«Dans GENESIS, mon appareil photo a permis à la nature de me parler. Écouter fut pour moi un privilège.» - Sebastião Salgado En 1970, à 26 ans, Sebastião Salgado se retrouve par hasard pour la première fois avec un appareil photo entre les mains. En regardant dans le viseur, il a une révélation: brusquement, la vie prend un sens. Dès lors - même s'il lui a fallu des années de travail acharné avant d'acquérir l'expérience nécessaire pour pouvoir vivre de son travail de photographe - l'appareil photo devient l'outil par lequel il interagit avec le monde. Salgado, qui a «toujours préféré la palette en clair-obscur des images en noir et blanc» prend quelques photos couleur à ses débuts, avant d'y renoncer définitivement. Élevé dans une ferme au Brésil, Salgado éprouve un amour et un respect profonds pour la nature; il se montre aussi particulièrement sensible à la façon dont les êtres humains sont affectés par les conditions socio-économiques souvent accablantes dans lesquelles ils vivent. Des nombreuses oeuvres que Salgado a réalisées au cours de son admirable carrière, trois projets de longue haleine se démarquent particulièrement: La Main de l'homme (1993) qui illustre le mode de vie bientôt révolu de travailleurs manuels du monde entier, Exodes (2000), témoignage sur l'émigration massive causée par la faim, les catastrophes naturelles, la dégradation de l'environnement et la pression démographique, et ce nouvel opus, GENESIS, résultat d'une expédition épique de 8 ans à la redécouverte des montagnes, déserts et océans, animaux et peuples qui ont jusqu'ici échappé à l'empreinte de la société moderne - les terres et la vie d'une planète encore préservée. «Près de 46% de la planète semblent encore comme au temps de la Genèse», fait remarquer Salgado. «Nous devons sauvegarder ce qui existe.» Le projet GENESIS, en lien avec l'Instituto Terra créé par Salgado cherchent à montrer la beauté de notre planète, à inverser les dommages qu'on lui a infligés et à la sauvegarder pour les générations futures. Au cours de 30 voyages, à pied, en avion léger, en bateau, en canoë et même en ballon, par une chaleur extrême ou un froid polaire et dans des conditions parfois dangereuses, Salgado a réuni des images qui nous montrent la nature, les peuples indigènes et les animaux dans toute leur splendeur. Maîtrisant le monochrome avec un talent qui rivalise avec celui du virtuose Ansel Adams, Salgado fait entrer la photographie noir et blanc dans une autre dimension; les nuances de tons de ses oeuvres, le contraste entre le clair et l'obscur, évoquent les tableaux de grands maîtres comme Rembrandt et Georges de la Tour. Que découvre-t-on dans GENESIS? Les espèces animales et les volcans des Galapagos; les manchots, les lions de mer, les cormorans et les baleines de l'Antarctique et de l'Atlantique sud; les alligators et les jaguars du Brésil; les lions, les léopards et les éléphants d'Afrique; la tribu isolée des Zoé au fin fond de la jungle amazonienne; le peuple korowaï vivant à l'âge de pierre en Papouasie occidentale; les éleveurs de bétail nomades dinka du Soudan; les nomades nénètses et leurs troupeaux de rennes dans le cercle arctique; les communautés mentawai des îles à l'ouest de Sumatra; les icebergs de l'Antarctique; les volcans d'Afrique centrale et de la péninsule du Kamtchatka; les déserts du Sahara; le rio Negro et le rio Jurua en Amazonie; les failles du Grand Canyon; les glaciers de l'Alaska... Après s'être rendu là où personne n'était jamais allé, et avoir consacré tant de temps, d'énergie et de passion à la réalisation de cet ouvrage, Salgado considère GENESIS comme sa «lettre d'amour à la planète».
Vous découvrirez: -De nombreuses images inédites, des clichés pris pendant le séjour d'Ai à New York aux photos de production de ses immenses installations, en passant par des prises de vue de son atelier.
-Des essais d'Uli Sigg, l'ami de longue date d'Ai et ancien ambassadeur de Suisse en Chine, de Roger M. Buergel, commissaire de l'exposition Documenta de 2007 qui accueillit l'oeuvre Fairytale, des experts en histoire culturelle et politique de la Chine, Carlos Rojas, William A. Callahan et James J. Lally.
-De nombreuses citations tirées d'interviews d'Ai Weiwei, réalisées à l'occasion de cet ouvrage.
-Des têtes de chapitres en papier découpé et conçues par l'artiste.
-L'ouvrage est enveloppé dans un foulard de soie (110 x 100 cm de soie habotai, impression numérique), reproduisant un détail de Straight, l'oeuvre d'Ai créée en 2008 qui fait référence au tremblement de terre du Sichuan.
