Depuis quand un urinoir n'est plus un urinoir? Depuis que Marcel Duchamp (1887-1968) a déclaré que c'était de l'art. Le tollé soulevé par l'artiste français et sa Fontaine (1917), un urinoir en porcelaine installé dans une galerie, a provoqué des ondes de choc qui se sont propagées dans le monde institutionnel de l'art jusqu'à aujourd'hui.

Duchamp a bâti son oeuvre sur la remise en cause de la notion d'art et a, en cours de route, ouvert notre esprit à des possibilités alors insoupçonnées. Après avoir indirectement adopté le cubisme au début de sa carrière, l'artiste s'est fait connaître avec son Nu descendant un escalier (1912), un mélange inédit d'abstraction, de cubisme et de futurisme, où la controverse est née du nu que l'on croit reconnaître à la mécanique décomposée de son mouvement. Au même moment, Duchamp entame son incursion vers les désormais iconiques «readymades» - des objets choisis apparemment au hasard que Duchamp présente comme des oeuvres d'art - tels que la Roue de bicyclette (1913), le Porte-bouteilles (1914) et une pelle à neige, intitulée En prévision du bras cassé (1915).

Duchamp a provoqué bien des apoplexies parmi les spectateurs respectueux des traditions, en commettant des outrages tels que L.H.O.O.Q. (1919), pour lequel il exposa une mauvaise copie de la Mona Lisa de Léonard de Vinci affublée d'une moustache et d'une barbiche avec, pour faire bonne figure, un jeu de mot trivial que découvre le public en prononçant une à une les lettres du titre.

Cet ouvrage aborde tous les aspects osés et scandaleux de l'art de Duchamp dans un panorama qui reprend l'essentiel de ses oeuvres, et évoque non seulement sa créativité novatrice, mais aussi une période décisive de l'art occidental. Car c'est à ce moment, parmi les charges répétées contre les grands maîtres et la parodie de poésie censée naître des objets trouvés, que l'art a effectué sa première transition, des expériences purement «rétiniennes» vers une pratique évoluant vers un art conceptuel. Lire la suite Fermer

Paul Gauguin (1848-1903) n'était pas fait pour la finance. Ni pour faire carrière dans la marine française, ni pour demeurer vendeur de bâches à Copenhague sans parler un mot de danois. C'est dans son temps libre qu'il débuta la peinture en 1873 et participa en 1876 au Salon de Paris. Trois ans plus tard, il était exposé aux côtés de Pissaro, Degas et Monet.
Homme bourru, grand buveur, Gauguin se qualifiait lui-même aussi de sauvage. Son étroite mais difficile amitié avec le tout aussi imprévisible Vincent van Gogh connut un violent épilogue en 1888, quand Van Gogh se défend soi-disant de Gauguin avec une lame de rasoir et, l'instant d'après, se tranche l'oreille. Peu après, ayant achevé La vision après le sermon (1888), chef-d'oeuvre marquant le milieu de sa carrière, Gauguin décide de partir pour Tahiti avec l'intention d'échapper à «tout ce qui est artificiel et conventionnel...» Sur place, Gauguin jouit sans entraves de la nature de l'île, des autochtones et de la profusion des images qui lui inspirent une production foisonnante de peintures et de gravures. À travers des oeuvres comme La femme à la fleur (Vahine no te Tiare, 1891) ou Joie de se reposer (Nave Nave Moe, 1894), il développe un style particulier, primitif, rayonnant intensément de lumière et de couleurs. Dans la tradition de la sensualité exotique, ses coups de pinceau denses, débordant de peinture, épousent et s'attardent sur les courbes des tahitiennes.
Gauguin meurt seul, sur les îles Marquises voisines de Tahiti, la plupart de ses affaires ayant été dispersées dans des ventes aux enchères locales. Il a fallu attendre qu'un habile marchand d'art commence à collectionner et à montrer l'oeuvre de Gauguin à Paris pour que la profonde influence du peintre se fasse réellement sentir, notamment auprès de la nouvelle génération des artistes français d'avant-garde, tels que Picasso et Matisse. Cet ouvrage présente un aperçu essentiel de l'univers de l'artiste, si riche en couleurs, depuis les Salons impressionnistes parisiens des années 1870 jusqu'à la fin de sa vie, productive et passionnée, dans le Pacifique. Lire la suite Fermer

De son vivant, la renommée de Johannes Vermeer (1632-1675) dépassait à peine sa Delft natale et un petit cercle de commanditaires. Après sa mort, son nom sombra largement dans l'oubli, ses oeuvres, hors des Pays-Bas, étant souvent attribuées à tort à d'autres artistes. Ce n'est qu'à la moitié du XIXe siècle que Vermeer a attiré l'attention du monde artistique, qui s'est soudain penché sur ses détails narratifs, ses textures finement nuancées et ses majestueux pans de lumière, et a décelé un génie oublié.

