agencement intérieur, mobilier, éclairage, objets en verre, textiles, objets en métal et céramique. Depuis que la publication s'est arrêtée; les rares catalogues sont devenus des pièces de collection.
Decorative Art 1950 de TASCHEN explore l'esprit d'optimisme et le consumérisme fervent de la décennie. La technologie et la construction avaient été développées pendant la guerre et ces découvertes pouvaient maintenant être exploitées en temps de paix. La popularisation des plastiques, de la fibre de verre, du latex ont formaté la décennie. L'augmentation des revenus et la reconstruction dans l'après-guerre, des deux côtés de l'Atlantique, ont mené à une explosion de la construction de logements dans les banlieues et dans les centres villes, et ces nouvelles maisons reflétaient un nouveau style de vie. Alors que le design européen était extrêmement inventif, le design américain était à la recherche d'une vision idéalisée du futur -et entre les deux, c'est un style moderne qui s'est développé, et qu'on observe de façon très nette dans ces pages. Cette vue d'ensemble de la décennie comprend les oeuvres de créateurs tels que Charles et Ray Eames, George Nelson, Hans Wegner et Gio Ponti.
Vertigineuses, raffinées, summum du glamour, à la fois contraignantes et libératrices, objets d'art pourtant éminemment ordinaires, les chaussures racontent nos rapports changeants au désir, au pouvoir et à l'opulence. Lacez vos brodequins et parcourez l'exceptionnel placard à chaussures du musée du Fashion Institute of Technology - ainsi que quatre siècles d'histoire de l'accessoire le plus couru de la mode.Avec des modèles créés par Salvatore Ferragamo, Christian Louboutin, Manolo Blahnik, Roger Vivier et d'autres, classés de A à Z, ce recueil célèbre les marques les plus iconoclastes et convoitées au gré de quelques 400 modèles choisis dans la collection admirablement préservée du FIT. Des textes de Daphne Guinness, Valerie Steele, Colleen Hill et de l'équipe experte de conservateurs du musée explorent le legs des créateurs présentés et l'impact culturel durable de leurs créations. Les esquisses, publicités et photographies originales issues des archives privées des créateurs, auxquelles nous avons eu un accès exclusif, mettent en lumière les génies à l'origine de ces petits bonheurs fonctionnels et sculpturaux dont nous ne saurions pas nous passer.Également disponible en Édition collector limitée à 1.000 exemplaires numérotés avec un portfolio rassemblant trois impressions d'art exclusives de Manolo Blahnik.
Plus que tout autre meuble, la chaise s'est prêtée aux fantasmes les plus fous des designers. La courbe particulière du dossier ou la tournure d'un pied, l'angle d'un siège ou la couleur de l'ensemble, autant de détails qui reflètent le parti pris stylistique de chaque époque. De Gerrit Rietveld et Alvar Aalto à Verner Panton ou Eva Zeisel, de l'Art nouveau au Style international, du pop art au postmodernisme, l'histoire de la chaise est si complexe qu'il fallait bien un ouvrage encyclopédique aussi exhaustif que celui-ci pour lui rendre justice. Elles y trônent toutes: en bois cintré par Thonet, machines à s'asseoir chez Hoffmann, la Wassily de Marcel Breuer et les chaises avec accoudoirs avant-gardistes de Ron Arad. Les premiers créateurs et les pionniers de la chaise moderne sont présentés aux côtés des innovations les plus récentes. Le livre consacre une page à chaque chaise, présentée dans sa forme la plus pure, avec des informations biographiques et historiques sur elle et son designer. Un ouvrage éclairant pour les passionnés de design, et une référence pour les collectionneurs!
Le duo créatif formé par Charles Eames (1907-1978) et Ray Kaiser Eames (1912-1988) a transformé le caractère visuel de l'Amérique. Bien qu'ils soient surtout connus pour leur mobilier, mari et femme ont aussi été des pionniers dans les domaines de l'architecture, du design textile, de la photographie et du cinéma.
Le travail des Eames a défini une modernité nouvelle, multifonctionnelle, exemplaire par la jonction qu'il a opérée entre artisanat et design, ainsi que par son utilisation de matériaux modernes, en particulier le contreplaqué et les plastiques. La chaise Eames Lounge Chair Wood, façonnée en contreplaqué moulé et cintré, a participé à définir le mobilier du vingtième siècle, et la contribution du couple au projet Case Study Houses s'appuie de façon inventive sur les matériaux industriels tout en proposant un plan flexible composé d'espaces polyvalents qui deviendra une marque de fabrique de l'architecture moderne d'après-guerre.
Des premières expérimentations mobilières du couple à leur court-métrage fondateur Powers of Ten, ce livre aborde tous les aspects de l'illustre répertoire des Eames et son impact révolutionnaire sur la vie des classes moyennes américaines.