Édition limitée à 1.000 exemplaires (nos 101 à 1.100). Également disponible en édition de luxe limitée (nos 1 à 100).
Prolongement de l'oeuvre de Christo et Jeanne-Claude.
La vie et l'oeuvre de Christo et Jeanne-Claude, dans un livre conçu par Christo lui-même.
"Personne ne critique un tableau avant qu'il ne soit peint. Nos projets sont critiqués et discutés, on en pèse le pour et le contre, avant même qu'ils ne soient réalisés." - Christo.
Le travail des artistes Christo et Jeanne-Claude transcende les frontières, résiste aux catégories et embrasse la contradiction. Voici le seul ouvrage grand format qui regroupe tous leurs projets, de leur premiers empaquetages d'arbres et de bâtiments jusqu'aux spectaculaires manifestations urbaines, comme The Gates à Central Park, le Reichstag empaqueté à Berlin ou Running Fence en Californie, sans oublier tout l'éventail des premières oeuvres de Christo qui forment le socle des ambitieux projets à grande échelle que les artistes ont réalisés ensemble. Conjuguant biographie, étude critique et catalogue, cet ouvrage retrace dans un texte alerte du critique Paul Goldberger la vie et l'oeuvre d'un couple d'artistes qui a inventé sa propre catégorie, catégorie à mi-chemin entre l'art conceptuel, l'aménagement urbain, l'architecture, la politique, l'ingénierie et l'art.
Ce volume offre un panorama complet de la vie et de l'oeuvre de Christo et Jeanne-Claude, des premières photos de famille aux plans des futurs projets. Dans une luxueuse édition conçue par Christo lui-même, vous découvrirez des centaines d'inédits, photos, dessins et plans des diverses réalisations, une histoire à la fois concise et détaillée couvrant l'ensemble de l'oeuvre, et des interviews approfondies. En plus d'une documentation photographique très riche illustrant l'intégralité de l'oeuvre de Christo et Jeanne-Claude, l'ouvrage inclut la transcription d'une conversation entre les artistes et Paul Goldberger, dernière interview de Jeanne-Claude portant sur son travail avant sa mort, fin 2009. Conçu à l'origine pour marquer les 75 ans des artistes, ce livre forme aujourd'hui un monument éloquent à la mémoire de Jeanne-Claude, ainsi qu'un hommage à l'oeuvre de deux artistes dont l'imagination s'est inscrite dans le paysage de tous les continents.
Édition de collection limitée à 1.000 exemplaires, numérotés et signés par Christo. Également disponible dans une édition de luxe de 100 exemplaires, accompagnée d'une lithographie originale signée par Christo.
Ses oeuvres ont inspiré un best-seller du New York Times, un film avec Scarlett Johansson et Colin Firth, elles ont fait exploser le nombre d'entrées dans les institutions artistiques d'Amsterdam à Washington et imposé des mesures spéciales pour contrôle la foule au Mauritshuis, à La Haye, où des milliers de visiteurs défilent pour apercevoir l'énigmatique et séduisante Jeune Fille à la perle, surnommée la «Mona Lisa néerlandaise».
De son vivant, pourtant, la renommée de Johannes Vermeer (1632-1675) dépassait à peine sa Delft natale et un petit cercle de commanditaires. Après sa mort, seuls quelques collectionneurs et marchands d'art ont empêché son nom de sombrer dans l'oubli. Hors des Pays-Bas, ses oeuvres ont souvent été attribuées à tort à d'autres artistes. Ce n'est qu'à la moitié du XIXe siècle que Vermeer a attiré l'attention du monde artistique, qui s'est soudain penché sur ses détails narratifs, ses textures finement nuancées et ses majestueux pans de lumière. Une fois le génie redécouvert, il est définitivement sorti de l'ombre.
Cette édition XL rassemble le catalogue complet de l'oeuvre de Vermeer, regroupant dans les meilleures reproductions imaginables ses scènes paisibles et pourtant captivantes, trésors des galeries et musées européens et américains. De la rédaction d'une lettre à une leçon de musique en passant par les préparatifs culinaires, le répertoire d'actions domestiques restreint mais très évocateur de Vermeer se dévoile, grâce aux nouvelles reproductions, dans un format généreux comprenant trois doubles pages à déplier. De nombreux détails mettent en valeur le talent extraordinaire de l'artiste à témoigner des traditions et modes de l'âge d'or néerlandais, mais aussi à évoquer toute une histoire à travers une simple expression, un geste esquissé ou un regard fugace.
Rayons de lumière.
Man Ray, le maître polyvalent de l'imagerie moderniste.
Man Ray (1890-1976) était un moderniste aux intérêts multiples, qui appliqua son talent à la peinture, à la sculpture, au cinéma, à l'estampe et à la poésie. C'est cependant son oeuvre photographique, notamment ses études de nus, ses photos de mode et ses portraits, qui ont inscrit son nom parmi les pionniers, auteurs d'un nouveau chapitre de l'histoire de l'art et de la technique photographique.