De nos jours, ses oeuvres ont inspiré un best-seller du New York Times, un film avec Scarlett Johansson et Colin Firth, sans parlerde l'explosion du nombre d'entrées dans les institutions artistiques d'Amsterdam à Washington et imposé des mesures spéciales de contrôle de la foule à la Mauritshuis, à La Haye, où des milliers de visiteurs défilent pour apercevoir l'énigmatique et séduisante Jeune Fille à la perle, surnommée la « Mona Lisa néerlandaise ».

Cet ouvrage rassemble le catalogue complet de l'oeuvre de Vermeer, regroupant dans les meilleures reproductions imaginables ses scènes paisibles et pourtant captivantes, trésors des galeries et musées européens et américains. De la rédaction d'une lettre à une leçon de musique en passant par les préparatifs culinaires, le répertoire d'actions domestiques restreint mais très évocateur de Vermeer se dévoile, grâce à de nouvelles prises de vue de certaines oeuvres, dans un format généreux. De nombreux détails mettent en valeur le talent extraordinaire de l'artiste à témoigner des traditions et modes de l'âge d'or néerlandais, mais aussi à raconter toute une histoire à travers une simple expression, un geste esquissé ou un regard fugace.
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L'oeuvre d'Henri Matisse (1869-1954) révèle sa croyance éternelle dans le pouvoir des couleurs pures et des formes simples. Bien qu'il soit surtout reconnu pour sa peinture, Matisse s'est aussi illustré en dessin, en sculpture, en lithographie, dans l'art du vitrail ainsi que du collage, dont il a développé sa propre technique de découpage quand son grand âge l'empêchait de rester debout et de peindre. Matisse a la plupart du temps peint des sujets classiques: nus, portraits, paysage animés de silhouettes, scène orientales et vues intérieures. Pourtant, son traitement des couleurs intenses et son dessin fluide lui confèrent une place de maître du XXe siècle. La palette de Matisse a particulièrement enchanté l'imagination moderne. Par son usage du bleu intense, du violet améthyste et du jaune d'oeuf dans toutes leurs nuances, il a libéré son oeuvre des carcans d'une représentation rigoureuse de la réalité et a plutôt cherché une «harmonie vitale», en prenant la musique comme source d'inspiration et figure de comparaison dans son travail. Des grands tableaux remplis de motifs aux portraits simples et tendres, ce livre présente l'immense richesse et l'intense créativité qui a caractérisé la carrière de Matisse, en parcourant ses premières oeuvres rattachées au mouvement fauviste jusqu'à ses derniers projets tels que Jazz et la chapelle du Rosaire, à Vence. Lire la suite Fermer

Chef de file, parmi d'autres, du courant impressionniste, Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) demeure une figure marquante de l'histoire de l'art à la popularité non démentie. Baigné de soleil, plein de charme et de sensualité, son oeuvre vient ajouter une dimension enjouée et lumineuse à la peinture, tout en prolongeant la pratique de plein air et les innovations chromatiques de l'époque.
L'oeuvre prolifique de Renoir comprend près de mille tableaux réalisés tout au long de sa vie. Largement influencé par ses prédécesseurs comme Courbet, Degas, Manet ou Delacroix, le peintre travailla aux côtés de ses pairs, dont Monet, pour découvrir de nouveaux usages de la couleur et une nouvelle façon de poser le pinceau, afin de rendre les textures et la profondeur par des taches aux nuances variées. Attiré par les scènes intimes et tendres, il prend pour sujet des amoureux, des mères et de nombreux nus.
Au fil de sa carrière, Renoir a exploré différents styles et techniques, délaissant la touche légère impressionniste pour une représentation du corps plus vigoureuse et classique, parfois connue sous le nom de sa «période ingresque», et plus tard des pièces monumentales telles que Les Grandes Baigneuses. Puisant dans la riche et longue carrière de l'artiste, cette introduction essentielle a sélectionné les oeuvres principales de Pierre-Auguste Renoir et aborde les innovations qu'il a apportées à la peinture ainsi que sa pratique tournée vers la recherche de la beauté, de l'harmonie et de la figure féminine. Lire la suite Fermer