Passé de mode.
L'histoire de la mode contemporaine, de la haute couture au prêt-à-porter.
Le 20e siècle a été témoin du grand essor de la mode: autrefois confinée aux luxueux salons parisiens et réservée à une élite fortunée, la mode est aujourd'hui une industrie mondiale employant des millions de personnes où les nouvelles collections arrivent en boutique alors que les mannequins défilent encore sur le podium. Dans le même temps, les silhouettes féminines qui ont marqué chaque période ont évolué jusqu'à en devenir méconnaissables: des crinolines de la maison Worth aux robes coupées en biais de Madeleine Vionnet, du New Look de Dior au «Chelsea Look» de Mary Quant, du costume blanc de Halston aux jeans taille basse Frankie B. Du côté des hommes, le prêt-à-porter a signé la fin des costumes sur mesure bien avant la mode des chemises hawaïennes ou des jeans slim.
20th-Century Fashion offre une rétrospective de cent ans de style à travers 400 publicités de mode issues de la collection Jim Heimann. Le livre retrace les tendances et les silhouettes du 20e siècle, mais aussi l'évolution du marché de la mode et de ses cibles, au fil de l'intégration de la mode dans la culture populaire et de son développement dans la grande distribution durant plusieurs décennies. Une introduction approfondie et une chronologie illustrée reviennent en détail sur ceux qui ont créé la mode et lancé les tendances, et sur la façon dont les événements historiques, les maisons de mode, les détaillants, le cinéma, les magazines et les célébrités ont façonné notre façon de nous habiller, hier comme aujourd'hui.
Publié annuellement de 1906 à 1980, Decorative Art, The Studio Yearbook était consacré aux dernières tendances en architecture, agencement intérieur, mobilier, éclairage, objets en verre, textiles, objets en métal et céramique. Depuis que la publication s'est arrêtée; les rares catalogues sont devenus des objets prisés des collectionneurs.
Decorative Art 1960s revient sur les prémices de la pop, au coeur d'une décennie de mutations sociales, sexuelles et politiques inédites. Toutes les énergies bouillonnantes à travers le monde dans les années 1960 ont engendré un nouveau design. La liberté était dans l'air, les hommes marchaient sur la Lune et plus aucune limite ne bridait la créativité.
Le concept de «style de vie» s'est réellement imposé et, bien que les premières années de la décennie aient encore vu une rivalité entre l'artisanat et l'industrie, à la fin, l'iconographie ethnique et pop s'était imposée partout dans l'esthétique. La lumière était également incontournable dans le façonnage des intérieurs. La liberté de choix et l'expression personnelle étaient les mots clés pour les jeunes consommateurs, et des personnalités comme Panton, Sottsass, Paolozzi, Parisi, Sarpaneva et Lomazzi ont fait de leur mieux pour y répondre.
L'habit fait le moine. La façon dont une personne s'habille, que ce soit avec un sari, un kimono ou un tailleur, est une des clés essentielles de sa personnalité et de son appartenance culturelle, sociale et même religieuse. Fondé en 1978, le Kyoto Costume Institute (KCI) accorde toute son importance à cette approche sociétale, historique et artistique du vêtement. Le KCI détient une des collections de costumes les plus complètes au monde qui regroupe une large gamme de costumes historiques, de sous-vêtements, de chaussures et d'accessoires de mode, du XVIIIe siècle à nos jours. Fascinant voyage à travers la mode du XVIIIe au XXe siècle, Fashion History offre une déambulation dans la vaste collection de l'Institut. Avec ses remarquables photos qui présentent les costumes habilement mis en scène sur des mannequins réalisés sur mesure, le livre témoigne de ce que le «vêtement est une manifestation essentielle de notre être» et de la passion de l'Institut pour la mode, considérée comme forme d'art à la fois riche et complexe. Les auteurs comptent parmi les plus grands esprits et les observateurs les plus perspicaces des études sur la mode: Akiko Fukai (directrice et conservatrice émérite du Kyoto Costume Institute), Tamami Suoh (conservatrice du Kyoto Costume Institute), Miki Iwagami (conférencière en histoire de la mode à la Bunka Gakuen University, Tokyo), Reiko Koga (ancien professeur d'histoire de la mode à la Bunka Gakuen University) et Rie Nii (conservatrice du Kyoto Costume Institute).
Publié annuellement de 1906 à 1980, Decorative Art, The Studio Yearbook était consacré aux dernières tendances en architecture, agencement intérieur, mobilier, éclairage, objets en verre, textiles, objets en métal et céramique. Depuis que la publication s'est arrêtée; les rares catalogues sont devenus des objets prisés des collectionneurs.