À travers une large sélection de ses oeuvres connues ou plus discrètes, cette monographie compose une vue d'ensemble vivante du travail protéiforme de Man Ray et de son legs photographique. Elle retrace sa vie depuis ses débuts d'artiste à New York jusqu'au rôle central qu'il joua dans l'avant-garde parisienne, qui le vit figurer dans la première exposition surréaliste avec Jean Arp, Max Ernst, André Masson, Joan Miró et Pablo Picasso, et au sein de laquelle il produisit des oeuvres aussi illustres que Noire et blanche et Le Violon d'Ingres. Au fil de très nombreux exemples de natures mortes et de portraits, notamment, on découvre comment Man Ray a constamment expérimenté de nouvelles techniques et poussé la photographie hors du domaine documentaire pour la transporter vers des expressions poétiques éthérées en jouant avec l'exposition multiple, la solarisation et sa version personnelle du photogramme qu'il s'amusait à baptiser «rayographie».
Quand David Hockney identifie l'iPhone comme un instrument autant qu'un matériau, de nouveaux horizons artistiques s'ouvrent à lui. ll réalise ses premières oeuvres numériques au printemps 2009, avec pour sujet son paysage matinal, brossé en grandes lignes et couleurs éclatantes sur ce support où les teintes les plus subtiles apparaissent comme de pures expressions de la lumière. En 2010, Hockney commence à travailler sur iPad et son répertoire artistique s'élargit avec l'écran, qui autorise des jeux de couleur, de lumière et de traits plus complexes encore. Chaque image du livre saisit un moment fugace depuis une fenêtre de la maison de Hockney, dans le Yorkshire: aube flamboyante, ciel matinal lila, paysages nocturnes paisibles ou arrivée soudaine du printemps. On se laisse captiver par des détails, des gouttes de pluie sur la vitre, des lumières lointaines dans la nuit, un reflet sur un vase ou la variété de la végétation qui borde le carreau. Au gré de 120 dessins réalisés entre 2009 et 2012, sélectionnés et organisés par l'artiste en personne, faites l'expérience du temps qui passe, par le regard de David Hockney! Ce livre d'artiste, d'abord paru en édition signée exclusive, resort aujourd'hui dans une version illimitée, dont le toujours généreux format XL présente les oeuvres de Hockney dans une résolution parfaite. C'est l'occasion de suivre le conseil du Times à propos de ce livre: «Si vous aimeriez que David Hockney vous offre un bouquet, saisissez cette chance!»
«Les dîners de Gala ont été voués aux plaisirs du goût... Si vous êtes un disciple de ces peseurs de calories qui transforment les joies d'un repas en punition, refermez ce livre, il est trop vivant, trop agressif et bien trop impertinent pour vous.» ? Salvador Dali Nourriture terrestre et surréalisme font très bon ménage: sexe et homards, collage et cannibalisme, rencontre d'un cygne et d'une brosse à dents sur un fond de tarte. Les opulents dîners mondains lancés par Salvador Dali (1904-1989) et son épouse et muse, Gala (1894-1982), ont donné matière à bien des légendes. Heureusement pour nous, Dali a publié un livre de recettes en 1973, Les Dîners de Gala, qui révèle bien des ingrédients sensuels, fantaisistes et exotiques qui firent la renommée de ces réunions festives.
Cette réédition rassemble en 12 chapitres l'intégralité des 136 recettes, spécialement illustrées par Dali et organisées par types de plats, y compris les aphrodisiaques. Les images et les recettes sont accompagnées des extravagantes pensées de Dali sur des sujets tels que les conversations à table: «La mâchoire est notre meilleur outil pour atteindre la connaissance philosophique.» Toutes ces recettes élaborées peuvent être réalisées à la maison, bien que certaines demanderont des talents plus assurés et un garde-manger bien fourni. Il s'agit là d'une cuisine ancienne école faite de plats concoctés par de grands chefs français, maîtres de restaurants étoilés à Paris, tels que Lasserre, La Tour d'Argent, Maxim's et Le Train Bleu. Mais le bon goût, de même que le plaisir voluptueux, ne se démode jamais. En rendant ce livre accessible à un large public, TASCHEN offre à la cuisine d'aujourd'hui une oeuvre d'art, un livre de cuisine pratique et une aventure riche en sensations.
Au tournant du XXe siècle, le photographe américain Edward Sheriff Curtis (1868-1952) se lance dans le projet qui l'occupera pendant trente ans, pour composer une étude magistrale sur les Indiens d'Amérique du Nord. Son approche ambitieuse, tant d'un point de vue artistique que scientifique, lui a permis de recenser en mots et en images les traces du mode de vie traditionnel des Indiens, déjà en voie de disparition.