Pour l'artiste biélorusse Marc Chagall (1887-1985), la peinture formait une trame complexe, tissée de rêves, de contes et de traditions. Son langage visuel, immédiatement reconnaissable, s'est forgé une place unique au début du XXe siècle et est souvent reconnu comme précurseur en matière d'expression de la vie psychique.
Dans les toiles de Chagall, le pinceau se pose en touches libres, les couleurs, dont le bleu qu'il affectionne particulièrement, sont profondes et l'on remarque tout un répertoire de figures récurrentes tels que musiciens, coqs, toits, fleurs et amoureux en suspension dans le ciel. Ses compositions au charme éthéré sont souvent complexes, riches en références. Elles mêlent non seulement les couleurs et les formes, mais évoquent aussi ses racines juives et ses rencontres faites à Paris, de même que sa foi, révélée à travers des gestes d'amour et des symboles d'espoir, fait écho aux signes de traumatisme.
Cette introduction de référence à l'artiste explore les multiples formes que prend le vocabulaire perfectionné de Chagall. Entre les scènes de naissance, d'amour, de mariage et de mort, depuis les représentations de la Tour Eiffel jusqu'à celles de Vitebsk, sa ville natale, cet ouvrage rend hommage à un style unique, aussi gracieux à l'oeil qu'enchanteur pour l'imagination. Lire la suite Fermer

Le Caravage, de son nom de baptême Michelangelo Merisi da Caravaggio (1571-1610), a toujours été de ceux que l'on n'oublie pas. Célèbre mauvais garçon de la peinture italienne, l'artiste fut aussi honoré que controversé: violent de tempérament, précis dans sa technique, d'une créativité géniale, il fut aussi un homme en fuite. Il est aujourd'hui considéré comme un des personnages les plus influents de l'histoire de l'art.
Cette édition Bibliotheca Universalis offre un catalogue raisonné exhaustif et détaillé du Caravage. Chacune de ses toiles y est reproduite à partir de photographies récentes en haute résolution, qui permettent un face-à-face troublant avec l'éventail de regards et de gestes génialement composé par l'artiste, ainsi que de nombreux détails révélateurs de son naturalisme hautement novateur. Cinq chapitres relatent le parcours artistique complet du Caravage, ses premières commandes publiques à Rome et son ascension vers la gloire, et retracent sa tumultueuse vie personnelle, où le drame rôda autant que dans ses toiles. Lire la suite Fermer

Peu d'artistes peuvent se prévaloir d'une renommée et d'une influence aussi durables au fil des siècles et des continents que Michelangelo Buonarroti (1475-1564). Son surnom il divino (le divin), en usage depuis les années 1530, a perduré jusqu'à aujourd'hui. Ses exploits de sculpteur, peintre et architecte restent plus que jamais uniques et inégalés. Ses créations comptent parmi les oeuvres d'art les plus connues au monde.

Cette nouvelle édition de notre Bibliotheca Universalis rend hommage à l'oeuvre graphique de Michel-Ange, témoignant de sa maîtrise admirable du trait, de la forme et du détail, depuis ses structures architecturales jusqu'à ses anatomies parfaites. Le livre réunit bon nombre des dessins les plus beaux, conservés dans les musées et les collections particulières du monde entier, tout comme les notes et révisions de sa main, qui dévoilent, dans une proximité saisissante, l'ambition et l'envergure de la pratique de Michel-Ange, mais aussi les procédés par lesquels son art se manifeste. Un chapitre regroupe les dessins attribués ou réattribués à Michel-Ange et nous donne un nouvel aperçu de son oeuvre graphique dans toute sa diversité et de l'exploration infinie de son génie. Lire la suite Fermer

Avant d'atteindre le jeune âge de 30 ans, Michelangelo Buonarroti (1475-1564) avait déjà sculpté la Pietà et David, deux des oeuvres les plus célèbres de toute l'histoire de l'art. Sculpteur, mais aussi peintre, dessinateur et architecte, les créations de ce maître absolu de la Renaissance sont uniques: aucun artiste, avant ou après lui, n'a produit une oeuvre d'une telle envergure et d'une telle diversité.
Cette toute nouvelle publication TASCHEN retrace l'ascension de Michel-Ange jusqu'aux plus hautes sphères culturelles de la Renaissance. Dix chapitres richement illustrés couvrent les peintures, sculptures, créations architecturales et dessins de l'artiste, et se penchent avec une attention particulière sur le tour de force artistique que sont les fresques de la chapelle Sixtine. Les reproductions en pleine page et les agrandissements de détails permettent au lecteur d'apprécier les subtilités du répertoire du maître, tandis que l'essai biographique aborde les traits et faits plus personnels de sa vie, comme sa nature solitaire, sa soif d'argent et de commandes, son immense richesse et ses talents d'investisseur foncier. Lire la suite Fermer