Ce volume met en lumière l'esthétique futuriste et expérimentale des années 1970. Après les révolutions des années 1960, le monde du design et de l'architecture est devenu le nid d'idées toujours plus enthousiasmantes et mouvantes, avec des écoles et mouvement radicalement opposés. À bien des égards, cette décennie est la plus extrême du design, en comparaison aux précédentes.
L'expérimentation était partout et de nombreux projets, jugés peu pratiques, incarnaient des visions avant-gardistes de la décoration et du design. Plusieurs groupes prônaient un retour aux méthodes naturelles, rejetant le style en faveur de l'artisanat ou poussant la logique d'un mode de vie industriel à son paroxysme. Decorative Art 1970s inclut les travaux des célébrités de la décennie, comme Afra et Tobia Scarpa, Luigi Colani, Achille Castiglioni, Kisho Kurokawa, Norman Foster, Richard Meier et Theo Crosby.
Le design comme mode de vie.
L'oeuvre complet de Marc Newson, actualisée.
Cette monographie consacrée à la carrière du designer Marc Newson peut se lire, si vous en avez l'ambition, comme un catalogue de conseils de vie. Imaginez: vous vous levez le matin, vous prenez un bain, vous séchez vos cheveux, vous vous habillez, vous mettez vos lunettes, vous vous aspergez de parfum, vous vous asseyez pour prendre votre petit déjeuner, un thé avec des toasts et des oeufs; vous regardez votre montre, vous bouclez votre valise, vous allez à l'aéroport en voiture, vous prenez un avion, puis embarquez pour une croisière sur un yacht de luxe. La particularité de ce scénario, outre l'opulence qu'il révèle, c'est que tout pourrait y avoir été conçu par Newson: lit, baignoire, sèche-cheveux, vêtements, chaussures, lunettes, flacon de parfum, bouilloire électrique, théière, grille-pain, poêle, spatule, table de cuisson, assiettes, ustensiles, montre, chaise, table, luminaires, valise, voiture, avion, et même le yacht.
Un projet n'est jamais trop petit ni trop grand pour Newson et sa carrière témoigne de ce que peut accomplir une personne dotée d'une ambition, d'une ingéniosité, d'une curiosité et d'une polyvalence sans bornes. Qu'il crée des objets industriels, des meubles en édition limitée ou des super-projets uniques, Newson s'est hissé au sommet de son art en brouillant les pistes et en dessinant de nouveaux territoires. Qualifier sa contribution au design de révolutionnaire et d'influente ne rend pas justice à Marc Newson - pour être plus précis, son travail est le mètre étalon auquel est invariablement comparé celui des autres designers.
Cet ouvrage encyclopédique réunit toutes les créations de Newson à ce jour, depuis ses premières pièces fondatrices comme le Pod of Drawers et la Lockheed Lounge (qui détient le record mondial du prix atteint par le meuble d'un designer vivant), classées chronologiquement au sein de différentes catégories: objets, mobilier, décoration intérieure, transport et joaillerie & horlogerie. Chaque description raconte aussi la genèse de la pièce et s'appuie largement sur des citations du designer lui-même. L'ensemble est complété par un index visuel des oeuvres de Newson, une chronologie de sa vie, une bibliographie et l'historique de ses expositions.
L'habit fait le moine. La façon dont une personne s'habille, que ce soit avec un sari, un kimono ou un tailleur, est une des clés essentielles de sa personnalité et de son appartenance culturelle, sociale et même religieuse. Fondé en 1978, le Kyoto Costume Institute (KCI) accorde toute son importance à cette approche sociétale, historique et artistique du vêtement. Le KCI détient une des collections de costumes les plus complètes au monde qui regroupe une large gamme de costumes historiques, de sous-vêtements, de chaussures et d'accessoires de mode, du XVIIIe siècle à nos jours.
Fashion, fascinant voyage à travers les trois derniers siècles de mode, met en valeur la vaste collection de l'Institut. Avec ses remarquables photos qui présentent les costumes habilement mis en scène sur des mannequins réalisés sur mesure, le livre témoigne de ce que le «vêtement est une manifestation essentielle de notre être» et de la passion de l'Institut pour la mode, considérée comme forme d'art à la fois riche et complexe.
Les auteurs comptent parmi les plus grands esprits et les observateurs les plus perspicaces des études sur la mode: Akiko Fukai (directrice et conservatrice émérite du Kyoto Costume Institute), Tamami Suoh (conservatrice du Kyoto Costume Institute), Miki Iwagami (conférencière en histoire de la mode à la Bunka Gakuen University, Tokyo), Reiko Koga (ancien professeur d'histoire de la mode à la Bunka Gakuen University) et Rie Nii (conservatrice du Kyoto Costume Institute).