Se dévouant entièrement à cette entreprise, Curtis est parti à la rencontre de 80 tribus amérindiennes, de la frontière du Mexique au détroit de Behring, gagnant leur confiance grâce à sa patience et sa sensibilité. Son oeuvre a été publiée en 20 volumes entre 1907 et 1930 sous le titre de The North American Indian, mais le tirage étant limité à 272 exemplaires, les originaux sont vite devenus très rares.
Ce livre rassemble l'intégralité du portfolio amérindien de Curtis en une seule publication, offrant ainsi à nouveau accès à cette extraordinaire entreprise, précieux document historique et triomphe de la forme photographique.
À part Turner, aucun artiste n'a comme Claude Monet (1840-1926) autant travaillé à capturer la lumière sur la toile. De tous les impressionnistes, celui dont Cézanne disait qu'il n'était « qu'un oeil, mais bon Dieu, quel oeil ! », est le seul à ne jamais s'être écarté du principe de fidélité absolue à la sensation visuelle, peignant au plus près de ce qu'il voyait.
On a dit que Monet avait réinventé les possibilités de la couleur. Que ce soit à travers son intérêt précoce pour les estampes japonaises, le temps qu'il passé pendant son service militaire sous la lumière éblouissante de l'Algérie ou le fait qu'il connaissait personnellement les plus grands peintres de la fin du XVIIIe siècle, il est vrai que ce que Monet a créé tout au long de sa carrière a changé pour toujours notre manière de percevoir le monde tel qu'il est et ce qui nous entoure. Il atteint le sommet de ses recherches avec la série tardive des nymphéas peinte dans son jardin de Giverny, qui, par la manière dont elle se détache quasiment de la forme, constitue véritablement l'origine de l'art abstrait.
Cette biographie rend parfaitement justice à cet artiste absolument remarquable qui compte parmi les plus marquants et offre de nombreuses reproductions et photos d'archives pour accompagner un commentaire aussi fin qu'approfondi.
Depuis qu'Henry David Thoreau a décrit, dans Walden, ou la vie dans les bois (1854), ses deux années, deux mois et deux jours passés à vivre dans une cabane à Walden Pond, au Massachusetts, l'idée du modeste refuge séduit l'âme moderne. Ces dix dernières années, alors que notre existence matérielle et notre empreinte environnementale ont connu une croissance exponentielle, des architectes du monde entier se sont intéressés de près aux possibilités qu'offrent les demeures minimalistes isolées à faible impact écologique.
Ce nouveau titre TASCHEN, qui allie textes instructifs, somptueuses photographies et brillantes illustrations actuelles de Marie-Laure Cruschi, explore la façon dont cette architecture spécifique offre de véritables opportunités à la pensée créative. En rejetant toute forme d'excès, la cabane limite l'envahissement spatial au minimum vital, et, en répondant à son cadre typiquement rustique, met en avant des solutions respectueuses de l'environnement. En cela, les cabanes mettent en valeur quelques-unes des pratiques les plus inventives, les plus tournées vers l'avenir, de l'architecture contemporaine, Renzo Piano, Terunobu Fujimori, Tom Kundig et de nombreux tout nouveaux talents de la profession s'intéressant tous à ces micro-sanctuaires.
Les cabanes sélectionnées pour cette publication font ressortir la richesse de ce genre, à la fois en termes d'utilisation et de géographie. D'un atelier d'artiste sur la côte du Suffolk en Angleterre, jusqu'aux huttes écologiques de la région des Ghats occidentaux en Inde, cette étude se révèle aussi passionnante par sa dimension internationale que par son éventail d'informations, de clients et de situations. Mais la ligne directrice de ce recueil demeure l'innovation architecturale, associée à un sentiment de contemplation et de coexistence qui a de quoi inspirer alors que les gens se tournent à nouveau vers la nature et vers un modèle d'existence au monde moins destructeur.
Master Of Form. Fusion of architecture, art and engineering. Santiago Calatrava is a renowned architect, structural engineer and artist. Recent projects such as the Athens 2004 Olympic sports complex, the Turning Torso in Malmo, and TGV station in Liege, have brought him international acclaim. The only architect to exhibit at both the Museum of Modern Art and the Metropolitan Museum of Art in New York, he is presently designing the main transportation hub for Ground Zero in Manhattan, as well as the tallest building in the USA: the 150-story Chicago Tower. Calatrava collaborated extensively on this monograph, which traces his career and places his architecture in the context of his art and engineering prowess. All of his works, from the suspended swimming pool at Zurich's Federal Institute of Technology to his latest, startling designs, are featured in this lavishly illustrated volume. This updated 2014 trade edition of the original large monograph includes new projects such as the Peace Bridge in Calgary, Canada, the Conference and Exhibition Center in Oviedo, Spain, and the Mediopadana Station in Reggio Emilia, Italy.