Par la protection de la puissante famille des Médicis, grâce à une multitude d'oeuvres profanes et religieuses et à ses contributions à la célèbre chapelle Sixtine, Sandro Botticelli (1444/1445-1510) était bien placé pour devenir célèbre. Pourtant, après sa mort, son oeuvre tomba pendant près de 400 ans dans l'oubli. Ce n'est qu'à partir du XIXe siècle que le peintre commença à gagner les faveurs des historiens de l'art. Aujourd'hui, Botticelli est salué comme une figure déterminante des débuts de la Renaissance florentine. Ses oeuvres profanes, La Naissance de Vénus et Primavera, considérée comme une allégorie du printemps, figurent parmi les peintures les plus reconnues au monde, brillant par la finesse de leur détail, leurs lignes gracieuses et leur agencement équilibré. Ses compositions sont aussi fluides qu'ordonnées, ses personnages sont autant sereins que sensuels. En particulier, Vénus est l'icône de la beauté en histoire de l'art avec son teint pâle, sa délicatesse, sa douceur promesse de fécondité. En présentant les oeuvres clé de Botticelli, cette introduction incontournable éclaire la face cachée de cette légende de la Renaissance. À travers les scènes mythologiques et les allégories les plus connues du peintre, sans oublier ses peintures religieuses rayonnantes, on explore sa maîtrise de la figuration, du mouvement et de la ligne, qui n'a cessé d'inspirer les artistes, d'Edgar Degas à Andy Warhol, de René Magritte à Cindy Sherman. Lire la suite Fermer

Avec Salvador Dali en figure de proue, le grand vaisseau du Surréalisme a vogué sur les eaux turbulentes du début du vingtième siècle, les voiles gonflées par les rêves et les désirs. Inspirés par la pratique psychanalytique de Sigmund Freud, les Surréalistes considèrent que l'inconscient est le domaine de la vérité, non inhibée par les normes et les attentes de la société.
Par le biais de techniques comme l'hypnotisme, le noctambulisme ou l'écriture automatique, les comparses d'André Breton, Max Ernst, Brassaï et Meret Oppenheim ont produit peintures, dessins, textes et films dans lesquels ils ont cherché à sonder leurs instincts primaires les plus intimes. Leurs créations regorgent de fantasmes sexuels, de créatures mystérieuses, menaçantes, et juxtaposent des objets et des idées en apparence contradictoires.
Ce livre présente les origines et l'héritage sensationnel du mouvement surréaliste, qui a influencé de façon profonde et durable le cinéma, le théâtre, la littérature, l'art et la pensée.
Artistes présentés: Jean Arp, André Breton, Giorgio de Chirico, Salvador Dali, Max Ernst, Alberto Giacometti, Paul Klee, René Magritte, André Masson, Matta, Joan Miró, Pablo Picasso, Meret Oppenheim, Yves Tanguy. Lire la suite Fermer

Artiste éclectique de la Renaissance allemande, Albrecht Dürer (1471-1528) fut un artiste prolifique, mais aussi un théoricien et un écrivain dont les travaux ont exploré tous les domaines, de la théorie de l'art à la philosophie. Son oeuvre immense inclut des retables, des portraits, des autoportraits, des aquarelles et des livres, mais est surtout reconnue pour son impressionnante collection de gravures sur bois, qui contribuèrent à faire de la technique artisanale de l'estampe une forme d'art nouvelle à part entière.

Les gravures de Dürer surprennent autant dans leur ensemble que par leurs détails. Dans des oeuvres comme Apocalypse ou L'Arc de triomphe de l'empereur Maximilien Ier, il a largement dépassé en taille, en finesse et en complexité toutes les expériences jamais réalisées en gravure. Déployant une palette de tons ambitieuse et variée, il l'a élevée à un rang supérieur en intensité conceptuelle, émotionnelle et spirituelle. Ses deux principales séries de gravures sur bois sur la Passion du Christ, nommées d'après leur taille la Grande Passion et la Petite Passion, sont particulièrement remarquables pour leur traitement vivant et plein d'humanité du récit chrétien. Dans sa gravure sur cuivre Mélancolie I, Dürer a créé une image surprenante du vide émotionnel, souvent citée comme l'une des premières représentations du vague à l'âme et de la dépression.

Éternel curieux, Dürer s'est nourri des idées de grands maîtres et artistes de son époque, en Allemagne mais aussi en Italie, tandis que sa propre influence s'est exercée dans toute l'Europe sur des générations après lui. Dans cette introduction essentielle proposée par TASCHEN, on découvre la pratique complexe de cette figure pionnière, son esprit éclectique et ses principales oeuvres, qu'il a laissées en guise d'héritage éternel. Lire la suite Fermer

Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938) est considéré comme l'une des figures majeures de l'art européen du XXe siècle. Profondément moderniste, il bouleversa l'art mondial avec ses peintures aux couleurs vives et aux contours cernés, et diffusa ses idées grâce au collectif d'artistes Die Brücke (« Le Pont ») et au MUIM-Institut, école d'art moderniste, qu'il a fondés.
L'oeuvre de Kirchner a réconcilié passé et présent par le prisme de l'expressionnisme, reflétant les récentes idées de l'avant-garde artistique tout en explorant les approches et les sujets académiques traditionnels. Ses travaux abordent des questions sociales, morales et émotionnelles avec une grande intensité. Perspectives déformées, lignes dures et couleurs inhabituelles sont au coeur de sa pratique, de même que le désir permanent de saisir les formes humaines, qu'elles évoluent dans des espaces urbains animés, comme dans la Scène de rue à Berlin (1913), ou dans son atelier, célèbre pour sa décadence.
Cette introduction parcourt la carrière de Kirchner entre Allemagne et Suisse, jalonnée par la fondation de Die Brücke et son inclusion dans la tristement célèbre exposition d'«art dégénéré» organisée par les Nazis en 1937. Au fil des pages, on découvre des paysages colorés, des nus austères et des scènes de rues mouvementées et, surtout, une mise en valeur constante de l'expérience émotionnelle du peintre et du spectateur. Lire la suite Fermer

Avec son mouvement Pittura Metafisica, le peintre italien d'origine grecque Giorgio de Chirico (1888-1978) fut une figure influente de l'avant-garde européenne dans l'entre-deux-guerres, aux côtés de maîtres comme Pablo Picasso et Paul Éluard.
La «peinture métaphysique» de l'artiste représente des statues ou des mannequins en personnages installés dans des espaces structurés par une perspective centrale exagérée - places urbaines, arcades, façades distantes ou intérieurs propices à la claustrophobie. La composition théâtrale de ses oeuvres s'appuie sur des lignes nettes, des clairs-obscurs intenses, des plans géométriques et des vides qui dégagent une sensation d'angoisse et de solitude. Les tableaux désarçonnent, obligent ceux qui les regardent à réévaluer la nature de la réalité et à chercher, au-delà des apparences, des souvenirs furtifs et des visions inattendues. Alors que les surréalistes rassemblés autour de Breton s'appuyaient sur les théories freudiennes de l'inconscient, Chirico était fasciné par Nietzsche.
Cette présentation rigoureuse de l'artiste s'aventure dans les moindres recoins obscurs et les ombres sinistres de la Pittura Metafisica de Chirico, tout en explorant aussi ses oeuvres tardives plus classiques, virage amplement critiqué par les surréalistes qui avaient tant aimé ses premières toiles. Lire la suite Fermer

Près d'un siècle après sa mort, l'artiste viennois Gustav Klimt (1862-1918) éblouit toujours par son érotisme décomplexé, ses surfaces éblouissantes et sa créativité expérimentale. Cette monographie rassemble toutes les oeuvres majeures de Klimt et des commentaires de sommités de l'histoire de l'art, ainsi que de rares documents issus des archives personnelles de Klimt.Grâce à des illustrations de la plus haute qualité et de nouvelles prises de vue de la célèbre frise du palais Stoclet, le livre raconte Klimt, figure majeure de la Sécession en 1897, ses représentations sans fard du corps féminin et sa lumineuse «période dorée», au cours de laquelle la feuille d'or vint apporter une texture et une tonalité chatoyantes à des oeuvres aussi célèbres que Le Baiser et le Portrait d'Adele Bloch Bauer I, surnommé le portrait de «la Dame en or».Grâce aux éblouissantes doubles pages et aux détails minutieusement choisis, cette monographie dévoile l'éventail des inspirations japonaises, byzantines et allégoriques qui irriguent les perspectives horizontales, le répertoire symbolique et les textures proches des mosaïques de Klimt. Fondé sur les critiques et grandes voix de l'époque, ce livre s'attarde aussi sur l'accueil mitigé de ses oeuvres par le monde de l'art et sur son évolution stylistique. De ses paysages à ses toiles érotiques, jusqu'au plafond controversé de la grande salle d'accueil de l'université de Vienne, on comprend à quel point la presse et le public furent divisés par le mélange de tradition et d'audace chez Klimt, pornographe pour les uns, maître de l'art moderne pour les autres. Lire la suite Fermer