Parce qu'elle ne cesse jamais de s'étendre et d'innover, la conception d'emballage est un des secteurs les plus vivants, évolutifs et concurrentiels du design actuel. Il est influencé par de nombreux facteurs, comme les attentes croissantes des consommateurs, des stratégies marketing de plus en plus contraignantes, l'évolution des pratiques environnementales et la volonté d'adhérer aux revendications en termes de diversité, notamment culturelle. En se développant à cette cadence aussi rapide qu'astreignante, la conception d'emballage a englobé des ingrédients et des experts de tous horizons -designers, prestataires de service, fournisseurs de matériaux et imprimeurs - pour former un écosystème à part entière.Les Pentawards voguent sur cet essor et mettent le secteur en ébullition depuis 15 ans. Chaque année, la remise de ces prix établit une référence mondiale en termes de qualité en désignant les créations les plus éclectiques et futées. Le Package Design Book - Volume 2 présente les lauréats de la décennie passée et célèbre l'emballage comme forme d'art kaléidoscopique. Il expose les développements les plus récents et inattendus mais dresse aussi un panorama clair de l'évolution de cette industrie, notamment dans le domaine des nouveaux matériaux et de la responsabilité environnementale.
En ce début de XXIe siècle, on perçoit clairement les bouleversements considérables qui ont marqué le siècle précédent dans le domaine du design. L'esthétique moderne a fait son entrée dans la vie de tous les jours avec des résultats souvent stupéfiants. Logements et bureaux se sont transformés en véritables galeries de style et d'innovation.
Du mobilier au graphisme, cet ouvrage revient sur le travail de tous les artistes qui ont recréé et façonné le monde moderne avec une incroyable variété de matériaux. De l'organique au géométrique, de l'Art déco au high-tech en passant par le pop, ce livre réserve une place à tous les grands noms - Harry Bertoia, De Stijl, Dieter Rams, Philippe Starck, Charles et Ray Eames, pour n'en nommer que quelques-uns.
Cet ouvrage essentiel propose un voyage complet à travers formes et couleurs, genres et fonctions de l'histoire du design du XXe siècle. C'est un répertoire alphabétique des designers et des écoles de design qui offre un tableau d'ensemble du mode de vie contemporain. Abondamment illustré, voici le design dans sa plus belle expression.
Publié à l'origine en France entre 1876 et 1888, Le Costume historique d'Auguste Racinet représentait l'étude la plus complète et la plus pertinente jamais entreprise sur l'histoire de l'habillement. Cet ouvrage, qui couvre en six tomes l'histoire mondiale du costume, de la mode et du style depuis l'Antiquité jusqu'à la fin du XIXe siècle, demeure tout à fait unique en son genre, par son ampleur comme par sa précision. Cette réédition de TASCHEN restitue les illustrations délicieusement précises et colorées de Racinet, ainsi que ses savoureuses descriptions et ses commentaires souvent spirituels. Couvrant tout depuis la tenue antique des Étrusques jusqu'à la mode des Françaises, l'ensemble suit le découpage originel de Racinet, par culture et par thème. Impressionnant par son ampleur et passionnant par ses recherches et son souci du détail, Le Costume historique représente une référence inestimable pour les étudiants, designers, artistes, illustrateurs et historiens, ainsi qu'une source d'inspiration très riche pour quiconque s'intéresse aux habits et au style.
En 1983, le créateur de mode japonais Issey Miyake déclarait au New Yorker qu'il aspirait à «toujours aller de l'avant, briser le moule». Avec les collections iconoclastes qu'il présente ensuite, il ne se contente pas de briser le moule, c'est le vêtement lui-même qu'il refond. Ses créations fusionnent poésie et pragmatisme et brouillent les frontières entre tradition, technologie et fonction quotidienne.
Cette histoire de la mode selon Miyake de 1960 à 2022 pose un regard expert sur l'audace et la vision du créateur. Initié et conçu par Midori Kitamura, le livre s'intéresse aux matériaux et techniques que Miyake place au coeur d'une démarche centrée sur la texture depuis le tout début de sa carrière, avant même la création du Miyake Design Studio. Puisant dans presque 50 années de collaboration avec Miyake, Kitamura a élaboré une encyclopédie de référence de ses innovations techniques et matérielles à partir des vêtements créés selon le concept A Piece of Cloth, ceux des Body Series des années 1980, des collections Miyake Pleats, et de pièces aussi pratiques et quotidiennes que ses Pleats Please.
Des photos saisissantes immortalisent des créations animées par cette originalité de tous les jours, si particulière. Dans un essai passionnant, la directrice artistique Kazuko Koike, personnalité culturelle de premier plan, propose à la fois une chronologie complète du travail de Miyake et un portrait plus personnel que jamais du créateur, en décrivant l'ambition et les inspirations qui guident son répertoire depuis sa plus tendre adolescence. Cet hommage intemporel à un des couturiers les plus novateurs de notre temps devrait être dans les bibliothèques de tous les créateurs, étudiants et passionnés de mode!