Aux États-Unis en 1935, au milieu des ravages de la Grande Dépression, la United States Farm Security Administration (FSA) est fondée pour répondre à la pauvreté qui touche les campagnes du pays. Elle vise à améliorer les conditions de vie des métayers, des petits exploitants et des fermiers pauvres propriétaires de terrain par des programmes de relocalisation et de collectivisation, ainsi que par l'instauration de nouvelles méthodes de culture agricole. En parallèle, dans le cadre de son projet de documentation, la FSA engage des photographes et des écrivains pour rendre compte de la pauvreté du milieu rural et ainsi «révéler l'Amérique aux Américains».
Cet ouvrage révèle l'immense portée du travail réalisé par la FSA entre 1935 et 1943, honorant sa détermination et son engagement à évoquer tous les sujets, à parcourir tous les États et à réunir toutes les esthétiques. Les photographes étaient répartis dans quatre immenses régions mais pouvaient agir de façon autonome, afin de livrer leurs impressions personnelles dans le même temps qu'ils participaient à cette mémorable enquête sur une nation. Au fil de leurs images en couleurs ou en noir et blanc, on croise des ouvriers du coton, des enfants au détour d'une rue et des ouvriers relocalisés en chemin. On voit ces sujets, subissant les éléments naturels, les moments qui rythment la vie humaine et les aléas de l'économie mondiale. On croise une icône immortalisée par Dorothea Lange, cette Mère migrante aux traits burinés, à l'expression soucieuse, entourée de ses deux enfants.
Ces images ont en commun leur engagement à montrer la singularité et la dignité de chaque sujet, autant qu'à témoigner d'une période particulière de l'histoire de l'Amérique et à saisir ces étapes universelles qui voient tout être humain grandir, jouer, manger, vieillir, souffrir et mourir. Devant l'objectif de photographes aussi lucides que sensibles, parmi lesquels Dorothea Lange, Jack Delano, Russell Lee, Marion Post Wolcott, Walker Evans et Ben Shahn, les sujets de ces photos se révèlent soumis aux épreuves de leur destin et de l'Histoire, pris dans le tourbillon de la vie et pourtant faisant face au spectateur avec ce qui leur appartient totalement: une présence singulière, unique, inoubliable.
Léonard de Vinci, l'un des êtres humains les plus accomplis ayant jamais existé, représente l'image même du génie de la Renaissance. Créateur des plus célèbres tableaux du monde, ce scientifique, artiste, philosophe, inventeur, constructeur et mécanicien incarne parfaitement le grand épanouissement de la conscience humaine qui marque son époque.Léonard de Vinci. L'oeuvre graphique présente des reproductions de très grande qualité de 663 dessins de Léonard, des études anatomiques aux plans d'architecture, des dessins techniques complexes aux portraits de bébés potelés. Hormis quelques rares exceptions, tous ces dessins, dont plus de la moitié sont tirés de la collection royale du château de Windsor, sont présentés en format pleine page. Plongez-vous dans ce livre et savourez l'immense subtilité de l'un des plus grands esprits et des plus talentueux artistes de l'histoire.
«J'aime tellement la musique et j'avais tellement d'ambition que j'étais prêt à en faire beaucoup plus que ce pour quoi on me payait. Je voulais que les gens entendent la musique en voyant l'oeuvre d'art.» - Alex SteinweissAlex Steinweiss (1917-2011) a inventé la pochette de disque telle que nous la connaissons aujourd'hui. En 1940, jeune directeur artistique de Columbia Record's, il lance une idée: habiller la bête pochette marron habituelle d'une illustration accrocheuse. La compagnie joue le jeu, et, en quelques mois, augmente ses ventes de disques de plus 800%.
Au cours des trente années suivantes, Steinweiss réalise des milliers d'oeuvres originales sur les pochettes de disques de musique classique, de jazz ou de variétés pour Columbia, Decca, London et Everest, ainsi que des logos, des étiquettes, des supports publicitaires, et même sa propre police de caractère, la «Steinweiss Scrawl». Ses créations audacieuses, rassemblées ici dans toutes leurs combinaisons de typographie innovante et d'illustrations élégantes, ont révolutionné la manière dont les disques étaient vendus.
Ce livre inclut les souvenirs et objets personnels de Steinweiss liés à sa carrière fascinante, ainsi que de précieux essais du directeur artistique et designer Kevin Reagan, récompensé trois fois par les Grammy Awards, et de l'historien du graphisme Steven Heller.