Par rapport à ses contemporains du XVIe siècle tardif à Venise, El Greco (1541­-1614) incarne leur exact opposé, un artiste au talent inné, extraordinairement doué, mais fermement décidé à suivre sa propre voie. Tout au long de sa carrière, depuis ses débuts en Crète jusqu'à ses séjours à Venise, à Rome, puis son installation à Tolède, en Espagne, «Le Grec» est demeuré à la marge de ses pairs, synthétisant différentes traditions artistiques de l'Occident pour créer un langage pictural unique.
Le style singulier de El Greco traduit un rejet du naturalisme autant que de la facilité. Des peintures comme Le Christ dépouillé de sa tunique (1577-1579), L'Enterrement du comte d'Orgaz (1586-1588) et L'Ouverture du Cinquième Sceau de l'Apocalypse (1608-1614) révèlent des figures allongées et tourmentées, des couleurs irréelles et un traitement expérimental de l'espace, autant d'éléments s'opposant à une lecture rapide et orientée, mais témoignant d'un art d'une profondeur épique et d'une grande beauté spirituelle.
Souvent considéré d'un oeil critique et suspicieux durant sa vie, El Greco fut redécouvert par un petit nombre d'admirateurs fervents parmi les peintres modernes, comme Pablo Picasso, Roger Fry et le pionnier du collectif «Der Blaue Reiter», Franz Marc. Aujourd'hui, l'artiste appartient au cercle restreint des grands maîtres de la peinture, autant comme figure d'exception de son temps que comme artiste de référence à travers les siècles.
Cette introduction de référence, issue de la Petite Collection 2.0 proposée par TASCHEN, explore les influences et les caractéristiques de la vision singulière et radicale de El Greco, de l'univers symbolique des icônes byzantines et les valeurs humanistes de la Renaissance aux prémices d'une pratique conceptuelle. Lire la suite Fermer

L'abstraction a secoué l'art occidental au plus profond. Au début du XXe siècle, elle a réfuté la toute-puissance des formes nettes et sans ambiguïté, et décidé de confronter le public à des poèmes visuels vivants, dépouillés de l'imagerie représentationnelle conventionnelle et caractérisés par des allégories d'émotions et de sensations.

Cette aventure esthétique radicale a défini de nouveaux moyens d'expression et de narration artistiques, caractérisés par des juxtapositions troublantes de couleurs, de lumière et de lignes. Les artistes ont alors abandonné pinceaux et chevalets pour jouer avec d'autres matériaux, d'autres méthodes et une nouvelle gestuelle: peintures commerciales et rouleaux, toiles brutes et non tendues, posées au sol, application à la main.

Cette introduction essentielle décrit la portée internationale, la profondeur conceptuelle et l'impact sismique de l'art abstrait dans une étude rigoureuse qui s'attache aux grands noms comme Picasso, Klee, Kline, Rothko et Pollock, mais aussi à des figures moins célèbres dont la contribution a été tout aussi significative, parmi lesquelles Antoni Tàpies, K.O. Gotz, Ad Reinhardt et Sophie Taeuber-Arp. Lire la suite Fermer

La vie et l'époque de Pieter Bruegel l'Ancien (vers 1526/1530-1569) ont été marquées par de violents conflits culturels. Il a ainsi connu des guerres de religion, le règne brutal du duc d'Albe alors gouverneur des Pays-Bas et les effets palpables de l'Inquisition. À ce jour, la vie de l'artiste flamand demeure nimbé de mystère. Nous ne savons pas exactement où et quand il est né. Si les érudits ont d'abord souligné le caractère vernaculaire de sa peinture et de ses gravures, la recherche moderne accorde plus d'importance à l'aspect humaniste de son oeuvre.

Après avoir conçu des dessins préliminaires pour l'éditeur Jérôme Cock, Bruegel réalise plusieurs séries d'estampes qui furent distribuées dans toute l'Europe. Elles dépeignent les vices et les vertus au détour de fêtes paysannes endiablées et de paysages à perte de vue. Il se tourne ensuite de plus en plus vers la peinture, puisant sa clientèle dans l'élite culturelle d'Anvers ou de Bruxelles.

Cette monographie témoigne de l'évolution d'un artiste qui prit à bras le corps les grands motifs de conflit de son temps et proposa des inventions et des solutions nouvelles. Plutôt que d'idéaliser la réalité, il représenta les horreurs des guerres de religion et prit des positions critiques à l'égard de l'Église catholique. Il imagina ainsi son propre répertoire visuel de la dissidence, incorporant ses messages subliminaux dans des scènes innocentes du quotidien afin d'échapper aux blâmes.

Cette anthologie réunit ainsi l'ensemble de ses 40 toiles, 65 dessins et 89 gravures impeccablement reproduits, autant de pièces qui témoignent à la fois des moeurs religieuses et de la culture populaire qui unissait les communautés à l'époque de Bruegel. Lire la suite Fermer

Artiste extraordinairement prolifique, Norman Rockwell (1894-1978) a réalisé sa vie durant près de 4000 peintures, sans compter un nombre impressionnant d'oeuvres de commande commerciales, publicitaires ou éditoriales. Sa mort en 1978 fut ressentie comme la perte d'une icône nationale, d'un artiste qui, comme nul autre, avait célébré le rêve américain.

Peu intéressé par l'expérimentation et les techniques d'avant-garde, mais plutôt attentif à l'efficacité d'une composition et à la pertinence d'un thème, Rockwell a créé des peintures morales et simples, séduisantes par leur accessibilité et leurs aspirations. Soignées, pittoresques et très souvent joyeuses, ses oeuvres ont pour sujet des salles de classe, des scènes de bal et les fêtes de Thanksgiving, tandis que ses projets au long cours ont débouché sur des unes pour le magazine The Saturday Evening Post ainsi que des calendriers et des couvertures pour Boys' Life, publié par l'organisation Boy Scouts of America. Rempli d'optimisme et de patriotisme, son travail met en avant des professions traditionnelles, notamment celles de médecin ou de professeur, et les piliers conservateurs que sont l'armée, la famille et la foi.

Saluées par le Président Gerald Ford comme une «partie bien-aimée de l'héritage américain», les oeuvres de Rockwell en révèlent autant sur ses talents d'artiste que sur les valeurs populaires et les aspirations de l'Amérique du 20e siècle. Ce nouvel ouvrage introductif réunit ses principales peintures et illustrations, choisies parmi les réjouissantes et lumineuses créations de l'artiste, ainsi que des oeuvres plus insolites abordant les dessous de l'Amérique, afin de saisir cet artiste américain dans son intégralité et ainsi les valeurs et idéaux qui ont contribué à son succès. Lire la suite Fermer

Le Français Jean Prouvé (1901-1984) fut l'un des grands designers du XXe siècle, un «constructeur», comme il se définissait lui-même, et participa notamment au jury chargé de superviser la conception du Centre Pompidou, à Paris. En tant que designer, il a saisi l'esprit d'innovation, d'expansion et de croissance qui soufflait au milieu du siècle dernier et développé des techniques qui permettaient de combiner un esthétisme simple et saisissant avec des matériaux et un assemblage pratiques et rentables.
Des vastes chapiteaux d'exposition temporaires aux coupe-papiers, en passant par les systèmes bâtis modulaires ou les luminaires, les créations de Prouvé remplissent leur fonction de façon efficace, sans fioritures et avec une élégance subtile. Honoré par les designers, les architectes et les ingénieurs du monde entier, Prouvé a laissé un héritage riche et inspirant qui résonne parfaitement avec l'approche choisie pour ce livre compact, qui résume en beauté sa vie et son oeuvre. Lire la suite Fermer

«Vous êtes déjà célèbre, maintenant, vous allez me rendre célèbre», tel est l'invite lancée par Lawrence Schiller à Marilyn Monroe au détour d'une discussion en amont d'une séance photo de l'actrice. «Ne soyez pas si insolent, répliqua Marilyn, les photographes, ça se remplace facilement.» C'était en 1962 et Schiller, tout juste âgé de 25 ans, était en mission pour Paris Match. Il connaissait déjà Marilyn - ils avaient tissé des liens deux ans auparavant sur le tournage du Milliardaire -, mais rien ne l'avait préparé à ce jour où elle accepta d'apparaître nue devant son objectif pour le film Something's Got to Give.Marilyn & Me est le récit intime d'une légende vivante au seuil du déclin et d'un jeune photographe en pleine ascension. À travers son récit vibrant et ses clichés extraordinaires Schiller nous transporte dans le passé avec pudeur, humour et compasion. Riche de plus de 100 photos dont les rares images prises sur le tournage du dernier film de Marilyn l'ouvrage forme un portrait vivant et inattendu qui révèle la star à la fin de sa vie. Lire la suite Fermer

C'est la décennie de l'audace, des toiles expressionnistes, des livres au graphisme créatif, des oeuvres d'art totales du Bauhaus, des débuts de la psychologie, des bals de travestis, des cabarets et du cinéma. Entre les tensions de deux guerres mondiales, Berlin dans les années 1920 était une capitale à l'apogée de sa nonchalance, débordant d'art, d'innovations et d'idéaux.

Cet ouvrage plonge ses lecteurs dans l'esprit libre de la période de Weimar. À travers des oeuvres emblématiques, puisées dans la peinture, la sculpture, l'architecture, le design graphique, la photographie et le cinéma, nous sont dévoilées les innovations, les idées et les folles utopies qui caractérisent cette vitrine culturelle unique. On entre dans les bars jazz et les salles de danse, on adopte la mode à la garçonne et on découvre les « kinos » remplis de spectateurs, on suit les avancées technologiques et les progrès des modes de transport, depuis les tours de radio aux roulements des trains et tramways, en passant par les gratte-ciel vertigineux, sans oublier les chefs-d'oeuvre cinématographiques et la nouvelle indépendance conquise par les femmes qui les autorise à fumer des cigarettes, à porter les cheveux courts et à gagner leur vie par leurs propres moyens.

Parmi les oeuvres de cette évocation culturelle vivante figurent Les Journalistes de Hannah Hoch, les Mains sur la machine à écrire de Lotte Jacobi, le Portrait de la journaliste Sylvia von Harden d'Otto Dix, le projet pour l'Alexanderplatz de Peter Behrens et L'Ange bleu de Josef von Sternberg, avec Marlene Dietrich dans le rôle de Lola Lola, la chanteuse de cabaret.