De splendides bêtes sauvages... assoiffées de sang À première vue, les grandes aquarelles animalières minutieuses de Walton Ford font d'abord songer aux planches de John James Audubon, d'Edward Lear ou d'autres artistes de la période coloniale. Mais dès que l'on y regarde de plus près, on découvre un univers complexe à l'anthropomorphisme troublant, plein de symboles, d'humour grinçant et d'allusions à la dramatisation extrême des sujets de prédilection de l'histoire naturelle. Représentés à taille réelle, les bêtes et oiseaux, qui peuplent les tableaux de cet artiste contemporain ne sont jamais peints comme de simples objets, mais apparaissent comme de véritables acteurs dynamiques de luttes allégoriques: une dinde sauvage écrase une petite perruche entre ses serres, une tribu de singes met à sac une table de dîner dressée avec soin, un bison se retrouve encerclé par une meute de loups blancs ensanglantés... C'est le Panchatantra, vieux livre de fables indiennes sur les animaux, dont Ésope se serait inspiré, qui a donné son nom à l'ouvrage.
Cette édition grand format permet d'explorer en profondeur l'oeuvre de Walton Ford et s'accompagne d'une biographie détaillée et d'extraits des textes dont l'artiste s'est inspiré : des contes folkloriques vietnamiens, des lettres de Benjamin Franklin, l'autobiographie de Benvenuto Cellini comme les Biographies Ornithologiques d'Audubon.
Début 1964, Harry Benson s'apprête à monter dans un avion pour une mission en Afrique quand il reçoit un appel de Londres. Le chef du service photo du Daily Express lui annonce qu'il va finalement suivre les Beatles à Paris pour immortaliser la Beatlemania qui fait alors rage en France. C est le début d un voyage qu'il n'oubliera jamais.
Benson est accueilli chaleureusement dans l'entourage immédiat du groupe, ce qui lui permet de produire certains des clichés les plus intimes des «garçons dans le vent», qui dominent alors les ventes mondiales de disques. À Paris, il les photographie en pleine bataille d'oreillers dans une suite de l hôtel George V; il est encore là lorsque les Beatles foulent pour la première fois le sol américain et plongent dans l'hystérie new-yorkaise; son objectif les suit jusque sur la scène du fameux Ed Sullivan Show, puis en Floride témoin notamment de leur étonnante rencontre avec Cassius Clay ou encore sur le plateau du film A Hard Day s Night. La collaboration entre Benson et le groupe dure jusqu en 1966. Il accompagne George pendant sa lune de miel à la Barbade, puis embarque avec le groupe pour sa tournée américaine, qui fait un triomphe même si John Lennon vient de jeter un froid en affirmant que les Beatles sont «plus importants que Jésus-Christ».
Aujourd'hui, l'oeuvre de Vincent Van Gogh (1853-1890) est l'une des plus connues et appréciées dans le monde. On reconnaît, dans des peintures comme Les Tournesols, La Nuit étoilée ou Autoportrait à l'oreille bandée, la patte unique d'un artiste doué pour figurer les matières et la lumière, saisir une atmosphère et un instant.
Pourtant, sa vie durant, Van Gogh s'est battu contre l'indifférence de ses contemporains, et contre des crises dévastatrices d'instabilité mentale. Ses épisodes de dépression et d'anxiété ont pu causer son décès, quand, en 1890, il finit par se suicider à 37 ans.
Cette étude d'ensemble de l'oeuvre de Vincent Van Gogh offre un catalogue exhaustif de ses 871 tableaux, accompagnés d'écrits et de textes qui retracent la vie et l'oeuvre de celui qui continue de dominer l'art, encore aujourd'hui.
«C'est plutôt amusant de faire l'impossible.» - Walt Disney Esprit parmi les plus créatifs du XXe siècle, Walt Disney a élaboré un univers imaginaire unique et inégalé. Peu de classiques du 7e art ont autant révolutionné la narration cinématographique et enchanté des générations successives sur tous les continents que son incroyable collection de dessins animés.
Dans cet ouvrage TASCHEN, premier volume d'une des publications illustrées les plus complètes sur les dessins animés Disney, quelque 1.500 images et des essais signés par d'éminents spécialistes de Disney nous transportent en plein coeur du studio à l'époque de son «âge d'or de l'animation». Ce livre de référence retrace la fabuleuse épopée de l'animation Disney: le muet, puis le premier long-métrage, Blanche-Neige et les sept nains (1937), l'expérimental et novateur Fantasia (1940), et ses derniers chefs-d'oeuvre, Winnie l'Ourson et l'arbre à miel (1966) et Le Livre de la jungle (1967).
Grâce à des recherches approfondies dans les collections historiques de la Walt Disney Company et dans des collections privées, l'éditeur Daniel Kothenschulte s'appuie sur les précieuses peintures concept et les story-boards pour dévoiler le processus de fabrication de ces chefs-d'oeuvre de l'animation. Les magistrales planches d'assemblage des cellules fournissent des illustrations très détaillées de scènes restées célèbres, tandis que de rares clichés pris par les photographes de Disney et des extraits des conférences de rédaction entre Walt et son équipe permettent une incursion privilégiée dans le processus créatif de l'illustre maison.