Au fil des pages et des années, on découvre à la fois la soif d'utopie et les réalités économique et politique, plus ambiguës, qui ont nourri des chefs-d'oeuvre de divertissement, idéalistes ou réactionnaires produits durant cette période. Derrière les lumières vives et les robes pailletées se cachent l'inflation, le travail à la chaîne et un consensus politique fragile que dissimulent ces années bénies et qui annoncent finalement une issue brutale amorcée par la montée du national-socialisme. Lire la suite Fermer

«C'est plutôt amusant de faire l'impossible.» - Walt Disney Esprit parmi les plus créatifs du XXe siècle, Walt Disney a élaboré un univers imaginaire unique et inégalé. Peu de classiques du 7e art ont autant révolutionné la narration cinématographique et enchanté des générations successives sur tous les continents que son incroyable collection de dessins animés.

Dans cet ouvrage TASCHEN, premier volume d'une des publications illustrées les plus complètes sur les dessins animés Disney, quelque 1.500 images et des essais signés par d'éminents spécialistes de Disney nous transportent en plein coeur du studio à l'époque de son «âge d'or de l'animation». Ce livre de référence retrace la fabuleuse épopée de l'animation Disney: le muet, puis le premier long-métrage, Blanche-Neige et les sept nains (1937), l'expérimental et novateur Fantasia (1940), et ses derniers chefs-d'oeuvre, Winnie l'Ourson et l'arbre à miel (1966) et Le Livre de la jungle (1967).

Grâce à des recherches approfondies dans les collections historiques de la Walt Disney Company et dans des collections privées, l'éditeur Daniel Kothenschulte s'appuie sur les précieuses peintures concept et les story-boards pour dévoiler le processus de fabrication de ces chefs-d'oeuvre de l'animation. Les magistrales planches d'assemblage des cellules fournissent des illustrations très détaillées de scènes restées célèbres, tandis que de rares clichés pris par les photographes de Disney et des extraits des conférences de rédaction entre Walt et son équipe permettent une incursion privilégiée dans le processus créatif de l'illustre maison.

Un chapitre est consacré à chacun des grands films d'animation réalisés du vivant de Walt, dont Pinocchio, Fantasia, Dumbo, Bambi, Cendrillon, Peter Pan, La Belle et le Clochard et Les 101 Dalmatiens, sans oublier les trésors plus confidentiels comme les courts métrages expérimentaux de la collection Silly Symphonies et les films musicaux à épisodes comme La Boîte à musique et Melodie Cocktail, sous-estimés, qui ont tous bénéficié de la même attention et des mêmes recherches méticuleuses. Un grand nombre de projets inaboutis, parmi lesquels une proposition de suite pour le légendaire dessin animé musical Fantasia ou un hommage à Davy Crockett par le peintre Thomas Hart Benton, figurent aussi dans le livre aux côtés d'oeuvres originales rarement vues. Au fil des pages, les contributions d'experts reconnus comme Leonard Maltin, Dave Smith, Charles Solomon, J.B. Kaufman, Russell Merritt, Brian Sibley et Didier Ghez racontent la fabrication de chaque film.

Conscients que le style Disney est l'oeuvre d'un travail collectif autant que du maître lui-même, les auteurs des Archives des films Walt Disney remercient les remarquables dessinateurs et designers qui ont influencé le style du studio, notamment Albert Hurter, Gustaf Tenggren, Kay Nielsen, Carl Barks, Mary Blair, Sylvia Holland, Tyrus Wong, Ken Anderson, Eyvind Earle et Walt Peregoy.


Premier volume d'une des monographies illustrées les plus complètes sur Walt Disney.
Produit avec l'aide des Walt Disney Archives et de la célèbre bibliothèque de recherche sur l'animation de Disney.
Couvre l'épopée de Walt Disney, de l'époque du muet à son ultime chef-d'oeuvre, Le Livre de la jungle (1967).
Présente le premier long métrage d'animation Disney, Blanche-Neige et les sept nains (1937), le film artistique expérimental qui fit date, Fantasia (1940), et des classiques populaires de l'après-guerre comme Cendrillon (1950) et Peter Pan (1953).
1.500 illustrations et des essais d'éminents spécialistes de Disney.
Des planches d'assemblage des cellules fournissant des illustrations très détaillées de célèbres scènes de film.
Une remarquable incursion dans les coulisses de Disney grâce à des extraits des conférences de rédaction entre Walt et son équipe et à des clichés rares pris par les photographes du studio.
Édition originale anglaise et livret avec traduction en allemand, espagnol ou français.


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