Un chapitre est consacré à chacun des grands films d'animation réalisés du vivant de Walt, dont Pinocchio, Fantasia, Dumbo, Bambi, Cendrillon, Peter Pan, La Belle et le Clochard et Les 101 Dalmatiens, sans oublier les trésors plus confidentiels comme les courts métrages expérimentaux de la collection Silly Symphonies et les films musicaux à épisodes comme La Boîte à musique et Melodie Cocktail, sous-estimés, qui ont tous bénéficié de la même attention et des mêmes recherches méticuleuses. Un grand nombre de projets inaboutis, parmi lesquels une proposition de suite pour le légendaire dessin animé musical Fantasia ou un hommage à Davy Crockett par le peintre Thomas Hart Benton, figurent aussi dans le livre aux côtés d'oeuvres originales rarement vues. Au fil des pages, les contributions d'experts reconnus comme Leonard Maltin, Dave Smith, Charles Solomon, J.B. Kaufman, Russell Merritt, Brian Sibley et Didier Ghez racontent la fabrication de chaque film.
Conscients que le style Disney est l'oeuvre d'un travail collectif autant que du maître lui-même, les auteurs des Archives des films Walt Disney remercient les remarquables dessinateurs et designers qui ont influencé le style du studio, notamment Albert Hurter, Gustaf Tenggren, Kay Nielsen, Carl Barks, Mary Blair, Sylvia Holland, Tyrus Wong, Ken Anderson, Eyvind Earle et Walt Peregoy.
Premier volume d'une des monographies illustrées les plus complètes sur Walt Disney.
Produit avec l'aide des Walt Disney Archives et de la célèbre bibliothèque de recherche sur l'animation de Disney.
Couvre l'épopée de Walt Disney, de l'époque du muet à son ultime chef-d'oeuvre, Le Livre de la jungle (1967).
Présente le premier long métrage d'animation Disney, Blanche-Neige et les sept nains (1937), le film artistique expérimental qui fit date, Fantasia (1940), et des classiques populaires de l'après-guerre comme Cendrillon (1950) et Peter Pan (1953).
1.500 illustrations et des essais d'éminents spécialistes de Disney.
Des planches d'assemblage des cellules fournissant des illustrations très détaillées de célèbres scènes de film.
Une remarquable incursion dans les coulisses de Disney grâce à des extraits des conférences de rédaction entre Walt et son équipe et à des clichés rares pris par les photographes du studio.
Édition originale anglaise et livret avec traduction en allemand, espagnol ou français.
Le Caravage, né Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610), n'a jamais laissé indifférent. Célèbre mauvais garçon de la peinture italienne, il savait déclencher les passions autant que le scandale: bouillonnant et créatif, c'était un artiste révolutionnaire et un contemporain belliqueux.
Cet ouvrage propose une présentation exhaustive de l'oeuvre du Caravage accompagnée d'un catalogue raisonné de ses toiles. Chacune est reproduite en grand format, grâce aux techniques de reproduction photographique les plus récentes et sophistiquées qui permettent de découvrir en gros plan les détails saisissants que le génie du Caravage imprimait aux gestes et aux regards, comparables en tous points à des mises en scène de cinéma.
Cinq chapitres introductifs analysent la carrière artistique du Caravage depuis les premières années de misère jusqu'aux commandes publiques qui le menèrent à Rome et à la gloire, puis aux dernières années tragiques à Naples, à Malte et en Sicile. Ils soulignent l'audace de son naturalisme novateur et ses inventions picturales véritablement révolutionnaires par lesquels même les sujets bibliques se déploient avec une immédiateté sans précédent.
Chaque réalisation de Frank Lloyd Wright (1867-1959) est à la fois très personnelle et caractéristique de toute une époque. Remarquables par leur compréhension exceptionnelle d'un environnement écologique, ainsi que par leur utilisation de l'acier et du verre pour révolutionner l'interface entre l'intérieur et l'extérieur, les créations de Wright ont contribué à annoncer l'ère de la modernité autant qu'elles lui ont assuré une place dans les annales du génie architectural. Cette méticuleuse compilation de la monographie en trois volumes de TASCHEN rassemble les créations les plus importantes et les plus révolutionnaires de Wright pour offrir un livre de référence sur l'architecte américain le plus célèbre à un prix abordable. Établi grâce à un accès illimité aux Archives Frank Lloyd Wright conservées à Taliesin, en Arizona, ce recueil explore en profondeur les projets de Wright, qu'ils aient été réalisés ou non, de ses premières prairie houses à son concept de maison usonienne, dont Fallingwater («la maison sur la cascade») est le meilleur exemple, ses années Tokyo, ses constructions innovantes d'«architecture vivante», en passant par ses réalisations plus tardives, comme le Musée Guggenheim de New York, sans oublier sa formidable vision d'un avenir meilleur dans la «ville vivante». L'auteur, Bruce Brooks Pfeiffer, apprenti de Wright dans les années 1950, revient sur les recherches les plus récentes consacrées à l'architecte et apporte son propre éclairage sur ces constructions qui ont changé la donne.
Publié à l'origine en France entre 1876 et 1888, Le Costume historique d'Auguste Racinet représentait l'étude la plus complète et la plus pertinente jamais entreprise sur l'histoire de l'habillement. Cet ouvrage, qui couvre en six tomes l'histoire mondiale du costume, de la mode et du style depuis l'Antiquité jusqu'à la fin du XIXe siècle, demeure tout à fait unique en son genre, par son ampleur comme par sa précision. Cette réédition de TASCHEN restitue les illustrations délicieusement précises et colorées de Racinet, ainsi que ses savoureuses descriptions et ses commentaires souvent spirituels. Couvrant tout depuis la tenue antique des Étrusques jusqu'à la mode des Françaises, l'ensemble suit le découpage originel de Racinet, par culture et par thème. Impressionnant par son ampleur et passionnant par ses recherches et son souci du détail, Le Costume historique représente une référence inestimable pour les étudiants, designers, artistes, illustrateurs et historiens, ainsi qu'une source d'inspiration très riche pour quiconque s'intéresse aux habits et au style.
Pour Manet, il était «le plus grand de tous les peintres». Son chef-d'oeuvre Les Ménines a si bien inspiré Picasso que celui-ci en a réalisé 44 variations. Monet, Renoir et Degas ont beaucoup été influencé par les tableaux du grand chambellan de Philippe IV. Francis Bacon a peint une célèbre étude de son portrait du pape Innocent X. Diego Rodriguez de Silva y Velazquez (1599-1660) n'était pas seulement le plus important des peintres de l'Âge d'or espagnol; il est l'un des peintres européens les plus admirés, à la fois référence et source d'inspiration pour des générations d'artistes.
Ce catalogue raisonné rassemble l'oeuvre complet de Velazquez - reproduit dans un très grand format à couper le souffle avec une sélection d'agrandissements de détails - ainsi que de toutes nouvelles photographies de tableaux récemment restaurés, grâce à l'initiative conjointe de TASCHEN et Wildenstein. Les fascinantes images du livre sont accompagnées d'un commentaire approfondi de José López-Rey développant l'intérêt que Velazquez portait à la vivacité humaine et son souci d'accorder la même attention à tous les sujets, qu'il s'agisse d'une vieille femme faisant frire des oeufs, d'un pape ou d'un roi, ainsi que son dévouement à la couleur et à la lumière, qui influencera les impressionnistes plus de deux cents ans plus tard.
Dès la naissance du modernisme, production musicale et création visuelle ont entretenu une relation des plus étroites. De L'Arte dei Rumori (L'Art des bruits), manifeste futuriste de Luigi Russolo publié en 1913, aux Rotoreliefs de 1925, les disques recto-verso de Marcel Duchamp, le XXe siècle a été le témoin des échanges de plus en plus fertiles entre sons et formes, symboles et mélodies, et entre tous les champs de la composition et de la performance.
Dirigée par Francesco Spampinato, cette anthologie exceptionnelle des pochettes de disque créées par des artistes dévoile à quel rythme cette histoire culturelle singulière s'est écrite. Le livre présente 500 pochettes d'album et de disque des années 1950 à aujourd'hui signées par des artistes de l'image, qui révèlent à quel point modernisme, pop art, art conceptuel, postmodernisme et d'autres formes d'art contemporain ont imprimé leur mouvement à ce domaine annexe de la production visuelle, et ont soutenu l'industrie musicale de masse grâce à leur imaginaire essentiel évoquant spontanément la rencontre sonore.
Au fil des pages, on retrouve les hiéroglyphes urbains créés par Jean-Michel Basquiat pour Tartown, sa propre maison de disques, le graffiti de Banksy réalisé au pochoir pour Blur, le crâne de Damien Hirst, symbole créé pour The Hours, et un papillon épinglé par Salvador Dali pour l'album Lonesome Echo de Jackie Gleason. Ils sont accompagnés par des explications claires et une fiche descriptive rappelant l'artiste, l'interprète, le nom de l'album, le label, la date de sortie et des informations sur l'oeuvre d'art d'origine. Des entretiens avec Tauba Auerbach, Shepard Fairey, Kim Gordon, Christian Marclay, Albert Oehlen et Raymond Pettibon apportent un témoignage personnel sur les coulisses de ces collaborations entre artistes et musiciens.
